Αναχώρηση για Παρίσι 15:17

Έχετε παρατηρήσει ότι έχει γίνει πλέον κανόνας, οι ταινίες που βασίζονται σε αληθινά γεγονότα να δείχνουν στους τίτλους τέλους τα πρόσωπα των πραγματικών ηρώων; Στην ταινία «The 15:17 to Paris» δεν συμβαίνει κάτι τέτοιο. Οι τρεις Αμερικάνοι ήρωες που βρέθηκαν στο τρένο Thalys #9364 με προορισμό το Παρίσι είναι παρόντες σε όλη τη διάρκεια της ταινίας, καθώς ο Κλιντ Ίστγουντ είχε την φαεινή (όσο και ανόητη) ιδέα να μη χρησιμοποιήσει επαγγελματίες ηθοποιούς, αλλά να βάλει τους ίδιους να παίξουν τον εαυτό τους.

Ο Ίστγουντ συνεχίζει το σερί ταινιών που εξυμνούν τον μέσο Αμερικάνο που ξεπερνάει τον εαυτό του για το γενικότερο καλό, μετά το ακραία μιλιταριστικό «American Sniper» και το μελοδραματικό «Sully» (πάλι καλά που δεν είχε τότε την ιδέα να βάλει τον αληθινό πιλότο να παίξει στο “Sully” και προτίμησε τον Τομ Χανκς).

Στο «The 15:17 to Paris» βλέπουμε τον Άντονι Σάντλερ, τον Άλεκ Σκαρλάτος και τον Σπένσερ Στόουν, τρία παιδιά που κινήθηκαν ηρωικά και απέτρεψαν μια τρομοκρατική επίθεση, αφοπλίζοντας έγκαιρα έναν φανατικό Ισλαμιστή που είχε σκοπό να αιματοκυλίσει ένα τρένο. Αναμφίβολα πρόκειται για πράξη ανδρείας και αυταπάρνησης, που δίκαια έκανε τον τότε πρόεδρο Φρανσουά Ολάντ να τους παρασημοφορήσει με το μετάλλιο της Λεγεώνας της Τιμής. Θα καταλάβετε θέλετε δεν θέλετε το πόσο δίκαιο ήταν, καθώς στο τέλος της ταινίας βλέπουμε ολόκληρη την ομιλία του Ολάντ από τηλεοπτική κάλυψη, λες και έπρεπε να δούμε το δελτίο ειδήσεων εκείνης της ημέρας για να βεβαιωθούμε για το πόσο σπουδαίο ήταν όλο αυτό.

Πρόκειται για την πιο απροβλημάτιστη και φτηνή σε συναίσθημα ταινία της μακράς φιλμογραφίας του Ίστγουντ και ο συναγωνισμός για κάτι τέτοιο είναι μεγάλος. Ο Κλιντ νομίζει ότι πρωτοπορεί και ότι κάνει ένα δραματοποιημένο ντοκιμαντέρ που ενσωματώνει τη φόρμα της παραδοσιακής μυθοπλασίας. Στην πραγματικότητα, αυτό που κάνει είναι ένα κακοστημένο docudrama για τους λάτρεις του Τραμπ. Προσοχή, όχι για τους Ρεπουμπλικάνους γενικά, αλλά για τους θαυμαστές του Τραμπ. Ενα αντίστροφο «celebrity rehab» που αντί για αποτοξινωμένους «has beens» βλέπουμε τα role models της διπλανής πόρτας να αναβιώνουν τη στιγμή της δόξας τους, με λεξιλόγιο λίγο πιο φτωχό από τις Καρντάσιαν και με μια ενοχλητική μοιρολατρία να διαπερνάει το φιλμ. Από την πρώτη στιγμή ο Ίστγουντ υπερθεματίζει στην ιδέα πως αυτά τα τρία παιδιά ήταν προορισμένα εκ γενετής από μια ανώτερη δύναμη να κάνουν αυτή την πράξη.

46tmvw_2.jpg

Στο πρώτο μέρος της ταινίας βλέπουμε μια αναδρομή στα παιδικά χρόνια των ηρώων, όταν η πίστη τους στον Θεό ήταν σπουδαιότερη από την δημόσια εκπαίδευση ή από την εκπαίδευση γενικότερα. Οι γονείς τους στράφηκαν στο Χριστιανικό σχολείο και τα παιδιά αγαπούσαν από πολύ νωρίς τα όπλα και τις σφαίρες. Μεγάλωσαν σωστά, μας υπογραμμίζει ο Κλιντ, όπως πρέπει να μεγαλώνει ένα παιδί δηλαδή: να κοιμάται με το αληθινό τουφέκι πάνω απ’ το παιδικό του κρεβάτι και να προσεύχεται με φόντο τη σημαία. O Σπένσερ Στόουν είναι αυτός που παίρνει πάνω του το μεγαλύτερο βάρος της (ανύπαρκτης) ιστορίας από τους τρεις. Τον βλέπουμε να βρίσκει την υγειά του στην αγνή πειθαρχεία του Αμερικάνικου στρατού. Όπως αφήνει να εννοηθεί ο σκηνοθέτης, αν αυτά τα παιδιά οπλοφορούσαν, όλοι όσοι βρίσκονταν γύρω τους θα ένιωθαν ασφαλείς. Μια πολιτικά ξεκάθαρη και «περήφανη» στήριξη της ιδέας της οπλοκατοχής.

Στο δεύτερο μέρος του έργου, βλέπουμε χωρίς λόγο τους τρεις παιδαράδες να μην λένε τίποτα, να μην κάνουν τίποτα και να περιφέρονται άσκοπα στα τουριστικά αξιοθέατα της Ρώμης και του Άμστερνταμ. Ο Κλιντ βλέπει μια παρέα από «γαμώ τα παιδιά», εγώ βλέπω τρεις κάγκουρες με σελφοκόνταρο. Τρεις νεαρούς που σε δυο ώρες κινηματογραφικού χρόνου δεν μπορούν να πουν δυο προτάσεις της προκοπής στη σειρά.

Ο σκηνοθέτης δεν τους επιτρέπει καν να βρίσουν στο ελάχιστο. Φυσικά, άλλωστε οι αιώνιοι φαντάροι στην ηλικία των 20’s όταν διακοπάρουν στην Ευρώπη μόνοι τους δεν πετάνε ούτε «fuck». Αυτό μάλλον θα έριχνε την μετοχή της εθνικής υπερηφάνειας στον κόσμο που θα πήγαινε στο σινεμά να τους θαυμάσει.
Κάπου μέσα στις αδικαιολόγητα μεγάλης διάρκειας σκηνές των διακοπών, ο Ίστγουντ ρίχνει και σχόλια ειρωνικού εθνικισμού, βάζοντας έναν αγενή τουριστικό ξεναγό να χλευάζει τους Αμερικάνους που θεωρούν ότι ο στρατός τους εξανάγκασε σε ήττα τον Χίτλερ.

Η ταινία, ίσως να λειτουργούσε σαν χορηγούμενο διαφημιστικό για τον στρατιωτικό τρόπο ζωής, και θα μπορούσε να προβάλλεται για πάντα στα ΚΨΜ των στρατοπέδων, σε νεοσύλλεκτους ΕΠΟΠ και σε απόστρατους που καθαρίζουν τα όπλα στη βιτρίνα του σπιτιού τους. Πιθανότατα μπορεί και να τονίσει την αυτοπεποίθηση του κάθε white trash του Αμερικάνικου Νότου, που έχει ανάγκη να νιώσει ότι γεννήθηκε για έναν μεγαλύτερο σκοπό. Ίσως κάποτε να είναι αυτός που θα έχει την τιμή σκοτώσει κάποιον ύποπτο, μελαμψό τύπο. Ο καλός Θεός ας προσέχει τους παλικαράδες εκεί έξω και ας τους φωτίσει όταν θα σηκώσουν το όπλο τους για να σημαδέψουν. Να’σαι καλά κύριε Ίστγουντ, μας υποχρέωσες.

46tmvw_1.jpg
Από το Movieworld
Advertisements
Posted in Cinema | Leave a comment

Black Panther

Το καλό timing είναι το παν όσον αφορά το λανσάρισμα ενός προϊόντος στην αγορά. Όσοι μελετούν τη βιομηχανία του θεάματος, καταλαβαίνουν ότι η εποχή μας είχε ανάγκη έναν μαύρο υπερήρωα. Έτσι λοιπόν, το “Black Panther” διαθέτει το πλεονέκτημα του «επίκαιρου» marketing plan. Φυσικά, ανάλογο “correct” πλεονέκτημα είχε και η Wonder Woman, απλά εκείνη η ταινία της Πάτι Τζένκινς ήταν εμπνευσμένη σε κάθε επίπεδο και αποτελεί τιμή και καμάρι στο genre των χάρτινων ηρώων. Κανείς δεν μπορεί να αρνηθεί ότι η εποχή του ακτιβισμού μέσω hashtags (απ’ το #OscarsSoWhite μέχρι το #MeToo), η εποχή των επιθέσεων σε ταινίες με επιχείρημα το whitewashing (“Ghost in the Shell”, “Annihilation” κ.α.) και η εποχή των συζητήσεων για το αν θα πρέπει να υποδυθεί μια γυναίκα τον James Bond (ήμαρτον), χρειάζονταν διακαώς έναν Αφροαμερικανό ήρωα για να θρέψει τις ενοχές της. Όχι επειδή είναι φυσικό κι επόμενο οι ταινίες με μαύρους action heroes να ξεπεράσουν την ρετσινιά του blaxploitation και να παίξουν επί ίσοις όροις στο mainstream, αλλά γιατί είναι «το σωστό» σε αυτή τη φάση, σύμφωνα με τις έρευνες σε δείγματα κοινού που συμβουλεύονται οι executives του Χόλιγουντ.

Πέρα από τις συνθήκες που έστρωσαν το έδαφος για το Black Panther, η ταινία καθαυτή χρησιμοποιεί με ευρηματικό τρόπο το Αφρικανικό περιβάλλον της γενέτειρας του ήρωα, αλλά οι αρετές της σταματούν εκεί. Η ιστορία φέρνει τον ήρωα Τ’Τσάλα στο θρόνο της Γουακάντα, ενός υπερβολικά ανεπτυγμένου κρατιδίου σε επίπεδο τεχνολογίας, πιστό όμως στην αρχαία παράδοση και τις μυστικιστικές δοξασίες της φυλής. Ο νέος βασιλιάς αποφασίζει να εκδικηθεί για το χαμό του πατέρα του, όταν του χαλάει τα σχέδια ο Έρικ Κιλμόνγκερ, ο κακός της ιστορίας που αμφισβητεί την μετριοπαθή εξουσία του και διεκδικεί το θρόνο για να βάλει σε εφαρμογή τα πολεμοχαρή σχέδιά του για να αιματοκυλίσει τον κόσμο. Ο Τσάντγουικ Μπόουζμαν μπαίνει στη στολή του Μαύρου Πάνθηρα και ο Μάικλ Μπ. Τζόρνταν είναι ο σκοτεινός του αντίλαλος μέσα στην άτρωτη στολή του Κιλμόνγκερ.

Από κεκτημένο φιλελεύθερο ενθουσιασμό, πολλοί Αμερικάνοι μίλησαν για την καλύτερη ταινία που έβγαλε ποτέ η Marvel. Στην πραγματικότητα πρόκειται για ξαναζεσταμένη συνταγή που δεν αποκλίνει ούτε μια στιγμή απ’ τα χιλιοειπωμένα. Προβλέψιμη έκβαση δράσης, μέτρια χορογραφημένες μάχες, αίσθημα καθήκοντος, ατομικές φιλοδοξίες εναντίον συλλογικής αφοσίωσης, πράξεις ανδρείας και πεντακάθαρα μηνύματα, σε ένα ηθικά προσεγμένο κοκτέιλ για όλες τις ηλικίες (και φυλές) του κόσμου. Η σκηνοθεσία του Ράιαν Κούγκλερ αδιαφορεί για τους ηθοποιούς – ο Μάρτιν Φρίμαν περιφέρεται χωρίς να ξέρει τι ρόλο έχει και τι να κάνει τα χέρια του. Όσο για το βολικό άλλοθι περί πολιτικών μηνυμάτων, στα οποία πολλοί θα βρουν εκπαιδευτικές αλληγορίες περί Μάρτιν Λούθερ Κινγκ και Μάλκομ Χ, θα πρότεινα στους γονείς να δείξουν στα παιδιά τους το «Do The Right Thing» (1989). Στην τρυφερή εφηβική ηλικία το είδαμε κι εμείς και πολλά περισσότερα καταλάβαμε και νιώσαμε. Άσε που δεν στερηθήκαμε καθόλου σε ψυχαγωγία, παρόλο που εκείνο το φιλμ του Σπάικ Λι δεν είχε CGI.

Posted in Cinema | Leave a comment

Album Of The Week #156

Django Django

Marble Skies

Mε το ομώνυμο ντεμπούτο τους (2012), οι Django Django μας συστήθηκαν ως μία μπάντα που σου ανοίγει την καρδιά. Για να τους ευχαριστηθείς, δεν χρειαζόταν να νιώθεις μέρος κάποιας hip κοινωνίας, ούτε να βρισκόσουν στο target group μιας μαζικής, ραδιοφωνικής κουλτούρας. Με τον νέο του δίσκο, το βρετανικό συγκρότημα συνεχίζει να φτιάχνει ευπρόσδεκτα τραγούδια, τα οποία θέλουν να διαβούν τις διάπλατα ανοιχτές πόρτες των ακροατών χωρίς να τα κακοκαρδίσει κανείς. Το καταφέρνουν σε κάποια σημεία, με κόστος όμως κάμποσα περισσευούμενα κομμάτια πλήξης, που ξεδιπλώνονται αναιμικά στα αυτιά μας. Το Marble Skies δεν έχει να δώσει καμιά ελπιδοφόρα απάντηση στη γκρίνα γύρω απ’ το πόσο ομοιογενή ακούγονται τα καινούρια σχήματα της pop, εξαιτίας των ευκολιών της τεχνολογίας. Πρόκειται για ένα κράμα ελαφρότητας και ειρωνείας, το οποίο πατάει επάνω σε μελωδίες που δεν πρόλαβαν ποτέ να γίνουν ολοκληρωμένα τραγούδια.

Σαφώς και είναι αγνοί και καλόγουστοι οι Django Django και διαθέτουν ευφυές attitude. Αγαπάνε την ψυχεδελική pop των 1960s, αλλά με νεοκυματικά synths είναι μεγαλωμένοι. Δυστυχώς, όμως, σε πολλά σημεία, το ψυχαγωγικό τους όραμα ακούγεται νωθρό, σαν αποκύημα της αμαρτωλής μουσικής βιομηχανίας των αρχών της δεκαετίας του 1980. Αυτή η προβλεψιμότητα τους αδικεί, ειδικά σε τραγούδια όπως το “Surface Τo Air”, όπου συμμετέχει η Rebecca Taylor στα φωνητικά. Πρόκειται για ένα κομμάτι που θαρρείς ότι το έγραψαν με αποκλειστικό σκοπό να βρεθούν με το ζόρι στο εξώφυλλο του Rolling Stone.

Στις μεσόρυθμες στιγμές τους είναι που ακούγονται πιο ελκυστικοί. Το “Champagne” έχει ενδιαφέρον electro-funk κορμό, ενώ το “Fountains”, που κλείνει τον δίσκο, είναι περιπετειώδες. Στις καλές στιγμές ανήκει και το “Tic Tac Toe”, όπου οι Django Django ακούγονται σαν συγκρότημα της σχολής των New Romantics που αναγκάστηκε να γράψει το θέμα μιας τηλεοπτικής σειράς γουέστερν. Η αλήθεια είναι πως τα στολίζουν πολύ τα τραγούδια στο Marble Skies, καθώς έχουν προσέξει λεπτομερώς πολλές γωνίες και καμπύλες σε επίπεδο παραγωγής. Δεν ξεπετάνε τίποτα, πράγμα βεβαίως ευπρόσδεκτο στην εποχή που η DIY αντίληψη περί «φτωχού πλην τίμιου» αρχίζει και γίνεται κατεστημένο. Ωστόσο, είμαι σίγουρος ότι το άλμπουμ θα βρει γυρισμένες τις πλάτες του κοινού στο οποίο στόχευε ώστε να γίνει κοινωνός της φάσης του. Ας μη βιαστούμε πάντως να εγκαταλείψουμε το τρένο των Django Django. Πιστεύω ότι έχουν καλούς δίσκους μπροστά τους.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Η Μορφή του Νερού

Για να επιστρέψει ο Γκιγιέρμο ντελ Τόρο στο προσωπικό του σινεμά, χρειάστηκε άλλο ένα «τέρας». Μετά τον αριστουργηματικό «Λαβύρινθο του Πάνα», ο Μεξικανός σκηνοθέτης μας κάνει δώρο άλλη μια ταινία μέσα από την καρδιά του. Αν ο Ντελ Τόρο είχε μπει σε εκείνο τον αξέχαστο «Λαβύρινθο» για να βρει στην άκρη του νήματος την παιδική αθωότητα και την καλοσύνη, στη «Μορφή του Νερού» προσπαθεί να δώσει σχήμα στη ρευστή φύση του έρωτα. Από την εποχή του «Ψαλιδοχέρη» του Τιμ Μπάρτον, έχουμε να δούμε σκηνοθέτη που να ταυτίζεται σχεδόν αυτοβιογραφικά με τα «τέρατα» και να διαχειρίζεται τους ανθρώπους που τα περιβάλλουν σαν απειλή προς την αγνή φύση τους. Στην καρδιά τους ταινίας (που χτυπάει πραγματικά δυνατά) βρίσκεται μια μοναχική και μουγκή καθαρίστρια που δουλεύει σε ένα κρυφό κυβερνητικό εργαστήριο στις αρχές της δεκαετίας του ’60. Εκεί θα αναπτύξει μια τρυφερή σχέση στοργής με ένα αμφίβιο πλάσμα το οποίο έχει υποστεί φριχτά βασανιστήρια.

Η αλληγορία του φιλμ είναι προφανής και οι ιδέες του απτές και ξάστερες. Δεν υπάρχει κάτι το αμφίσημο ή αινιγματικό στην πλοκή της ταινίας. Η τρυφερή πρωταγωνίστρια ξέρει καλά πως είναι να νιώθεις σαν τερατόμορφο πλάσμα και δεν αντιμετωπίζει το αιχμάλωτο τέρας με φόβο. Του προσφέρει αυγά για να καταβροχθίσει, του δίνει ελπίδα όταν δεν υποφέρει από σαδιστικούς βασανισμούς και στο τέλος το ερωτεύεται, μέσα σε ένα (κυριολεκτικό) ωκεανό αγνών συναισθημάτων. Συνένοχοι στη διάσωση του πλάσματος από την καλόκαρδη καθαρίστρια, θα είναι ο μοναχικός γείτονάς της και η Αφροαμερικανίδα συνάδελφός της, που την νοιάζονται πολύ.

47mvw_2.jpg

Ο Γκιγέρμο ντελ Τόρο ξαναβρήκε σε αυτή την αλλόκοτη ερωτική ιστορία την αγάπη του για το κλασικό σινεμά του φανταστικού. Κάτι ξύπνησε το fan boy μέσα του, που ήταν βουτηγμένο στο sci-fi, τα σκοτεινά κόμικ και τα γοτθικά θρίλερ. Ευτυχώς άφησε πίσω του προσωρινά τον εμπορικό κατασκευαστή του «Blade II», του «Hellboy» και του «Pacific Rim» και μπήκε ξανά στον προσωπικό του κόσμο, σε αυτόν που έλαμψε σαν αμετανόητος στυλίστας με τη «Ράχη του Διαβόλου». Κάθε πλουμιστό κάδρο της «Μορφής του Νερού» είναι βγαλμένο από τα όνειρα ενός ενθουσιώδους παραμυθά. Κάθε σκηνή είναι πλασμένη στη φαντασία ενός μαριονετίστα. Άριστος ρυθμός, γεωμετρικά πλάνα και φωτογραφία που κρατιέται με το ζόρι να μη πεταχτεί έξω απ’ το πανί της οθόνης.

Ο Ντελ Τόρο μπορεί να είναι λαϊκός αφηγητής, ρομαντικός εικονοκλάστης, εμπορικός παραγωγός και τίμιος αναβιωτής των b-movies της ψυχροπολεμικής υστερίας ταυτόχρονα. Δεν καταφέρνει ωστόσο να απαλλάξει τους θεατές από μια άβολη αίσθηση… «Αμελί». Η δραματουργία σε πολλές στιγμές προχωράει με χοροπηδηχτά αλματάκια και οι εικόνες είναι ντυμένες στην τρίχα, σε βαθμό που δεν σε αφήνουν να διακρίνεις αληθινές οσμές και να δεις τη σιλουέτα τους. Παρακολουθώντας την ταινία με τα ξεκάθαρους «διαβόλους» και τους φανερούς «αγίους», μπορείς να ρυθμίσεις το IQ στο μηδέν και να ακουμπήσεις μόνο σε πρωτοεπίπεδες αισθήσεις. Έτσι όμως ξεχνάς την ευεργετική επίδραση ενός ερωτικού δράματος που στοχεύει μετωπικά στουςς αισθητήριους μηχανισμούς. Μικρό το κακό, ειδικά όταν τα παραμύθια είναι αγνά και άκακα, σαν μικρά παιδιά που δεν σου πάει η καρδιά σου να τα μαλώσεις.

47mvw_3.jpg

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

6 Greek Albums

Lower Cut

Ocean

Θα ήθελα πολύ να μην είχε κακοποιηθεί εξαιτίας της επαναλήψεως ο όρος «εναλλακτικό», για να τoν κολλήσω δίπλα στον δίσκο των Lower Cut και να συνεννοηθούμε χωρίς πολλά λόγια. To Ocean δεν προφέρει τίποτα “meta” και τίποτα ρηξικέλευθο, αλλά τελικά είναι ευπρόσδεκτο και πιθανότατα απαραίτητο, σε μια εποχή που το ατόφιο, κιθαριστικό ροκ έχει ρημάξει και κανείς δεν κάνει πια τον κόπο. Η γενιά που μεγάλωνε λατρεύοντας ισόποσα την Polly Harvey, τους Lush, τους Breeders (αλλά και τους Echo Tatoo), θα βρουν πράγματα να αγαπήσουν σε τούτο το μεστό και δεμένο album που διακατέχεται από κομψή αισθητική και θηλυπρεπή μελαγχολία. Προσωπικά, τίμησα τις γλυκές κιθάρες του “Endless Countdown On New Year’s Eve” με αλλεπάλληλα «repeat».

Στα 35 μεστωμένα λεπτά του δίσκου, οι Lower Cut αξιοποιούν τη rock δυναμική που έχουν χωνέψει και έχουν βάλει στόχο να μην προδώσουν όσους έχουν όρεξη να αναμειχθούν με αυτούς τους ζωτικής σημασίας απόηχους της δεκαετίας του 90. Ακόμη κι όταν δεν διαχειρίζονται ιδανικά τις σκοτεινές /new age αγάπες τους (Rebound) ή ακόμη κι όταν το σοφιστικέ, μπαλαντοειδές jam τους (War) δεν φτάνει τις θερμοκρασίες που θα έπρεπε, έρχονται τραγούδια όπως το “Honey” που σε κάνουν να κοντοσταθείς. Τα φωνητικά της Ειρήνης Αργύρη μας θυμίζουν ότι δεν είναι μονόδρομος το φιλοσοφικό παζάρεμα με αυτοκαταστροφικούς εφιάλτες και αρκεί το μεστό ύφος για να είναι θελκτικό το αποτέλεσμα. Η παραγωγή του Αλεξ Μπόλπαση θα μπορούσε ίσως να μην καθαρογράφει τα κομμάτια αλλά να άφηνε μουτζούρες και μολυβιές στο γραπτό μιας μπάντας, η οποία ενώ γράφει μουσική με βάση κανόνες και στανταρισμένους άξονες, στο Ocean το κάνει με στυλ. Κρίμα που είναι το τελευταίο τους.

 

May Roosvelt

Junea

Το πεδίο της ηλεκτρονικής dreamy pop μοιάζει να είναι το αγαπημένο τερέν για όσους καλλιτέχνες αγωνιούν να εκφράζουν εμφατικά το μουσικό τους παρόν, αλλά και για όσους έχουν ξεκάθαρο όραμα για τον εαυτό τους, μεσ’ το νεφελώδες σημερινό τοπίο του σοσιαλμιντιόπληκτου αυτοπροσδιορισμού. Η May Roosvelt με το album της Junea είναι σαφές ότι θέλει να παράξει αστικά, μουσικά όνειρα, κεντημένα σε διάκοσμο αιθερόφωνου. Οι συνθέσεις της, παραγματικά διακατέχονται από μια επιθυμία για περιπέτεια– έστω εκ του ασφαλούς. Από το σαρκαστικό παιχνίδισμα του “Pa” με τα γοητευτικά, νυχτερινά bleeps και τις νεορομαντική ενατένιση του “Air”, μέχρι την ανελισσόμενη αύρα του “Let’s”, η May Roosvelt μας δείχνει πως αν μη τι άλλο είναι ικανή να δημιουργήσει ενορχηστρωτική δίνη, η οποία μερικές φορές μπορεί να είναι δυνατή σαν κρύος νυχτερινός αέρας. Αποσυναρμολογημένα αισθήματα και μπλαζέ τρυφερότητα τη βρίσκουν μια χαρά μεταξύ τους, καθώς βρίσκονται αγκαλιά και μπλέκουν τα πόδια τους με νάζι κάτω απ’ τα πολλά στρώματα ηλεκτρονικών ήχων.

Το Junea νομίζει πως είναι ένα σπάνιο υβρίδιο, εξωστρεφές και ευφορικό. Αποτελείται όντως από τραγούδια που με περηφάνεια και κυρίως με στυλ, μπορούν και σηκώνουν το κεφάλι για να κοιτάξουν ψηλά, όμως το δωμάτιο που τα φιλοξενεί είναι χαμηλοτάβανο και δεν έχει αρκετή θέα. Την ανάπτυξη των hook των τραγουδιών ώστε να αποκτήσουν τη σφραγίδα του «σημαντικού» περιορίζει μια εγγενής κόντρα στη φύση των συνθέσεων: της τάσης των τραγουδιών να ενταχθούν στις «cool playlists» της πόλης και την επιθυμία της May να παράξει αληθινά σοφιστικέ ηλεκρονικούς ήχους. Τελικά τα κομμάτια δεν κουμπώνουν όυτε στα ερτζιανά που σερβίρουν «ατμόσφαιρες» αλλά ούτε αποδρούν ποτέ από το χαμηλοτάβανο δωμάτιο δίχως θέα στη γειτονιά του trip hop ή του shoegaze, ώστε να στοχεύσουν κατευθείαν στην καρδιά του ακροατή. Ο μουσικός μικρόκοσμος της May είναι μοντέρνος σε ιδέες, στυλάτος (ειδική μνεία στο ωραίο εξώφυλλο) και δεν θεωρεί το στυλιζάρισμα βρώμικη λέξη, όμως ο δίσκος αδυνατεί να παράξει αληθινούς χυμούς και τελικά μένει να θρέψει μόνο τις πρωτοεπίπεδες αισθήσεις.

 

Tango With Lions

The Light

Δεν χάνεις και δεν χάνεσαι στο «The Light». Οι μουσικές κατευθύνσεις των Tango With Lions έχουν συγκεκριμένη γεωγραφία αισθητικής και δεν σε αφήνουν μόνο σου. Η Κατερίνα Παπαχρήστου δεν περιορίζεται στο να μηρυκάζει τους οικείους ήχους της Βρετανικής κληρονομιάς, ούτε ψάχνει τα ίχνη στο χώμα του Αμερικάνικου κολεγιακού ροκ για να πατήσει με ασφάλεια στη σχηματισμένη πατούσα τους. Στο φετινό τους album, η μοναξιά της Αμερικάνικης ερήμου έχει συχνά το ρόλο του μύστη, ειδικότερα σε τραγούδια όπως το πανέμορφο «Proof Of Desire». Παρά τα συμβατικά ροκ όρια που το ορίζουν, το album μπορεί να καμώνεται πως διαφέρει από την επίπεδη lo-fi ακουστικότητα που πλήττει την μελαγχολική τραγουδοποιία της εποχής. Τα τραγούδια είναι αρμονικά, ευάκουστα, ακόμα και στις στιγμές που χουχουλιάζουν κάτω απ’ την ηλεκτρική κουβέρτα των Walkabouts.

Αν και οι Tango With Lions βάζουν τα δυνατά τους να συγκεντρώσουν όλη τη “ραδιοφωνική” δύναμη που μπορούν, δεν υπονομεύουν την απολαυστική all-day ακρόαση. Η Kat αντιλαμβάνεται σε κάποιες στιγμές τον εαυτό της ως μία σύγχρονη Cat (Power) αλλά χωρίς τις αδικαίωτες νευρώσεις. Κάποιες εύκολες και προφανείς λύσεις στην παραγωγή, όπως τα ανέμελα πνευστά στο «Restless Man» ή η παιδική χορωδία στο ομώνυμο τραγούδι, λύνουν τα χέρια στα δύσκολα. Βρίσκουμε και έξυπνες ιδέες όμως, όπως την χρήση νεορομαντικών πλήκτρων στο «Phoenicia» ή τις τραγανές κιθάρες στο What You’ve Become (δεν μπορεί να μου ξεκολλήσει από το μυαλό ότι σε ένα ιδανικό playlist θα έπαιζε μετά το Mayonaise των Smashing Pumpkins). Βέβαια, κομμάτια όπως The Go Betweens χρειάζονταν μια πιο τολμηρή φωνητική υποστήριξη, ένα πιο δυνατό ερμηνευτικό σπρώξιμο για να φύγει στην κατηφόρα το όχημα. Αυτή είναι και η αίσθηση που αφήνουν τα περισσότερα τραγούδια. Σαν να θέλουν διακαώς να εκραγούν από μέσα τους αλλά πατάνε συνεχώς στα ακροδάχτυλα. Έτσι, κανείς δεν θα μάθει τι ηδονές και τι κινδύνους κρύβουν μέσα τους. Το «The Light» είναι όμορφο στο σύνολό του, αλλά είχε ανάγκη περισσότερο παλμό για να γίνει απαραίτητο και υπολογίσιμο.

 

Bazooka

Ζούγκλα (EP)

«Καλωσήρθατε στη ζούγλα» μας φωνάζουν μεσ’ τα μούτρα μας οι Bazooka, απ’ τις πρώτες κιόλας άναρθρες κραυγές του νέου τους ΕΡ, λίγους μήνες μετά την κυκλοφορία του απολαυστικού άλμπουμ τους “Άχρηστη Γενιά”. Κραυγάζουν όμως τον αφορισμό τους, όχι με τo φτιασιδωμένο ύφος ενός κλώνου του Axl Rose που μόλις βγήκε απ’ το κομμωτήριο, αλλά με την ορμή μιας ομήγυρης που θέλει να εξαπολύσει οργανωμένη επίθεση στα ασφαλή σαλόνια μας, μέσα από τσιρίδες, διαβολεμένα φωνητικά και κιθάρες σε θερμοκρασία βρασμού.

Η βολιώτικη μπάντα δείχνει να βρίσκει τη φωνή στην εταιρεία Inner Ear. Τα τέσσερα νέα τραγούδια τους βρίσκονται στο δικό τους, ερεβώδη, σκοτεινό κόσμο, και χαίρονται γι’αυτό. Ούτε ματιά δεν θέλουν να ρίξουν στο λεηλατημένο περιβάλλον γύρω τους. Απ’ τον διαστημικό, πηχτό θόρυβο της ”Ζούγκλας” και την αρρωστημένη, παγανιστική folk του ακουστικού ”Εξαϋλώσου”, μέχρι την εθιστική, γκρουβάτη ανάπτυξη του ”Η Δική Σου Η Σειρά”, το δισκάκι σε ρίχνει με τα μούτρα σε ένα φρενήρες καρουζέλ από ζαλιστικές κιθάρες, μέσα στο οποίο ψάχνεις για χερούλια να πιαστείς. Το πνιγμένο στα παραισθησιογόνα μανιτάρια ”Θέλω Φύση” που κλείνει το ΕΡ, ακούγεται σαν χαμένο nugget που ανακάλυψαν ρακοσυλλέκτες της ψυχεδελικής κουλτούρας της δεκαετίας του 60 και το ανασκευάζουν με χειροποίητα υλικά.

Οι Bazooka παίζουν μουσική σαν να είναι εγκλωβισμένοι στα γρανάζια της παρανοϊκής rock μηχανής που τους έθρεψε. Οι κιθάρες θέλουν να συντηρήσουν έναν χορό που έχει στηθεί γύρω τους από σαλεμένους και φρικιά. Το συγκρότημα επικοινωνεί σε Ελληνικό στίχο, ποζάρει με αυτάρεσκο, Αμερικάνικο θράσος και ηδονίζεται μιλώντας την παγκόσμια γλώσσα του Rock’n’Roll. Οι εμφανείς επηρροές απ’ τους Mudhoney μέχρι τους Melvins περισσεύουν και ανήκουν σε «σφουγγοκωλάριες» κριτικές και αναλύσεις που παραβλέπουν την άναρχη φύση της μουσικής των Bazooka και των υγρών που παράγουν τα θέλγητρά τους. Εφόσο οι ίδιοι δεν φόρτωσαν με το λίπος άλλων 7 με 8 «fillers» τούτο το σύνολο τραγουδιών, θα ακολουθήσω το παράδειγμά τους και δεν θα υπεραναλύσω την οργανική τους φύση. Αντ’ αυτού θα αυξήσω την ένταση στον ενισχυτή γιατί η επόμενη ακρόαση είναι πάντα καλύτερη απ’ την προηγούμενη. Δεν το λες και λίγο.

 

Afformance

Music for Imaginary Film #1

Οι μελωδίες των Afformance ψάχνουν για εικόνες από σελιλόζη για να τυλιχθούν τριγύρω τους. Το φετινό τους album έχει φτιαχτεί για να ντύσει ένα φανταστικό φιλμ, απ’ αυτά που παίζουν στο μυαλό μας, αλλά και για να θρέψει τα κολάζ αναμνήσεων που φτιάχνει η μνήμη μας. Το Music for Imaginary Film #1 διαθέτει έναν καλά δομημένο, post-rock εναέριο τάπητα, στον οποίο πατάει μια ιστορία αγωνίας ενός ήρωα που θέλει να δραπετεύσει από ένα άγνωστο δάσος. Τραγούδια όπως το Sol in the Woods και το Aftermath, είναι ικανά να απογειώσουν νύχτες αστροφαντασίας και φιλοδοξούν να αντηχήσουν σε κλειστούς χώρους και να απλωθούν στην ατμόσφαιρα. Στον φορμαλιστικό κορμό του δίσκου βρίσκουν έδαφος οι ευδιάκριτες ανησυχίες του άκρως παραγωγικού συγκροτήματος.

Tίποτα δεν είναι στην τύχη σε αυτό το δίσκο: oι ήπιες πιανιστικές μελωδίες και τα ηλεκτρικά ξεσπάσματα είναι αποτέλεσμα ξεκάθαρων στιλιστικών αγωνιών. Πρόκειται στην ουσία για ένα μπουκέτο από περιπετειώδη instrumental με αξιοθαύμαστη ακεραιότητα ύφους. Δίχως ευκολίες «θορύβου» για να θολώσουν τα νερά και χωρίς τα συνήθη καταφύγια στην αφαίρεση που σε γλυτώνουν απ’ τα δημιουργικά αδιέξοδα. Τούτο το soundtrack για αόρατες εικόνες δανείζεται τον τίτλο του από τη γλώσσα της δισκογραφίας του Brian Eno, αλλά δεν μεγαλοπιάνεται σε καμιά στιγμή του και μάλιστα διαθέτει ενσυναίσθηση του «μικρού μήκους» μεγέθους του. Μπορεί κανείς να σταθεί μόνο στο “619” που κλείνει το δίσκο και ειδικότερα στον τρόπο που κυλάει απ’ τα ηχεία, σαν υγρό, νεφελώδες ambient-rock όνειρο, που θέλει να προλάβει να αγαπηθεί πρωτού εξατμιστεί και γίνει ανάμνηση.

 

Marva Von Theo

Dream Within A Dream

Το Dream Within A Dream είναι φτιαγμένο με μία νιρβάνα στο μυαλό. Πρόκειται για έναν δίσκο που κυλάει στρωτά και κρυστάλλινα, σε ένα τοπίο μετα-Lamp νηνεμίας. Ο δίσκος περιέχει τραγούδια που προκρίνουν τα αέρινα συστατικά των synths και που διψάνε για μια Annie Lennox να τα στείλει ανεπιστρεπτί στα άστρα. Αυτό δεν σημαίνει σε καμία περίπτωση ότι υστερεί φωνητικά η Μάρβα Βούλγαρη. Αντιθέτως, είναι σε πολλά σημεία εντυπωσιακός ο τρόπος που ακουμπάει σε μελωδικές αφηγηματικές μελωδίες που πασχίζουν να είναι καθαρές και ξάστερες, αποφεύγοντας να κρυφτεί πίσω από ψιθυρίσματα και από εφέ που εξυπηρετούν (τάχα μου) την ατμόσφαιρα. Αλλού ακούγεται να έχει την αυτοπεποίθηση που θα χρειάζονταν για να ερμηνεύσει ένα τραγούδι για την εναρκτήρια σκηνή ενός James Bond (Inside Your Mind) και αλλού επιτρέπει στο coolness της Europop να πάρει το πάνω χέρι (Somebody New). Η διάθεση και τα ηχοτοπία του Θοδωρή Φοινίδη είναι αρκούντως κεντημένα και η ενορχηστρωτική άποψή του είναι σχεδόν πλήρης και κοντά σε αυτό που θα επιθυμούσε οποιαδήποτε τραγουδίστρια για να νιώσει βολικά.

Οι Marva Von Theo, βολοδέρνουν σε νεορομαντικά, θλιμμένα trio hop και electro τοπία, αποφεύγοντας τις περιττές, ψυχαναγκαστικές συγκινήσεις – κρατάνε μόνο τις ατόφιες. Η αίσθηση του ήχου είναι τραγανή και γεμάτη εύγευστα τρικ στον ήχο. Ειδικά σε τραγούδια όπως το Reaching The Stars που μοιάζουν με μελωδικά σύννεφα που σε μουδιάζουν και σε ρίχνουν σε ένα περιπετειώδες κηνήγι μέσα σε έναν κήπο απολαύσεων. Το album στο σύνολό του απέχει από το να ακουστεί σπουδαίο. Απέχει όμως πολύ περισσότερο από οποιαδήποτε έννοια μετριότητας. Οι ίδιοι οι Marva Von Theo διαθέτουν άλλωστε υψηλή αίσθηση επαγγελματικής ευθύνης απέναντι στο ακροατήριό τους, το οποίο μάλλον θα εκτιμήσει την τεχνοκρατική υπεροχή τους. Ακόμα και αν ο κορμός των τραγουδιών ήθελε ένα σχετικό συμμάζεμα ώστε να θυμάται καλύτερα τα τραγούδια ο ακροατής στις πρώτες ακροάσεις και να τα ξεχωρίσει από μνήμης, το αποτέλεσμα τους δικαιώνει γιατί μας κάνει να συμμετέχουμε ισότιμα σε μια πολιτισμένη, συναισθηματική, αστική pop από την οποία φτιάχνονται τα όνειρα μέσα σε άλλα όνειρα.

Posted in Music | Leave a comment

Simple Men

There is no such thing as adventure. There’s no such thing as romance. There’s only trouble and desire.
When you desire something you immediately get into trouble. And when you’re in trouble you don’t desire anything at all.

Ο Hal Hartley μπορεί να θεωρηθεί με ευκολία ως ο πατριάρχης της ανήσυχης πλευράς της ανεξάρτητης σκηνής του αμερικάνικου σινεμά. Έσκασε σαν κομήτης την εποχή που το alternative rock και το VHS μεσουρανούσαν. Ως δημιουργός, διέθετε χαρισματική ματιά και το στυλ του ξεχώριζε από κάθε κινηματογραφιστή της γενιάς του. Ο Hartley κατάφερε και έφτιαξε έναν απόλυτα προσωπικό κόσμο από μοναχικούς ήρωες, τους έριξε σε ιστορίες με μινιμαλιστική δράση, τους έδωσε κοφτό και πανέξυπνο διάλογο από επαναληπτικές ατάκες που έδιναν μια χαμηλόφωνη εκκεντρικότητα στο εκάστοτε genre, είτε ήταν η ρομαντική κομεντί “The Unbelievable Truth” (1990) είτε το οικογενειακό δράμα “Trust” (1991), είτε η κατασκοπική περιπέτεια Amateur (1994). Η σπάνια ιδιοσυγκρασία και η μοναδικότητα του στυλιζαρίσματος βρίσκονται σε καλλιτεχνική κορύφωση στο “Simple Men” (1992). Η ιστορία της ταινίας αφορά δύο αδέλφια, τον Bill και τον Dennis, οι οποίοι καταζητούνται από την αστυνομία. Η αινιγματική περσόνα του πατέρα τους και μια προδοσία από την πρώην γυναίκα του Bill, τους κάνει να δεχθούν ότι δεν υπάρχει τίποτα εκτός από μπελάδες και πόθους και αναγκάζονται να φύγουν εξόριστοι. Στον δρόμο θα σταματήσουν σε ένα απομακρυσμένo Diner, όπου ο Bill θα ερωτευτεί την ιδιοκτήτρια.

Όπως κάθε σημαντικός καλλιτέχνης, έτσι και ο Νεοϋορκέζος σκηνοθέτης, παρόλο που αποτελούσε την επιτομή του cool, αντλούσε έμπνευση απ’ την παράδοση. Ο εκκεντρικός τρόπος ερμηνείας των ηθοποιών και το αποστασιοποιημένο ύφος με το οποίο εκστόμιζαν τις ατάκες τους, θυμίζει τον Bresson. Η εφευρετικότητα του μοντάζ, φέρνει στο μυαλό την πρώτη χρυσή εποχή του Godard. Αυτός ήταν και ο λόγος που χρησιμοποιούσε μια μικρή ομάδα από ηθοποιούς σε κάθε ταινία. Οι ηθοποιοί που μοιράζονταν τους ρόλους του και αποτελούσαν τον «ολιγομελή θίασο Hartley» ήταν απόλυτα εναρμονισμένοι στην ιδιοσυγκρασία των ταινιών του.

Στο “Simple Men” η χορογραφία των μηχανικών κινήσεων των ηθοποιών, η απόλυτη γεωμετρία στο χειροποίητο πλάνο, το κοφτό μοντάζ, ο ελλειπτικός διάλογος που μοιάζει να τρέχει σε δύο χρόνους και το εναλλασσόμενο πινγκ-πόνγκ ατάκας που τείνει σε συχνές επαναλήψεις, αποτελούν τις σκηνοθετικές επιλογές που κάνουν το έργο αψεγάδιαστο και ανθεκτικό στη φθορά του χρόνου. Ακόμα και στην εποχή της πλαστικής 3D τεχνολογίας, τα διεισδυτικά κοντινά και τα γεωμετρικά μετρημένα πλάνα του Simple Men είναι χάρμα οφθαλμών. Οι ήρωές του παλεύουν με τις λανθάνουσες φιλοδοξίες τους και το αίσθημα αποξένωσης. Υπάρχει ένα βαθύ αίσθημα απόγνωσης και ματαιοπονίας στο έργο του. Η γλώσσα γίνεται το εργαλείο που τα παραπάνω νοήματα που αντιπαρατίθενται με την αλληλεπίδραση των ηρώων. Ο ρεαλισμός και η αληθοφάνεια των καταστάσεων δεν τον αφορά. Τον αφορούν οι ήρωες και η ακεραιότητα της συναισθηματικής ευφυΐας τους.

Ο Hartley κινηματογραφεί με στέρεα και στατικά πλάνα. Υποδεικνύει το που θα στρέψει το βλέμμα του ο θεατής. Σε αυτό θυμίζει έναν άλλο πρωτοπόρο της ανεξάρτητης σκηνής του Αμερικάνικου σινεμά, τον Jim Jarmusch. Όμως αντίθετα με την ποιητική και αφηρημένη ματιά του Jarmusch, τα πλάνα του Hartley είναι πιο χορογραφημένα. Ο διάλογος είναι ελλειπτικός και βαθυστόχαστος μέσα στη χαλαρότητα και το μπλαζέ ύφος και συνήθως διακόπτεται από τους μοναχικούς ήχους μιας ηλεκτρικής κιθάρας στο soundtrack.Συχνά οι ήρωες στρέφουν το βλέμμα μακριά από τον συνομιλητή τους όταν του απευθύνονται. Παίρνουν αντίθετες στάσεις και τα βλέμματα είναι απαθή. Καμιά φορά βλέπουμε το ύφος και τις αντιδράσεις μόνο αυτού που ακούει και σχεδόν πάντα τα close-up στα πρόσωπα και η κίνηση των σωμάτων αλληλοσυμπληρώνεται. Οι no-budget περιορισμοί μετατρέπονται στο αισθητικό πλεονέκτημα.

48sMvw_3.PNG

Σαν γνήσιο πνευματικό παιδί του Godard, ο Hartley θα αποδομήσει τη γραμμική αφήγηση για χάρη του εγκεφαλικού σχολιασμού. Θα στήσει ολόκληρες σκηνές από μια «μερική οπτική» της δράσης, οι γωνίες λήψεις θα περιορίσουν τις πληροφορίες για τον χώρο και η εικόνα με τον λόγο θα συγχρονιστούν. Όμως οι δυο σκηνοθέτες έχουν και μεγάλες διαφορές μεταξύ τους. Σε αντίθεση με τον πομπώδη παρεμβατικό λόγο και την ποιητική διαλεκτική του Godard, ο Hartley προσδίδει ξεκάθαρα κίνητρα στους ήρωες, τους βάζει σε γνώριμο πλαίσιο δράσης και κάνει τον θεατή να οικειοποιηθεί τις αγωνίες τους. Ο Hartley συντονίζει τη δράση με την αντίδραση ενώ ο Godard αδιαφορεί για τα πλάνα αντιδράσεων, ο Hartley βλέπει οικογενειακό τραύμα εκεί που ο Godard βλέπει ταξική φθορά, ο Hartley εκφράζει ανησυχίες εκεί που ο Godard μιλάει προφητικά.

Ο Hartley δεν έγινε το icon που θα έπρεπε να γίνει. Οι πιο πολλές ταινίες του δεν μπορούν καν να βρεθούν σε DVD. Δεν μπορούσε να γίνει media whore σαν τον Kevin Smith ή να απορροφηθεί από το mainstream σαν τον Richard Linklater. Απέφυγε τα media και από ίνδαλμα χάθηκε στην αφάνεια και τους πειραματισμούς. Θα ήταν κανονική παραφωνία σε μια σύγχρονη κινηματογραφική πραγματικότητα όπου αντιπροσωπευτικό δείγμα ανεξάρτητου σινεμά θεωρείται το Little Miss Sunshine ή το Juno. Είναι πολύ διαφορετικός για να μιλήσει στη γενιά του YouTube και πολύ σπάνιος ακόμα και για τους σινεφίλ θεατές που “πιάνουν” τους Coen. Όμως μια ταινία σαν το Simple Men δεν είναι προϊόν της εποχής της. Έχει μια διαχρονική και παγκόσμια ποιότητα που οι επαναληπτικές θεάσεις της, 26 χρόνια μετά, κάνουν όλο και πιο φανερή. Το Simple Men προσπερνά τα εφήμερα trend και παραμένει ο ορισμός του μοντέρνου, του hip, του quirky, του προχωρημένου και του… post everything.

Ο ήρωας που υποδύεται ο Martin Donovan σε έναν παροξυσμό πανικού και οργής θα φωνάξει ότι δεν αντέχει την ησυχία. Στο επόμενο πλάνο οι ήρωες θα επιδοθούν σε ένα ξεκούρδιστο χορευτικό νούμερο πάνω στο Cool Thing των Sonic Youth. Στο ίδιο πλάνο θα παρεμβληθούν ο Bill και η Kate όπου θα τους δούμε σε έναν χορό σαγήνης, δισταγμού και υπόγειου φλερτ. Ας φανταζόματε ότι θα χορεύουμε για πάντα, παρέα με τους ήρωες, σε αυτή την αιώνια σκηνή.

Posted in Cinema | Leave a comment

Call Me by Your Name

Η ιστορία του «Call Me by Your Name» διαδραματίζεται το καλοκαίρι του 1983, σε μια ηλιόλουστη έπαυλη της Λομβαρδίας στη Βόρεια Ιταλία, μέσα σε καταπράσινους κήπους και ανθισμένα λουλούδια. Ένα πανέμορφο σκηνικό, τόσο σαγηνευτικό που θα μπορούσε να φιλοξενήσει ακόμη κι ένα παραμύθι. Ο Αμερικάνος καθηγητής Όλιβερ, που κάνει την πρακτική του στην Αρχαιολογία, θα φτάσει ζαλισμένος απ’ το jet lag, στο σπίτι του καθηγητή Ιστορίας Πέρλμαν και της μεταφράστριας συζύγου του, Ανέλα. Ο 17χρονος γιος τους, ο Όλιβερ, θα αναλάβει χρέη βοηθού στη μελέτη του Αμερικάνου, ο οποίος θα περάσει έξι βδομάδες σε αυτό το σπίτι. Μικρό διάστημα, αρκετό όμως για να χωρέσει μια μικρή ζωή.

O σκηνοθέτης Λούκα Γκουαντανίνο δολιχοδρομεί επάνω σε μια ιστορία άγουρου σκιρτήματος και  εξερεύνησης, τονίζοντας τη μοναχική μέθεξη των ηρώων, οι οποίοι νιώθουν πλήρως ελεύθεροι στο θέρετρο που τους περιβάλλει. Οι ήρωες διαβάζουν τους κλασικούς κάτω απ’ τον ήλιο, δροσίζονται με φρούτα, περιφέρονται ανέμεσα σε έπιπλα αντίκες, συζητούν τρώγοντας στον κήπο και κάνουν βόλτες στην πόλη με ποδήλατα. Τα πάντα είναι τόσο όμορφα (και εννοώ ΟΜΟΡΦΑ).

Grow up. See you at midnight”

Ο σκηνοθέτης επιδεικνύει χαζευτική σκηνοθετική ωριμότητα, καθώς δεν υποκύπτει σε καμία μεγέθυνση, δεν επιτρέπει καμία επιτηδευμένη μελαγχολία και δεν πατάει σε καμία «φιλολό» παγίδα που θα υπονόμευε την τιμιότητα των συναισθηματικών κραδασμών των ηρώων του. Εδώ, ο έρωτας δεν συνοδεύεται με εγκεφαλικές παλίρροιες. Το ανέλπιστο δέσιμο των δυο ανθρώπων υπογραμμίζουν τα ανάγλυφα τραγούδια του Sufjan Stevens, τα οποία υγραίνουν τα μάτια και έρχονται σε πλήρη χημική ένωση με τις συναισθηματικές αντιδράσεις μας, με τρόπο που ξεμπροστιάζουν όλα τα γλυκερά soundtrack του Χόλιγουντ.

Τα φροντισμένα κάδρα και η διακριτική παρατήρηση τους, σε υποχρεώνουν να τα εμπιστευτείς. Η παρατήρηση της γλώσσας του σώματος έρχεται σε φυσική αλληλουχία με τις νευρώσεις της ενηλικίωσης, με τις ανάγκες του σώματος και με την ήπια τρυφερότητα των ανθρώπων που έχουν μάθει να συμπεριφέρονται σαν να μην είναι το επίκεντρο του κόσμου.

How you live your life is your business. But remember, our hearts and our bodies are given to us only once.

Το “Να με Φωνάζεις με το Όνομά σου” ακούγεται σαν το πιο αφοπλιστικό αίτημα μεταξύ δυο εραστών που θέλουν να χαθούν ο ένας μέσα στον άλλον. Είναι και ο τίτλος μιας ταινίας για δυο ανθρώπους που θέλουν να ανταποκριθούν στα πιο επείγοντα αισθήματά τους. Ένας γοητευτικός άνδρας με τη δύναμη να μπαίνει σε ένα δωμάτιο και να το φωτίζει και ένα αβέβαιο αγόρι, εξημερωμένο ως προς τη ερωτική χίμαιρα της εφηβείας. Δυο ήρωες σε ένα παράνομο affair, αποταυτισμένο από περιττές queer ταμπέλες.

Η ταινία είναι ένα συναισθηματικό οικοδόμημα, ικανό να σε γκρεμοτσακίσει σε συναισθηματικούς καιάδες. Μια ερωτεύσιμη μπαλάντα, γκαστρωμένη με εσωτερικές εντάσεις που σε κάνει να επανεκτιμάς την αξία της επαφής με τα «θέλω» σου, αλλά και τις πληγές που άφησαν οι αδικαίωτοι έρωτες. Αυτοί που σε άλλες ηλικές μας στοιχειώνουν, ενώ μετά από χρόνια μοιάζουν με γλυκιά ανάμνηση.

O Τζέιμς Άιβορι (Τα Απομεινάρια Μιας Μέρας) έκανε εξαιρετική δουλειά στην διασκευή του βιβλίου, παραμερίζοντας το παρελθόν και το μέλλον των ηρώων και εστιάζοντας στο ουσιαστικό παρόν. Το στόρι εξανθρωπίζει κάθε υποψία gender bender ψυχοδράματος και εστιάζει στην αθωότητα, δίχως να ηθικολογεί. Το φιλμ προσπερνάει τις εφήμερες ηδονές και τα χιλιοειπωμένα επάνω στις bi-curious επιλογές, για να μας κάνει να «συμμετάσχουμε». Μας χαρίζει και εκείνη τη σκηνή με το λογύδριο του πατέρα του Όλιβερ για να έχουμε να πορευόμαστε – μια σκηνή ανθολογίας που θες να ανοίξεις μια αγκαλιά να την κρατήσεις εκεί για πάντα. Καθ όλη τη διάρκεια του φιλμ, ο θεατής νιώθει ότι βαδίζει «μαζί» με τους ήρωες. Νιώθει όσα περνάνε από την καρδιά τους. Νιώθει τα κίνητρα πίσω από τις επιλογές τους. Πάμε πάλι. Με το Call Me by Your Name, ο θεατής «νιώθει».

Posted in Cinema | Leave a comment

Phantom Thread

Στο αόρατο σημείο όπου βάλλονται οι πνευματικές ισορροπίες και μάχονται οι σχέσεις εξουσίας με τις σχέσεις προστασίας, ανθίζει το εκλεκτό σινεμά του Πολ Τόμας Άντερσον. Από το “Hard 8” (με τη σχέση του παλαίμαχου Sydney με τον νεαρό τζογαδόρο), το “Boogie Nights” (με τη σχέση του προικισμένου πορνοστάρ Ντερκ Ντίγκλερ και του σκηνοθέτη) και φυσικά από τη σαρωτική εποποιία του “There Will Be Blood” (με τον μεταλλωρύχο και τον τοπικό θρησκόληπτο ιερέα) μέχρι το “The Master” (με την πνευματική αντιπαλότητα ενός ψευδοπροφήτη αυτοβελτίωσης και του άγουρου πρωτοπαλίκαρου), η τόλμη των εικόνων του σκηνοθέτη είναι αδιαφιλονίκητη. Στο “Phantom Thread”, ο αμοραλισμός που σακατεύει την ψυχή του ήρωα κινηματογραφείται με εργαλείο την υψηλή ραπτική του μοντάζ. Τα κρυφά νοηματικά περάσματα είναι καλυμμένα με τα πιο ποιοτικά υφάσματα…

Ένας από τους λόγους που ο Πολ Τόμας Άντερσον βγαίνει θριαμβευτής με την 8η ταινία του, είναι ο περίτεχνα γραμμικός τρόπος με τον οποίο κατασκευάζει ένα αψεγάδιαστο μα καθόλα δυσοίωνο ψυχογράφημα αυτοκυριαρχίας και επιβολής. Ο PTA αφηγείται με αυτοσυγκράτηση μια ταινία εποχής για τον κόσμο της μόδας στο Λονδίνο της δεκαετίας του ‘50, που σε άλλα χέρια θα ήταν αφορμή για να ικανοποιήσουν τα υγρά τους όνειρα οι ενδυματολόγοι που θέλουν να βουτήξουν στους κορσέδες και τα τούλια, με «ρομαντικές» ιστορίες που πνίγονται στον ακαδημαϊσμό και ερμηνείες (βραβευμένες οι περισσότερες) που δεν μπορούν να ξεφύγουν από την «θεατρίζουσα» πόζα. Όμως ο Άντερσον αδιαφορεί για το παρασκήνιο της ακριβής κοπτοραπτικής και εστιάζει αλλού το ενδιαφέρον του. Πού ακριβώς όμως;

49n_2.jpg

Ο σκηνοθέτης αναζητάει αυτό που κάνει τους ανθρώπους να ξεφορτωθούν τα βαρίδια περασμένων ζωών και να επιβληθούν στα πάθη του παρόντος. Είναι πολλές οι λεπτομέρειες που θα πρέπει να αναλογιστεί κάποιος ώστε να μπορέσει να εκτιμήσει την ταινία στην ολότητά της. Στο “Phantom Thread”, η παρακμή είναι βραδύκαυστη και προκαλείται από απραγματοποίητους πόθους και ανίκητες ανάγκες. Επιπλέον, το στυλιζάρισμα πατάει στις μύτες, σε μια ψιθυριστή, υπνωτική σχεδόν αφήγηση και σε ένα άβολο αίσθημα ιδιωτικότητας. Αυτό υπογραμμίζεται με την παρατήρηση του κάδρου, τη συνωμοτική γλώσσα του σώματος και το ηχητικό μιξάζ που συλλέγει λόγια από τα σημεία που δεν εξελίσσεται η δράση – μια τεχνική που ο Άντερσον έμαθε από τον μέντορά του, Ρόμπερτ Άλτμαν. Όλες οι πραγματικές εκρήξεις συμβαίνουν εκτός κάδρου. Η αλαζονικές συμπεριφορές και οι μικρές ψυχολογικές πτώσεις, αφήνουν μόνο απόηχους. Το ίδιο και οι ενδόμυχες σκέψεις του ήρωα. Το φιλμ είναι γεμάτο με ερωτήματα-νάρκες και ιδέες που δύσκολα αφομοιώνονται με την πρώτη θέαση. Ίσως αυτός ο υψηλός δείκτης απαιτήσεων και υπαινιγμού ιδεών να αποδειχθεί ο λόγος που η ταινία θα σκοντάψει στη συνείδηση του μέσου θεατή και της Ακαδημίας των Όσκαρ, παρά τις 6 υποψηφιότητες.

49n_3.jpg

Ο κύριος Γούντκοκ ζει κάτω από την επιτήρηση της αδελφής του και παλεύει με τα φαντάσματα της μνήμης, μέσα σε έναν αεροστεγώς κλεισμένο κόσμο που έφτιαξε ο ίδιος. Αυτό που αναζητάει στο πρόσωπο κάθε όμορφου μοντέλου, είναι κάτι περισσότερο από συντροφικότητα. Το ζητούμενο δεν είναι καν η εύρεση μιας Μούσας. Βλέπουμε τον περιζήτητο ράφτη να τρέχει για να γλυτώσει από τους δαίμονές της κοσμικής πραγματικότητας και η αόρατη κλωστή του τέλειου φορέματος του δείχνει τον προορισμό. Όμως αδυνατεί να ξεφύγει από το τελεσίδικο πεπρωμένο. Ο Ντάνιελ Ντέι Λούις βρίσκεται σε σπάνια ερμηνευτική κορύφωση, με τον τρόπο που κρύφτηκε ολόκληρος κάτω από το δέρμα του ήρωά του. Τι υπέροχη αυλαία σε μια τόσο αξιοθαύμαστη φιλμογραφία χωρίς «λίπος» και άστοχες επιλογές.

Το “Phantom Thread” είναι ένα κονσέρτο δωματίου με τρία έγχορδα. Μπορεί κάποιος να δει τα ψυχαναλυτικά-φροϊδικά υποστρώματα του τριγώνου χαρακτήρων. Κάποιος άλλος μπορεί να δει μια ρομαντική ιστορία (όσοι δεν βλέπουν το “Vertigo” του Χίτσκοκ ως θρίλερ αλλά ως μια ρομαντική ταινία). H τελική ενδοφλέβια ένεση του σκηνοθέτη στον ψυχαναλυτικό κορμό του σεναρίου είναι το «δείπνο αγάπης», ένα παράδοξα πορνοδιαστροφικό rosebud και ταυτόχρονα ένας συμβολισμός του αέναου βασανισμού του ήρωα που θα παραμείνει για πάντα χαμένη ψυχή, αλλά ίσως να βρήκε πια την ευτυχία και να νιώθει άνετα πια μέσα στα καλοραμμένα ρούχα του. Αν αυτός νιώθει ευτυχής όταν φτάνει μια μπουκιά πριν τον θάνατο, τότε ποιος μπορεί να τον διαψεύσει;

49n_4.JPG

Posted in Cinema | Leave a comment

Album Of The Week #155

Jef Maarawi

Comfort Food

Από τα μελαγχολικά, βροχερά βράδια που έθρεψαν το Once Part Οf Α Whole Ship των Egg Hell (2014), μέχρι τη σπιτική θαλπωρή του φετινού Comfort Food, δεν έχουν αλλοιωθεί τα στοιχεία που κάνουν τη μουσική του Jef Maarawi απολαυστική.

Το ειρωνικό, αυτοσαρκαστικό του ύφος, βρίσκει δρόμο μέσα από τραγούδια με γήινα χρώματα, τα οποία πάση θυσία θέλουν να διατηρούν το βλέμμα μας σκυθρωπό. Τον ακούς δηλαδή να κραυγάζει με όλη τη δύναμή του ανάμεσα στις ασύμμετρες jazzy εκρήξεις του “Reverend Jones” ή να «ψυχεδελίζεται» ξυπόλητος σε folk μονοπάτια στο ομώνυμο “Comfort Food” και τον αισθάνεσαι κάπως δικό σου άνθρωπο.

Ο δίσκος έχει όλες τις αρετές που θα περίμενε κανείς από τη ντόπια σκηνή της ανεξάρτητης pop: ευπρεπή ατμόσφαιρα και πίστη στη στρογγυλή μελωδία. Διακρίνεις ξεκάθαρα πίσω από τα ρεφρέν την τραγανή αμεσότητα των Coralτην ελευθερία έκφρασης του Father John Misty, ακόμα και την οξυδέρκεια των Eels. Ο Maarawi διαθέτει τετράγωνη λογική και κοιτάζει σε συγκεκριμένο ορίζοντα. Συνεπαρμένος και ο ίδιος από τις δυνατότητες του δημιουργικού του ενστίκτου, μας συνεπαίρνει κι εμάς σε πολλά σημεία.

Το Comfort Food καταφέρνει εύκολα να ευθυγραμμιστεί με τις δικές μας ανάγκες απόλαυσης, καλώντας μας να ταιριάξουμε τη καθημερινή μας διάθεση με τις τρυφερές του μελωδίες. Σαν ικανός μουσικός, ο Maarawi βολοδέρνει με αυτοπεποίθηση στα αγαπημένα του μονοπάτια. Το μόνο ζήτημα είναι πως αυτά τα μονοπάτια δεν είναι κρυφά και αθέατα, δεν βγάζουν σε άγνωστα σημεία, ούτε εγκυμονούν κινδύνους τις νύχτες. Αντιθέτως, είναι πολυσύχναστα από brit pop τραγουδοποιούς και χιλιοπατημένα από εκατοντάδες indie συγκροτήματα, τα οποία μοιράζονται την ίδια τετράγωνη λογική και κοιτάζουν στον ίδιο συγκεκριμένο ορίζοντα.

Σε κάθε περίπτωση, ο Maarawi θα βρει τον δρόμο του σε ακροατές που δηλώνουν αστοί και ταγμένοι βιβλιοφάγοι, όσους ξέρουν πάντα τι λένε, αλλά μπορούν και σέβονται τα ελαφριά και τα φαινομενικώς ασήμαντα. Η συνετή και τρυφερή φωνή του θα τους συντροφεύσει στο μελαγχολικό daydreaming που τόσο έχουν ανάγκη, ιδιαίτερα σε κομμάτια σαν το καλόκαρδο “Coming Going” ή το εσωστρεφές “LA”.

Δίσκοι όπως το Comfort Food μπορούν να προσδώσουν περιεχόμενο και coolness στην εντροπία της 30something απόδρασης μέσω της βιωματικής pop και μπορούν να μιλήσουν σε όλες τις ερωτικές γλώσσες του κόσμου. Ένα πιο προσεκτικό αυτί, όμως, θα ακούσει ταυτόχρονα χιλιάδες τέτοιες φωνές από αμέτρητες (ψηφιακές κυρίως) μεριές, με αποτέλεσμα να μην ξέρει πού να πρωτοστραφεί και πού να πρωτακουμπήσει. Και πράγματι, το Comfort Food δεν έχει τόση δύναμη για να φωνάξει πιο δυνατά από τον ομοιογενή θόρυβο και να τον καπελώσει. Ας όψεται λοιπόν η αγάπη και η ειλικρίνεια με την οποία έχει ηχογραφηθεί.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Φοίβος Δεληβοριάς – Μαρίνα Σάττι Live @ Passport

50bDelSt_2.pngΑνακάτεμα μουσικής από διαφορετικές κουλτούρες, γιουσουρούμ ετερόκλητων ήχων, ένωση δύο κόσμων και πολλά άλλα τέτοια όμορφα υπoσχόταν στη σκηνή του PassPort Κεραμεικός η συνεργασία του Φοίβου Δεληβοριά και της Μαρίνας Σάττι με τις Fonés. Ωστόσο, η τουριστική περιήγηση σε διαφορετικά στυλ και το εύκολο ανακάτεμα τραγουδιών με εκ διαμέτρου αντίθετες καταβολές, δεν αρκούν για μια αξιομνημόνευτη παράσταση. Το κλείσιμο δηλαδή του ματιού δεν φτάνει, ειδικά όταν πρόκειται για συνεργασίες-στοιχήματα. Χρειάζεται δουλεμένη χημεία για να προκύψουν ενδιαφέρουσες επιμειξίες, ενώ το γεφύρωμα των αντιθέσεων προϋποθέτει πηγαία έμπνευση.

Το πρώτο πάντως μέρος κύλησε αναμενόμενα ψυχαγωγικά, έχοντας σαν βάση τη νοσταλγική αναπόληση της Αθήνας της δεκαετίας του 1980 στην οποία έχει βουτήξει λυτρωτικά τον τελευταίο καιρό ο Δεληβοριάς, με θαυμαστά αποτελέσματα είναι η αλήθεια, όπως το εξαιρετικό άλμπουμ Καλλιθέα (2015). Από το περιγραφικό “Ένας Σκύλος Στο Κολωνάκι” που άνοιξε τη βραδιά και τη γλυκιά “Πέρα Χώρα”, μέχρι τη σαρκαστική “Μπόσα Νόβα Του Ησαΐα” και τον θηλυκό ύμνο της “Γυναίκας Του Πατώκου”, τα τραγούδια ζέσταναν τον χώρομε την ανεπαίσθητη αμηχανία του Δεληβοριά στις εισαγωγές να μην επηρεάζει ούτε στο ελάχιστο τη συνολικά καλή διάθεση. Ο τρελός Ισπανόφωνος ειρμός στο “Hijo De Puta” πάντα θα προκαλεί γέλιο, το “Bolero” πάντα θα παρασύρει το κοινό σε sing-along και ο βιογραφικός “Φώτης” θα είναι πάντα μια τρυφερή οικογενειακή ανάμνηση. Το χαριτωμένο tribute στα Ημισκούμπρια με το γαλλοθρεμένο ψευδο-ρομάντζο “Je Suis Bossu” και η καλλιθεώτικη περιήγηση του “Ξένου” θα ήταν ωστόσο τα τελευταία καλά μαντάτα της βραδιάς.

50bDelSt_5.png

Τα πρώτα βαρίδια στις τσέπες της παράστασης φάνηκαν νομίζω από τα άχαρα δεύτερα φωνητικά της Νεφέλης Φασούλη και την αβέβαιη πόζα της στο μικρόφωνο. Όχι πως η νεαρή τραγουδίστρια δεν διαθέτει αξιόλογη φωνή, κάθε άλλο. Όταν όμως η Δυτική, μελισματική soul του “Who’s Loving You” και η ανατολίτικη, ρεμπέτικη σαγήνη της “Μισιρλού” εναλλάσσονται στο καπάκι, με το πάτημα θαρρείς ενός διακόπτη, τότε υποψιάζεσαι ότι η Φασούλη δεν κλίνει πουθενά με την καρδιά της –απλά τη νοιάζει να τα λέει ωραία.

Η αναλογική γοητεία του Φοίβου Δεληβοριά, η καλά δεμένη μπάντα που τον συνοδεύει και η φυσικότητα στην πρόζα έμειναν από καύσιμα τη στιγμή της εμφάνισης της Μαρίνας Σάττι και των «Φωνών» που την πλαισιώνουν. Η Σάττι, σαν μπροστάρισσα των πολυφωνικών Spice Girls των Βαλκανίων, έδειξε μπόλικη «μικρομέγαλη» αυτοπεποίθηση. Κοιτούσε με το ένα μάτι στο Bollywood, με το άλλο στη Θράκη. Πατούσε με το ένα πόδι στη Μικρά Ασία, με το άλλο στη Βουλγαρία. Όλα σερβιρισμένα σαν άπαχος χυμός, που μόλις βγήκε απ’ το μπλέντερ.

50bDelSt_8.png

Είτε λοιπόν το φόντο έδειχνε κάποια κολομβιάνικη φιέστα, είτε ένα παραδοσιακό πανηγύρι στη Θράκη, η πόζα στη σέλφι έμενε ίδια. Τουριστικές βόλτες σε ολόκληρες κουλτούρες, με μόνο εφόδιο το χαμογελάκι, για τους θεατές που θέλουν τραγούδια περιπετειώδη, μα τους αρέσει στα κρυφά και η Έφη Θώδη –για παραφράσω την ειρωνεία του Τζίμη Πανούση στον “Νεοέλληνα”. Ένα καλύτερο tribute απ’ αυτό έκανε στον εκλιπόντα Τζιμάκο ο Δεληβοριάς, όταν τραγούδησε τον νιχιλιστικό ύμνο “Γυφτάκι”. Και ήταν τα δικά του greatest hits, όπως ο “Καθρέφτης”, το “Αυτή Που Περνάει” (σε μια ανέλπιστη, σχεδόν disco ενορχήστρωση) και το “Θέλω Να Σε Ξεπεράσω” που επανέφεραν τον ρυθμό και τις υγιείς ανάσες στη βραδιά.

Πιστεύω ότι τα μπλουζ της αμερικάνικης βαμβακοφυτείας και το “Τι Σε Μέλλει Εσένανε Από Που Είμαι Εγώ” σε ευθεία παράταξη, προκαλούν κύματα ευδαιμονίας μόνο σε ακροατές που νιώθουν πως είναι πολίτες του κόσμου, αλλά κατά βάθος τους λείπει το χωριό. Δεν το εννοώ υποτιμητικά. Υπάρχει ωστόσο αγεφύρωτο χάσμα ανάμεσα στις αισθήσεις και στα συναισθήματα που γεννάει η ζωντανή μουσική. Αν η Σάττι φύγει από το κυνήγι των αισθήσεων, αν βρει τα βήματά της ακουμπώντας στωικά σε μια πορεία χωρίς πυροτεχνήματα και εντυπωσιασμούς, τότε κι εγώ θα σπάσω μια κούπα για τα λόγια που ‘πα και ποτηράκια για τα πικρά λογάκια. Μέχρι τότε, θα θυμάμαι το πόσο στριμωγμένο και ερμητικά μόνο του έμεινε το ρεπερτόριο του Δεληβοριά σε τούτη ζωντανή σύμπραξη.

50bDelSt_12.png

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Album Of The Week #154

Migos

Culture II

Τα 3 αλάνια που απαρτίζουν τους Migos, ενώ δείχνουν ράπερ των σκιών, είναι στην πραγματικότητα πολύ επιδραστικά στο αμερικανικό mainstream και δικαίως περηφανεύονται γι’ αυτό, συμπεριφερόμενα σαν να «ελέγχουν τη φάση». Πρόκειται για διορατικούς bros, οι οποίοι είναι πράγματι σε θέση να πάνε το πράγμα μπροστά, χωρίς μάλιστα να προσπαθήσουν πολύ. Το 3ο τους άλμπουμ παίρνει τη σκυτάλη από εκεί όπου την άφησε το περσινό Culture και μας σερβίρει 24 κομμάτια, απολύτως ταγμένα στην υπερβολή.

Οι Migos γιορτάζουν στη μούρη μας την κατακτημένη χλιδή, κουβαλώντας τον αέρα του αμφισβητήσιμου και του παράνομου. Το Culture II δεν είναι καθόλου ευχάριστος δίσκος, μάλλον επειδή το ζητούμενο δεν ήταν ποτέ η ψυχαγωγία. Είναι μουτρωμένος και τεταμένος δίσκος, που γιορτάζει τις δάφνες της επιτυχίας με έναν πολύ δραματικό τρόπο. Βέβαια, η αλήθεια είναι πως τα 105 λεπτά του γίνονται εξαντλητικά όταν ακούς μόνο για τα γρήγορα αυτοκίνητα, τα φιρμάτα ρούχα, τα ακριβά ρολόγια που έχουν αποκτήσει και τα ναρκοδόλαρα που έχουν ‘κονομήσει οι Migos. Με την επίδειξη της ευμάρειας ως γαλόνι να αγγίζει τα όρια του ενοχλητικού, η αλήθεια είναι πως μπορούν και προσφέρουν ωραίο groove, ιδίως σε κομμάτια σαν το “Bad Bitches Only”, που διαθέτουν «πνεύμα» και αποδραστική δύναμη.

Οι καλοζωισμένοι ναρκέμποροι έχουν old school μουσική παιδεία και η state-of-the-art παραγωγή τούς κάνει να ξεχωρίζουν από τις σφηκοφωλιές του gangsta. Τραγούδια μάλιστα όπως το “Culture National Anthem” και το “Narcos” αποτελούν ένα στοχευμένο μείγμα μουσικής με ακατάβλητη μαχητικότητα. Οι ίδιοι δείχνουν να «γλεντάνε» και να λοιδορούν το σύγχρονο καλογυαλισμένο χιπ χοπ: «ποιος Kanye και ποιος Jay-Z» φαίνεται να μορφάζουν με κάθε τους τραγούδι. Σαν οπλαρχηγοί της δικής τους αυτοκρατορίας από hos, thugs, και bitches, οι Migos ξεδίνουν στιχουργικά με τις αλητήριες απόψεις τους περί καπιταλισμού και σε αυτό συνδράμουν φιλικά προσκείμενοι rappers και διαθέσιμες μίνι ντίβες, όπως η Nicki Minaj.

Δεν νιώθεις ωστόσο τίποτα ακούγοντας το Culture II. Απλά υποβάλλεσαι σε αρκετά σημεία χάρη στο τεχνολογικό downtempo και ίσως σαστίζεις σε πολλά άλλα, εξαιτίας της σκοτεινής μουντίλας και του δυστοπικού πλαισίου της φάσης του. Όταν τελειώνει πάντως η ακρόασή του, δεν το αναζητάς ξανά, παρότι μένεις με μια αίσθηση πλήρους κάλυψης.

Aπο το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

The Disaster Artist

50ggMv_3.jpgΗ περίπτωση του Τόμι Γουάιζο έχει γίνει πλέον πασίγνωστη. Πρόκειται για ένα αληθινό μυστήριο του αμερικάνικου κινηματογράφου, για έναν παρία του Χόλιγουντ, δίχως ίχνος ταλέντου, με ανεξήγητη οικονομική άνεση, με πάθος για φήμη και με αθεράπευτο ψώνιο να γίνει auteur.

Ο Τόμι Γουάιζο κατάφερε μετά από χρόνια περιπετειών να ολοκληρώσει μια ταινία, το Room, το οποίο θεωρείται ίσως το χειρότερο φιλμ του αμερικάνικου σινεμά. Το Room κόστισε 6 εκατομμύρια για να φτιαχτεί, αλλά, όπως έγραψαν πολλοί, μοιάζει να κόστισε 60 δολάρια. Το best seller με τίτλο The Disaster Artist περιέγραφε τις εμπειρίες του συμπρωταγωνιστή Γκρεγκ Σεστέρο, δίπλα στον Γουάιζο, κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων αυτής της ανεκδιήγητης κακοτεχνίας. Απαράδεκτη σκηνοθεσία, κάκιστες ερμηνείες και φριχτές ερωτικές σκηνές. Ο ίδιος ο Γουαζίζο δεν αποκάλυπτε την καταγωγή του, ούτε την ηλικία του, ούτε τίποτα απ’ το παρελθόν του, ενώ ήταν παθολογικός ψεύτης, οξύθυμος, ονειροπαρμένος και δεν ήξερε τι έκανε στο πλατό.

Ο Τζέιμς Φράνκο είδε μια ευκαιρία εκμετάλλευσης στον cult θρύλο της ταινίας που διαιωνίζεται μέσα από μεταμεσονύχτιες προβολές. Διασκεύασε λοιπόν το βιβλίο, μεταμορφώνοντας τον εαυτό του για να αποδώσει το στυλ, την προφορά και τις κουλαμάρες του Γουάιζο, έχοντας παρτενέρ τον αδερφό του, Ντέιβ Φράνκο, στον ρόλο του Σεστέρο. Το «Disaster Artist» θέλει να είναι ένας φόρος τιμής στη «χειρότερη ταινία όλων των εποχών», όμως το τελικό φιλμ δεν έχει να πει τίποτα παραπάνω απ’ τα προφανή. Αν ανήκετε σε αυτούς που σκάνε στα γέλια με την «καμμενιά» του Room, ίσως να διασκεδάσετε με την ανεκδοτολογική πλευρά του φιλμ και τη μίμηση της παρανοϊκής περσόνας του ξεσαλωμένου και ατάλαντου auteυr.

O Τζέιμς Φράνκο είναι καλός εδώ, γιατί υποδύεται κάποιον που δεν έχει καθόλου ταλέντο και όραμα. Είναι ειρωνικό το ότι ο ίδιος ο Φράνκο, έχει στα τελικά στάδια άλλες 4 ταινίες που έχει σκηνοθετήσει και που θα βγουν στο 2018. Η καριέρα του ως σκηνοθέτης, μετράει γύρω στις 15 ταινίες και αναρίθμητα ντοκιμαντέρ και μικρού μήκους που έχουν δει μια χούφτα άνθρωποι και έχουν παιχτεί στα πιο μικρά φεστιβάλ του κόσμου, αποσπώντας μόνο κακές κριτικές. Είναι προφανές ότι ο Φράνκο δεν έχει στόχο να αυτοσαρκαστεί, σαν συνάδελφος του Γουάιζο, που τους έχει τυφλώσει το ίδιο φως της βιομηχανίας του θεάματος και έτσι να σχολιάσει τη ματαιοδοξία του Χόλιγουντ. Όταν ο Τιμ Μπάρτον σκηνοθετούσε τη ζωή του Εντ Γουντ, έκανε ένα σχόλιο στο τι θεωρούμε καλό και κακό σινεμά και έκανε μια αντιπαραβολή της δικής του αφοσίωσης στη σκηνοθεσία, σε σχέση με την φαινομενική προχειρότητα των χάρτινων σκηνικών του Εντ Γουντ (κάτι που φάνηκε στην υπέροχη σκηνή της ταινίας με τον Όρσον Γουέλς).

Ο Τζέιμς Φράνκο θέλει να βγάλει γέλιο εις βάρος του Γουάιζο και όχι να σαρκάσει τα όρια του ψώνιου και τη φύση του cult καλλιτεχνικού έργου. Δεν τον νοιάζει τι καθιστά κάτι τόσο κακό που φτάνει σε σημείο να γίνεται ελκυστικό, ούτε νοιάζεται καθόλου για το τι συμβαίνει στο κεφάλι αυτού του ανθρώπου, και αν πρόκειται για παρανοϊκό ονειροπόλο ή για αξιολάτρευτο παράδοξο. Ο αμοραλισμός του Φράκο φάνηκε στις Χρυσές Σφαίρες, τη στιγμή που ο Γουάιζο πήγε να πει μια ατάκα στο μικρόφωνο για να δεχτεί ένα άκομψο στοπ. Αναλογιστείτε μόνο αν ο Ρίκι Τζερβές θα έκανε κάτι τέτοιο στον Καρλ Πίλκινγκτον.

Αν θέλετε να δείτε ένα ουσιαστικό σχόλιο στη ματαιοδοξία ενός καλλιτεχνικού ψώνιου και αν θέλετε να απολαύσετε πηγαίο χιούμορ μέσα από στιγμές embarrassment, αναζητήστε το Life On The Road με τον χαρακτήρα του Ντέιβιντ Μπρεντ (The Office) σε βρετανική περιοδεία.

50ggMv_4.JPG

Posted in Cinema | Leave a comment

Album Of The Week #153

Black Rebel Motorcycle Club

Wrong Creatures

Οι μέρες που οι Black Rebel Motorcycle Club τραγουδούσαν “Red Eyes And Tears” (2001) και έμοιαζαν με cool συγκρότημα, φαντάζουν τρομερά μακρινές. Είναι σχεδόν μνήμες μιας άλλης γενιάς. Στον 8ο δίσκο τους Wrong Creatures, πατάνε σε ένα μονόχορδο «rawk» για να επικοινωνήσουν. Αυτή όμως η στάμπα της ρέμπελης αλητείας πάνω τους, δεν ξεγελάει κανέναν: πλέον νοιάζονται απλά να παράξουν ορθόδοξη, έγκριτη rock, που θα γίνει αποδεκτή στα πιο λαϊκά ραδιόφωνα. Αρκεί να μην ακουστούν «λιγότεροι» των προσδοκιών. Δεν κάνουν καν τον κόπο να ξανοίξουν λιγάκι το εύρος του ήχου τους.

Μέσα σε τούτο το ντελίριο κιθαριστικής προβλεψιμότητας, ο δίσκος τολμάει και κάνει στροφή στη ματαιοδοξία, κυρίως με το “Echo”, στο οποίο αντιγράφουν τα στιλιζαρισμένα και φωτογενή τραγούδια των U2. Όμως, τελικά, το “Echo” ακούγεται σαν ροκ σιγκλάκι που παίζουν οι Snow Patrol την ώρα που παριστάνουν τους U2 μπροστά στον καθρέφτη. Γενικά, οι Black Rebel Motorcycle Club χαϊδολογούνται και παινεύονται αρκετά, ενώ το υλικό του δίσκου εκθέτει πλήρως την κούρασή τους σε επίπεδο τραγουδιών και χαρακτήρα. Την κατάσταση δεν βοηθάει ούτε η σκονισμένη americana του “Haunt”, η οποία θα κάνει τους ακροατές του Sivert Høyem να χαμογελάσουν συγκαταβατικά και κάποιους μιλένιαλς, αμερικανολιγούρηδες ακροατές που μεγάλωσαν με indie, να τους πουν «παιχταράδες».

Όταν ακούς εμφανώς αδύναμα τραγούδια όπως το “King Of Bones” (ο Billy Idol αυνανίζει τους Raveonettes) ή τη συντηρητικότατη ψυχεδέλεια του “Ninth Configuration”, δεν έχεις παρά να απογοητευτείς. Ούτε καν τα riffs τους δεν είναι πραγματικά πιασάρικα, ενώ μια αίσθηση αχρείαστου machismo δείχνει κυρίαρχη παντού. Αν βέβαια καταφέρει κανείς να ξεπεράσει το θολό κλίμα σε τραγούδια όπως το “Spook”, ίσως διασκεδάσει μαζί τους σε διάφορα ροκ μπαρ με στριμωγμένο κόσμο.

Οι Black Rebel Motorcycle Club έφτιαξαν κάποτε ένα «μπλαζέ», «υγρό» και «γκαραζοβρώμικο» στιλ που αρχικά επιβραβεύτηκε με την αποδοχή των κριτικών και ενός κοινού που ήταν πολύ μικρό για να ξέρει τι θα πει «μπλαζέ», «υγρό» και «γκαραζοβρώμικο». Στο Wrong Creatures ακούγονται διψασμένοι για την υπερεπιτυχία που θα τους ανυψώσει στο επιτελείο των ισχυρών, εκείνων που σχεδιάζουν περιοδεία με 30 σταθμούς στις σημαντικότερες πολιτείες των Η.Π.Α. Δυστυχώς, όμως, η έλλειψη στοιχειώδους αδρεναλίνης αυτού του un-happening συγκροτήματος, θα απομακρύνει τους γνώστες του alternative.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Όπως ακριβώς μας προϊδεάζει ο τίτλος του φιλμ, λίγο έξω απ’ το Έμπινγκ, στην πολιτεία του Μιζούρι, υπάρχουν τρεις παλιές πινακίδες, η μια δίπλα στην άλλη, οι οποίες είναι στη διάθεση του καθενός για να διαφημίσει ή να δηλώσει ό,τι θέλει. Επάνω στις φθαρμένες αφίσες και τα ξυσμένα χαρτόνια στην επιφάνεια των πινακίδων, μια μητέρα θα αναρτήσει την αλήθεια που της τρώει την ψυχή. Η αστυνομία άλλωστε είναι ανεπαρκής για να διεξάγει έρευνα για να βρει τον ένοχο για τη δολοφονία και τον βιασμό της κόρης της.

Ο «ανεξάρτητος» Αμερικάνικος κινηματογράφος είναι γεμάτος από γλυκόπικρα δράματα, οικογενειακές ελεγείες και εγκληματικές μπαλάντες που διαδραματίζονται στην επαρχιακή Αμερική. Αυτή εδώ όμως αποφεύγει με μαεστρία τις συμβάσεις ων περισσότερων, που τείνουν να γέρνουν στο νεο-γουέστερν. Αυτό οφείλεται κυρίως στη θεατρική εμπειρία του Βρετανού σκηνοθέτη, Μάρτιν Μακ Ντόνα (της φήμης του υπέροχου “In Bruges”).

Η Φράνσις ΜακΝτόρμαντ είναι θαυμάσια στον ρόλο της μεσήλικης, χωρισμένης ηρωίδας που ζει με τον έφηβο γιο της και που ψάχνει απεγνωσμένα για μια φωνή λογικής στον μικρόκοσμό της. Η ηρωίδα κοντράρεται μετωπικά με την τοπική εξουσία και τον βαθύ συντηρητισμό του «χωριού». Το βλέμμα της ανήκει σε μια δυναμική γυναίκα, που όμως κρατιέται με όλες τις δυνάμεις της για να μη λυγίσει. Οι αντιδράσεις και οι εναλλαγές στην ψυχολογία του σερίφη (ένας στιβαρός Γούντι Χάρελσον) και του ρατσιστή, οξύθυμου βοηθού του (σε εξαιρετική φόρμα ο Σαμ Ρόκγουελ) ιχνηλατούνται κάτω από παχιές στρώσεις κοινωνικής ειρωνείας, διακριτικής βίας και δραματικών εντάσεων.

51eeMvw_2.jpg

Η μισαλλοδοξία, η ιδιοτέλεια και η προκατάληψη κυριαρχούν στο Έμπινγκ. Όμως μη γελιέστε, εδώ δεν έχουμε να κάνουμε με μια ανθρωποκεντρική ιστορία που θα μας κάνει να ταυτιστούμε με τον δίκαιο αγώνα μιας γυναίκας που θα δικαιωθεί κοινωνικά ή νομικά μέσα σε έναν κατακλυσμό μελοδραματικών κλισέ που θέλουν να μας κάνουν να βουρκώσουμε. Εδώ έχουμε να κάνουμε με μια διεισδυτική ματιά στους μηχανισμούς που πυροδοτούν το νοιάξιμο, την ενσυναίσθηση και τη συμπόνια.

Η ταινία ρίχνει φως στην βουβή απελπισία μιας γυναίκας που καλείται να συγκεράσει τις απαιτήσεις του μητρικού ρόλου, το προκλητικό midlife crisis του κρετίνου πρώην συζύγου και την ρατσιστική ανοησία των ξεβρασμένων white trash χαρακτήρων, που ζουν την άσκοπη ρουτίνα τους χωρίς ιδανικά και αξίες. Πόση οργή αιτιολογεί η θλίψη και πόσοι νόμοι που αντιφάσκουν μεταξύ τους, συγκρούονται με την κοινή λογική; Άβολα ερωτήματα που θα προκαλούσαν το πέτρινο μειδίαμα της άφοβης ηρωίδας και που θα της όπλιζαν με μολότοφ το χέρι. Σε αυτές τις τρεις πινακίδες θα γραφτεί μια μικρή εποποιία, με τη μορφή μιας οργισμένης καμπάνιας ενός ανθρώπου.

51eeMvw_3.jpg

Posted in Cinema | Leave a comment

The Post

Η νέα ταινία του Στίβεν Σπίλμπεργκ ακολουθεί τα κρίσιμα γεγονότα του 1971, όταν ο υπάλληλος του υπουργείου Αμύνης, Ντάνιελ Έλσμπεργκ, έκανε υπέρβαση καθήκοντος και υπέκλεψε τα περίφημα Pentagon Papers: μια εκτενέστατη έρευνα για την εμπλοκή της Αμερικής στον πόλεμο του Βιετνάμ, που θα είχε ολέθριες συνέπειες για τις εκάστοτε κυβερνήσεις.

Ήταν η εποχή που η Washington Post προσπαθούσε να ορθοποδηδήσει ενώ βρισκόταν κάτω απ’ τη βαριά σκιά των New York Times, με την εκδότρια Κάθριν Γκράχαμ να προσπαθεί δειλά να αρθρώσει λόγο σε έναν ανδροκρατούμενο κόσμο εκδοτών. Την εποχή εκείνη οι «Times» δημοσίευσαν ένα καυτό άρθρο σχετικά με μια απόρρητη έκθεση του Πενταγώνου, που προκάλεσε το μένος του Λευκού Οίκου. Όταν αυτές οι χιλιάδες σελίδες της έκθεσης έφτασαν στα χέρια του διευθυντή της «Post», του Μπέντζαμιν Μπράντλι, άρχισε μια εμφύλια σύγκρουση ανάμεσα στους επενδυτές, στους νομικούς συμβούλους, στους συντάκτες του πολιτικού ρεπορτάζ και στη διεύθυνση της εφημερίδας. Άλλωστε ο εκδοτικός όμιλος ετοιμάζονταν να εισαχθεί στο χρηματιστήριο και το μέλλον του θα ήταν δύσκολο μετά τη μετωπική σύγκρουση με τις εντολές του Νίξον. Η εκδότρια Κάθριν Γκράχαμ όφειλε να αναλάβει τις σκληρές αποφάσεις για πρώτη φορά στη ζωή της.

52mv_2.jpg

Η μάχιμη δημοσιογραφία σε άνιση μάχη με το χρόνο και με τα όρια της ίδιας της ηθικής της. Το αίσθημα καθήκοντος σε αντιδιαστολή με τα αχαρτογράφητα δικαστικά νερά μια «εθνικής προδοσίας». Ο πατριωτισμός ως το είδωλο στον κυρτό καθρέφτη της αναζήτησης της αλήθειας. Αυτές ήταν μάλλον οι ιδέες που έκαναν τον Στίβεν Σπίλμπεργκ να σταματήσει το post production της sci-fi περιπέτειας Ready Player One, για να ξεκινήσει να δουλεύει αυτή την ταινία, τον Φεβρουάριο του 2017. Σε 10 μόλις μήνες η ταινία ήταν στις αίθουσες και το αποτέλεσμα καταδεικνύει ένα φιλμ που μοιάζει να χρειάστηκε χρόνια ολόκληρα για να φτιαχτεί στην κάθε του λεπτομέρεια. Το The Post κατασκευάστηκε με τους πυρετώδεις ρυθμούς που οι ήρωες έτρεχαν να προλάβουν το τυπογραφείο στα θορυβώδη γραφεία της Washington Post.

Με μια αδιανόητη βιρτουοζιτέ, ο Σπίλμπεργκ αντλεί από τις πρακτικές του πολιτικού θρίλερ για να ρίξει φως στα κίνητρα των δημοσιογράφων και των εκδοτών. Χρησιμοποιεί τις πιο αγνές μεθόδους του ψυχολογικού δράματος, χωρίς να γίνεται χειριστικός και χωρίς να χρωματίζει με γκρίζα χρώματα τους «κακούς» και τους ανήθικους. Κυρίως όμως, αναπλάθει ένα ιστορικό ντοκουμέντο μιας εποχής της κλασικής δημοσιογραφίας που έχει παρέλθει ανεπιστρεπτί. Περισσότερο απ’ όλα τα προηγούμενα, το The Post είναι ένα ερωτικό γράμμα στην αξία της έντυπης δημοσιογραφίας, στις μηχανές του τυπογραφείου, στις μακέτες, στη διανομή του πρωινού φύλλου και στη δύναμη του τυπωμένου χαρτιού, που θα μπορούσε να ανοίξει στα δυο την αυθαίρετη εξουσία του κράτους.

52mv_3.jpg

Θεωρώ πως οι ερμηνείες δεν ήταν ποτέ το μεγάλο ατού του Σπίλμπεργκ, ειδικότερα στους δεύτερους και τρίτους ρόλους που πλαισιώνουν τον ήρωα που συνήθως κουβαλάει την ταινία στους ώμους του. Εδώ, όχι μόνο διανθίζει την αφήγηση με δεκάδες αξιοσημείωτους ρόλους, αλλά τους απογειώνει όλους, χάρη σε ένα υποδειγματικό μοντάζ – μακράν το καλύτερο της χρονιάς. Ιδιαίτερα η Μέριλ Στριπ στη σκηνή ενός τηλεφωνήματος που καλείται σε λίγα δευτερόλεπτα να χαράξει την στρατηγική της εφημερίδας με κίνδυνο να την καταστρέψει, είναι μαγική. Ο αγώνας με το ρολόι, το φιλτράρισμα της χαοτικής απόρρητης έκθεσης, η απόφαση της μετωπικής σύγκρουσης με την κυβέρνηση, το σκοτεινό lobbying, αλλά και το καθήκον στις κρίσιμες ιστορικές στιγμές, χρειάζονται μια στιβαρή σκηνοθεσία για να βρουν πρώτα και να κουνήσουν στη θέση του το παμφάγο κοινό που ζητά ψυχαγωγικά θεάματα. Ο Σπίλμπεργκ επιλέγει να μην κάνει υπαρξιακό στοχασμό στις έννοιες, ούτε κανένα «εστέτ» καταγγελτικό σινεμά. Επιλέγει σοφά να αφηγηθεί με τα πιο απλοϊκά και δημοφιλή μέσα, μέσω του αγνού μελοδράματος και του παλιομοδίτικου ιδεαλισμού. Θέλει η ταινία του πρωτίστως να «αρέσει» ώστε να δημιουργήσει συσχετισμούς με το παρόν και αυτό είναι το καλύτερο κωλοδάχτυλο στον Ντόναλντ Τραμπ.

Το Post έρχεται για να ρυμοτομήσει την εποχή που τα fake news έχουν θολώσει το τοπίο και που η δημοσιογραφία καλείται να σταθεί στο ύψος της. Ιδιαίτερα σε μια εποχή που ένας (άλλος) παράφρονας κάθεται στην καρέκλα του προέδρου. Ο Σπίλμπεργκ το πετυχαίνει, με ένα αριστούργημα, εντελώς Αμερικάνικο στη σκέψη αλλά αφοπλιστικά οικουμενικό, χάρη στην λιτή του εκτέλεση και το πηγαίο συναίσθημα. Το ακόμα πιο εντυπωσιακό όμως, είναι πως κάνει μια αληθινά και ουσιαστικά φεμινιστική ταινία, μέσω της καλλιγραφίας του χαρακτήρα που υποδύεται η Μέριλ Στριπ. Η δημοσιογραφία υπηρετεί αυτούς που κυβερνιούνται και όχι τους κυβερνώντες μας λέει στην κατακλείδα του The Post. Αναρωτιέμαι, κοιτάζοντας τα θλιβερά εξώφυλλα των ξεπουλημένων εφημερίδων της εποχής μας, ποιος θα μπορούσε να έχει αυτόν τον ρόλο σήμερα.

52mv_4.jpg

Posted in Cinema | Leave a comment

Album Of The Week #152

 Jesse Ware
Glasshouse

Ο βασικότερος λόγος που μας κέρδισε με το καλημέρα η Jessie Ware, ήταν γιατί κατάφερε να γεφυρώσει την απόσταση ανάμεσα στη ντελικάτη soul της Sade και στην πολιτισμένη pop της Corinne Bailey Rae. Με τον νέο της όμως δίσκο, ακούγεται σαν μια αποχρωματισμένη εκδοχή της Alicia Keys. Πραγματικά, στο “Alone” και στο “Stay Awake, Stay For Me” ο μελοδραματισμός της τελευταίας παίρνει νοερά το πάνω χέρι, αλλά χωρίς εκείνο το αυθεντικά δραματικό στοιχείο της σύγχρονης soul ντίβας. Οι μελωδίες στο Glasshouse προσποιούνται τις συναισθηματικά φλογισμένες, μα το πολύ-πολύ να σε κάνουν να αλλάξεις σταυροπόδι: ποτέ δεν θα σηκωθείς.

Με μια προσεκτικότερη πάντως ακρόαση του δίσκου, νιώθω πως η Αγγλίδα τραγουδοποιός περιδιαβαίνει τον μουσικό της κήπο με σοβαροφάνεια, χαρίζοντας μόνο προσποιητά χαμόγελα. Αυτό άλλωστε την κάνει ιδιαίτερα θελκτική στα λευκά ακροατήρια που συχνάζουν σε αποψάτα wine bar, όπως και σε όσους χρειάζονται μια χαλαρωτική μουσική ανάσα στα αυτοκίνητά τους, καθώς ανεβαίνουν τη Δευτέρα το πρωί την πηγμένη στην κίνηση Βασιλίσσης Σοφίας.

Το περιεχόμενο του Glasshouse με άφησε πολύ διχασμένο. Σίγουρα τo πρόσχαρο “Your Domino” θα το αγκαλιάσουν περήφανα όσοι μεγάλωσαν με την pop των Saint Etienne, δυστυχώς όμως το “Selfish Love” θα συγκινήσει μόνο το ώριμο κοινό που βρίσκει κάποια «μαγεία» στο αργεντίνικο σκέρτσο των Gottan Project. Ακούγοντας την Jessie Ware να αγκαλιάζει όλα τα στερεότυπα της γαλανομάτας R’n’B στο “First Time” και να χαϊδεύεται με την ανώδυνη folk του Ed Sheeran στο “Sam” (ναι, του Ed Sheeran), φοβάμαι ότι, προκειμένου το όνομά της να συνεχίζει να παίζει στο «χρηματιστήριο» των charts, είναι ικανή να ερμηνεύει σούπες κατά βούληση. Για παράδειγμα το “Finish What We Started” θα ήταν τραγούδι τέλους οποιασδήποτε νεανικής, δακρύβρεχτης ρομαντικής κομεντί της δεκαετίας του 1990, από αυτές που διεκδικούν πρωτεία αφέλειας.

Από αρχαιοτάτων χρόνων, ο δρόμος της μελαγχολικής, γυναικείας soul είναι στρωμένος με δίσκους-διαμάντια, οι οποίοι κάνουν την έντεχνη κατάθλιψη να ακούγεται σαν ανοργασμικό καπρίτσιο. Με το ντεμπούτο της Devotion(2012), η Jessie Ware έδειχνε ότι είχε τα προσόντα να μπει σε αυτό το πάνθεον. Όμως το 3ο της άλμπουμ είναι φτιαγμένο μόνο από εγγυημένα βασικά υλικά για όλη την οικογένεια –σε καμία περίπτωση με τα εκλεκτά κερυκεύματα που καθιστούν την R’n’Β σπουδαία.

Πάλι καλά που η 33χρονη δημιουργός εξακολουθεί και τραγουδάει μεστά και στέρεα και το κυριότερο: που δεν πιστεύει ότι όλοι κρεμόμαστε από τα χείλη της. Ίσως να πρόκειται για το υγιέστερο «ενήλικο» mainstream της εποχής της –στρωτά τραγούδια, φιλικός ήχος και ευχέρεια στα επικοινωνιακά τρικ. Είναι προς τιμήν της ωστόσο ότι εξακολουθεί να τραγουδάει ανθρώπινα, σε μια εποχή που η φρίκη του auto tune απειλεί με λοβοτομή το pop ακροατήριο.

Αν μια γενιά νέων κοριτσιών και αγοριών έθρεψε τα αδιέξοδα ερωτικά σκιρτήματα με ταβανοθεραπεία συνοδεία Adele κι εξέφρασε την αυτολύπησή της με τη μπλαζέ μελαγχολία της Lana Del Rey, τότε το Glasshouse είναι δίσκος για τις μαμάδες αυτών των παιδιών. Δεν το λέω υποτιμητικά. Τα ρολαριστά  τραγούδια του δίσκου μπορούν κι ακούγονται ακαταμάχητα στις μητέρες των σημερινών εφήβων, καθώς διαθέτουν την αύρα του «αξιόπιστου» και δεν βρίσκεις τίποτα χτυπητό να τους προσάψεις. Σχεδόν ορκίζεσαι δηλαδή ότι γράφτηκαν με αυτήν τη λογική, να μη βρεθεί κανείς να τα κατηγορήσει για ανεπάρκεια. Δεν έχουν κανένα cuttin’ edge, βέβαια, αλλά το ακροατήριο στο οποίο η Jessie Ware έχει στρέψει πια την προσοχή της, μάλλον δεν το χρειάζεται.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Molly’s Game

53yy_2.jpg

Η πένα του Άαρον Σόρκιν μας έχει χαρίσει σημαντικότατες τηλεοπτικές σειρές, όπως το προεδρικό δράμα “The West Wing” και το “Newsroom” που τρύπωνε στα παρασκήνια της μάχιμης τηλεοπτικής δημοσιογραφίας. Δυο είναι τα βασικά χαρακτηριστικά της γραφής του: ο αγνός, προοδευτικός ιδεαλισμός του και η ικανότητά του στον έντονο διάλογο γρήγορης ταχύτητας. Από την εποχή του “A Few Good Men” κιόλας, ο Σόρκιν έδειξε ότι μπορούσε να κοσμήσει με αξέχαστες ατάκες τους ήρωές του («You Can’t Handle the Truth») που μάχονταν το κακό και τη διαφθορά. Στην δεκαετία που διανύουμε, ο πολυγραφότατος Σόρκιν καταπιάστηκε με πρωτοπόρους της τεχνολογίας όπως ο Μάρκ Ζούκεμπεργκ στο Social Network και τον Στιβ Τζομπς στην ταινία “Jobs” και φέτος αναλαμβάνει για πρώτη φορά τα καθήκοντα του σκηνοθέτη, για να αφηγηθεί μια ιστορία τζόγου, εξαπάτησης και δικαστικού σασπένς.

Η ηρωίδα που μοιράζει το παιχνίδι στο “Molly’s Game” είναι μια έξυπνη και χειραφετημένη γυναίκα, που αποφασίζει να πιάσει την καλή διοργανώνοντας VIP παιχνίδια πόκερ στα οποία παίρνουν μέρος επιχειρηματίες, σταρ του Χόλιγουντ, αθλητές και πολιτικά πρόσωπα. Η Μόλι, ποντάρει στην αφηνιασμένη ανάγκη των αντρών να επιδείξουν χρήμα, στην αδρεναλίνη της τράπουλας και στην αίσθηση υπεροχής και γλαμουριάς που σου δίνουν τα πριβέ παιχνίδια με ανθρώπους εξουσίας. Η Μόλι είναι μια γυναίκα που δεν τρομάζει από τον macho κόσμο των ανδρών και τους στέλνει πίσω στη γυναίκα τους κλαίγοντας. Τα βάζει με γκάνγκστερ, παίζει στα δάχτυλα τα αρσενικά που είναι επιρρεπή στα πάθη και νιώθει δυνατή ακόμα κι όταν τρώει ξύλο από μαφιόζους. Όμως η ίδια δεν θέλει να πληγωθεί κανείς και κρατάει τα παιχνίδια σε πολιτισμένο επίπεδο.

53yy_3.JPG

Σε επίπεδο αφηγηματικό, ο Σόρκιν κάνει σλάλομ με ένα φλογερό voice-over της Τζέσικα Τσαστέιν η οποία εδώ παρουσιάζεται πιο σέξι από ποτέ. Η εναρκτήρια σκηνή της ταινίας όπου μαθαίνουμε το παρελθόν της σαν επαγγελματία σκιέρ είναι καταιγιστική και οι ρυθμοί δεν πέφτουν ούτε στιγμή για τις επόμενες δυο ώρες. Η χρήση του voice-over αντλεί τα εργαλεία που εφηύρε ο Σκορσέζε με το “Goodfellas” και συνέχισε να αναπτύσσει με το “Casino”, μια τεχνική που έχει κοπιαριστεί κατά κόρον στο σύγχρονο σινεμά. Η φωνή της ηρωίδας δεν μας λέει απλά την ιστορία της, αλλά σχολιάζει τα δρώμενα. Κομπιάζει στις λεπτομέρειες, αλλού δίνει έμφαση, αλλού μας λέει ψέμματα και κυρίως δίνει πνοή στο κάδρο που μας υποδεικνύει που να κοιτάξουμε χάρη στο freeze frame και το γρήγορο μοντάζ που συναγωνίζεται την ταχυλογία των ηρώων. Ο Σόρκιν δεν εμπιστεύεται τις σιωπές. Αντιθέτως αφήνει τον καλογραμμένο διάλογο να ανθίσει και ο θεατής καλείται να αφομοιώσει γρήγορα τις πληροφορίες, τον έξυπνο σαρκασμό και την αγωνία στον προφορικό λόγο. Μοναδική παραφωνία της ταινίας είναι η αφελής εξερεύνηση της σχέσης της Μόλι με τον πατέρα της (ο Κέβιν Κόσντνερ στον ρόλο του Κέβιν Κόστνερ) που καταλήγει σε μια βιαστική «ψυχανάλυση του φτωχού» σε ένα παγκάκι στο Σέντραλ Παρκ.

Η ταινία είναι από την κορυφή έως τα νύχια ραμμένη για την ηρωίδα, όμως ο Ίντρις Έλμπα είναι ο κλασικός Σορκινικός ήρωας της ιστορίας (στην παράδοση του προέδρου Μπάρτλετ στο “The West Wing”) με την κριτική σκέψη, την καθαρή συνείδηση και την ηθική σύγκρουση στις γκρίζες ζώνες των ιδεών του σύγχρονου, προοδευτικού, εγγράμματου ανθρώπου. O Σόρκιν έδωσε επιτέλους στο Πόκερ την ταινία που του αξίζει (μην ακούσω για το “Rounders”) και εκμεταλλεύτηκε τα υλικά της απληστίας, του γκλάμουρ και του γλυκού εθισμού στο εύκολο χρήμα. Φυσικά δεν «τζογάρει» πουθενά και δεν τραβάει την ιστορία του σε αχαρτογράφητες περιοχές, εκεί όπου ο «Λύκος της Γουόλ Στριτ» σνίφαρε ζεστό χρήμα και θα έφτανε στην αυτοκαταστροφή. Δεν πειράζει όμως. Οι νηφάλιοι κινηματογραφιστές δεν κάνουν ποτέ στραβοπατήματα γιατί δεν ρισκάρουν, και αυτό δεν είναι απαραίτητα κακό.

53yy_4.jpg

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

Album Of The Week #151

Sia

Everyday Is Christmas

Η γιορτινή περίοδος με τον ισχυρότερο ψυχαναγκαστικό αντίκτυπο στους ανθρώπους είναι ταυτισμένη με οικογενειακή θαλπωρή, χιλιάδες λαμπιόνια, γλυκά και χαμογελαστά πρόσωπα γύρω από γεμάτα τραπέζια. Τα Χριστούγεννα, όμως, δεν είναι μόνο υπόθεση κουραμπιέδων και δώρων γύρω απ’ το στολισμένο δέντρο. Αντίστοιχα, τα ορφανά της Barbra και του Franky αλωνίζουν κάθε χρόνο το χριστουγεννιάτικο ρεπερτόριο, με τη βουλιμία που πέφτει ο δικός μας Πέτρος Γαϊτάνος στους πασχαλινούς ύμνους. Έτσι, η σαμπανιζέ μουσική που συνοδεύει τους χριστουγεννιάτικους στολισμούς και τις ημέρες του Δεκέμβρη, κατακλύζεται από γκλαμουράτους crooner που τραγουδάνε την Άγια Νύχτα (στη χειρότερη περίπτωση) και από υπέρλαμπρες διασκευές της Motown ή του Phil Spector (στην καλύτερη). Κανείς όμως δεν έχει πια ανάγκη τις ετήσιες εκτελέσεις σε χριστουγεννιάτικα standards από ερμηνευτές της συνομοταξίας του Michael Bublé ή του Josh Groban.

Η Sia έχει διαφορετική αισθητική και προσεγγίζει αλλιώς τη χριστουγεννιάτικη ευδαιμονία. Μέσω μιας παραγωγής που αξιοποιεί όλα τα τρικ τα οποία φέρνουν συνειρμικά «τρίγωνα-κάλαντα» στο μυαλό, η Αυστραλή τραγουδοποιός προκρίνει την εξωστρέφεια της γιορτινής μουσικής με ενδιαφέρον στυλ, διατηρώντας τα απαραίτητα επίπεδα σάχλας που οπωσδήποτε χρειάζονται οι καλοστολισμένες ρεβεγιόν. Έτσι, πετυχαίνει να αποδώσει την αίσθηση της ελεγχόμενης χριστουγεννιάτικης κραιπάλης (που είναι προαπαιτούμενο των ημερών), αλλά χωρίς να τη συνοδεύει με εξαλλοσύνες και απρόβλεπτα, ακραία συναισθήματα. Επιπλέον, μπολιάζει με θέρμη και αγαπησιάρικη διάθεση τις απλοϊκές μελωδίες της, ώστε να πετύχει την εντύπωση της ασφάλειας και του υγιούς ξεφαντώματος που νιώθουμε πλάι στα αγαπημένα μας πρόσωπα.

Το Every Day Is Christmas θα θρέψει λοιπόν ιδανικά τις στιγμές που ένα κορίτσι με γιορτινά κερατάκια πάνω απ’ το κεφάλι θα φλερτάρει ένα αγόρι με λυμένη τη γραβάτα, στους διαδρόμους κάποιου ξενέρωτου χριστουγεννιάτικου πάρτι πολυεθνικής. Τραγούδια όπως το “Puppies Are Forever” θα συνοδεύσει τους αυτοσχέδιους στολισμούς στο μικρό, ενοικιαζόμενο διαμέρισμα κάποιου νέου ζευγαριού που αδιαφορεί για τη μπαναλαρία των μεγάλων δέντρων με φάτνη. Το “Sunshine” θα είναι ό,τι πρέπει για να συνοδεύσει ένα σπιτικό brunch με τα γιορτινά leftovers της προηγούμενης βραδιάς. Το “Snowman” και το “Every Day Is Christmas” μπορεί να μην είναι τραγούδια μεγάλων αξιώσεων, απευθύνονται όμως σε ανθρώπους που δεν γιορτάζουν την έλευση του θείου βρέφους, αλλά αντιμετωπίζουν τις γιορτές σαν απαραίτητη ανάπαυλα αγάπης.

Έχουν αόρατες προσωπικές στιγμές αυτές οι μέρες των γιορτών, με όλη την αναίτια μελαγχολία και τους απολογισμούς που κουβαλάνε. Σε εκείνα τα γκρίζα σημεία έκρινε η Sia ότι υπήρχε η έλλειψη ενός ενήλικου soundtrack και φρόντισε να το καλύψει με τον τρόπο της. Και πολύ καλά έκανε.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Album Of The Week #150

H εμπειρία και η αθωότητα συνυπήρχαν στην καρδιά της μουσικής των U2, απ’ την εποχή της άγουρης οργής του Boy κιόλας (1980). Όπως και το δίπολο του μάχιμου Προτεσταντισμού και του ενοχικού Καθολικισμού, την εποχή που υιοθετούσαν το προφίλ του μεσσιανικού αγγελιοφόρου με την ψηλοτάκουνη μπότα και την ιρλανδική σημαία στα χέρια, στη δεκαετία του 1980. Όπως, αναλόγως, μάχονταν έπειτα μεταξύ τους, στη δεκαετία του 1990 πια, η ειρωνεία και η καμουφλαρισμένη οδύνη.

Ξεκίνησα να γράφω μια επαινετική κριτική στο 14ο άλμπουμ των U2, κυρίως γιατί εξακολουθούν να προκαλούν λυτρωτική ανύψωση χάρη στα φωταγωγημένα τους ρεφρέν. Αλλά και γιατί αρνούνται να γίνουν συγκρότημα των greatest hits, κρατώντας σε υψηλά επίπεδα την ξεχωριστή αρχιτεκτονική κάθε δίσκου, στη μετα-Brian Eno εποχή τους. Επιπλέον, τα τραγούδια τους  ακόμα διαθέτουν τη θετική αύρα που σε κάνει να μην αντιμετωπίζεις τον διπλανό σου ως απειλή που προσπαθεί να σου κλέψει τον χώρο στο μετρό, τη σειρά σου στην όποια αναμονή ή γενικώς το οξυγόνο.

Έχω αγαπήσει τους U2, ακριβώς γιατί δεν διέθεταν ποτέ τον δικό μου κυνισμό. Πάντα άλλωστε προτιμούσα ο αγαπημένος μου frontman να κάνει λομπίστικες χειραψίες με πολιτικούς στον ελεύθερό του χρόνο, παρά να κλωτσάει φωτογράφους στα μούτρα. Δεν είναι θέμα ηθικής, είναι θέμα «αθωότητας». Προτιμώ δηλαδή να βλέπω τα μέλη της μπάντας να έχουν οικογενειακούς δεσμούς μεταξύ τους, παρά να πετάνε τηλεοράσεις απ’ τα μπαλκόνια ξενοδοχείων με τις γκρούπις να χασκογελάνε. Δεν είναι θέμα συντηρητισμού, είναι θέμα «εμπειρίας».

Ακούγοντας καλά το Songs Of Experience, ωστόσο, η επαινετική κριτική μετατράπηκε σε κείμενο οργής. Τα πρώτα singles χαροποίησαν μόνο τους τεχνοκράτες των δισκογραφικών, όσους προσπαθούν να πιάσουν τους «οικονομικούς στόχους της χρονιάς», όπως βέβαια και τους επενδυτές των royalties και τους μάνατζερ.

Το “Get Out Of Your Own Way” δεν είναι παρά ένα ξαναζεσταμένο “Beautiful Day”, το οποίο ταιριάζει σε καμπάνιες εταιρειών κινητής τηλεφωνίας και όχι στον δίσκο του συγκροτήματος που έριξε κάποτε τα τσιμέντα του Red Rock, που τέντωσε στα άκρα τον πειραματισμό στο μουσικό φάσμα που απασχολεί το ραδιόφωνο, που επανεφηύρε τον ήχο του ολοκληρωτικά τρεις φορές. Τα πρώτα δευτερόλεπτα του “Blackout” ξυπνούν μνήμες της φρενίτιδας του “Fly”, προτού προσγειωθεί σε χαμηλοτάβανο ροκάκι των FM, με ανώδυνα σχόλια περί επικαιρότητας («democracy is flat on its back») και στίχους που προσποιούνται πως έχουν την ευφυΐα του Paul Simon. Το “You’re The Best Thing About Me” περιγράφει τον αθώο έρωτα με την ανεμελιά της Motown, αλλά δίνεται με την πόζα ενός έμπειρου τραγουδιστή, ο οποίος ξέρει ακριβώς ποια κίνησή του θα ξεσηκώσει την αρένα. Το “Love Is Bigger Than Anything In Its Way” κάνει όλες τις προβλέψιμες μανούβρες μιας ανθεμικής μπαλάντας, ώστε το στάδιο να γεμίσει αναπτηράκια.

Πουθενά λοιπόν δεν έβρισκα ίχνη του περήφανου εκείνου new wave που αγνοούσε τη βρωμιά του punk και λοξοκοιτούσε στην πνευματική κληρονομιά του David Bowie. Μέσα μου, ο έμπειρος ακροατής εντόπισε όλα τα συμπτώματα μιας μεγαλομανούς παραγωγής σε πάνοπλα στούντιο, ενός «μεγαλύτερου απ’ τη ζωή» συγκροτήματος που, αν δεν κατακλύσει τα ραδιόφωνα, θα πέσει να πεθάνει από μοναξιά. Δυστυχώς, οι U2 ανταγωνίζονται σήμερα τη μηχανή προώθησης της Taylor Swift και τα μη-αλκοολούχα ποτά που σερβίρει το μαγαζί των Coldplay.

Ωστόσο το Songs Of Experience δεν είναι το σίκουελ του προ τριετίας Songs Of Innocence (εκείνο το άλμπουμ που πολλοί δεν άκουσαν καν, απλά γιατί τους την έσπασε που το βρήκαν ένα πρωί στο iPhone). Είναι το δεύτερο μισό, που συμπληρώνει ένα άλμπουμ φτιαγμένο σε δύο μέρη. Αν οι U2 έκαναν αλλεπάλληλα sessions με στρατιές παραγωγών μέσα σε 3 χρόνια για να καταλήξουν σε μια τελική version, δικαιούται κι ένα κείμενο κριτικής να έχει τρία και τέσσερα drafts διαφορετικών απόψεων. Πάμε πάλι, επομένως, με τα αυτιά της αθωότητας αυτή τη φορά.

Στο “Love Is All We Have Left” ακούς τον Bono να κηρύττει μηνύματα αγάπης φιλτραρισμένα στο auto tune, σαν αστρικός πάστορας. Το “Lights Of Home” διαθέτει μια γκρουβάτη μελωδία, που εύκολα θα ευοδωθεί στα πλήθη και που μετά από ένα δεξιοτεχνικό σόλο να χαϊδεύει τα αυτιά θα καταλήξει στο συμπλήρωμα του “Iris” απ’ το Songs of Innocence: η κατακλείδα του συνεχίζει το «Free yourself to be yourself, If only you could see yourself». Κατόπιν, ο Kendrick Lamar σε ρόλο παρανοϊκού ιεροκήρυκα μάς εισάγει στο εκρηκτικό “American Soul”, δίδυμο αδερφάκι της glam εποποιίας του “Volcano” απ’ τον προηγούμενο δίσκο. Και το αλαφιασμένο mantra του Bono στα δύο αυτά κομμάτια μας λέει ρυθμικά: «you and I are rock and roll». Στο “Summer Of Love”, πάλι, ακούς ένα συγκρότημα επί δεκαετίες βουτηγμένο σε στουντιακές αλχημείες να μας αποπλανεί με ένα ανθρώπινο και τρυφερό riff, το οποίο σκάει απ’ τα ηχεία σαν καλοκαιρινό αεράκι. Ένας σαγηνευτικός ρυθμός, που συμπληρώνει την ονειροπόληση του “California, There’s No End To Love”. Όσο για το “13” στο φινάλε του άλμπουμ, είναι μια πιανιστική διασκευή στο “Song For Someone”.

Έχουμε έτσι ένα παζλ στα χέρια μας, από τραγούδια που κουμπώνουν και που κοιτάνε σε καθρέφτη.

H σημειολογία του Songs Of Experience συμπληρώνει εμμονές οι οποίες κρατάνε απ’ το ταραγμένο Δουβλίνο των 1970s και διαπερνούν τα σαράντα κύματα που έχει διαβεί το συγκρότημα μέσα στα χρόνια. Τα παιδιά των μελών στο εξώφυλλο –είναι η κόρη του Edge και ο γιος του Bono– έχουν αμφότερα την πληγωμένη καθαρότητα του αγοριού με το κράνος στο War (1983). Δεν είναι επομένως εντελώς τυχαίο που το υπέροχο “Red Flag Day”, με τις πυκνές κιθάρες και τα δεύτερα φωνητικά του Edge, ανοίγει διάλογο με τις μουσικές θεματικές του War, θίγοντας ζητήματα που πολύ θα ήθελαν να κατέχουν οι νεότερες γενιές, αλλά βαριούνται να ανοίξουν βιβλία. Διάολε, μέσα από τόση εμπειρία χειραγώγησης του κοινού, οι U2 δείχνουν εδώ να διαθέτουν μια άφθαρτη αθωότητα. Ακόμα και το επιμελώς ακατέργαστο “Showman” σηκώνει αναθυμιάσεις απ’ τον αυθορμητισμό παλιών fan darlings, όπως το “Party Girl”.

H δε κριτική μου είχε γίνει ξανά θετική μετά τις απανωτές ακροάσεις του “Little Things”. Αυτό το ψυχόδραμα σου ξυπνάει τον συναισθηματικό αντίκτυπο των στιγμών που βρέθηκες σε τρελές εξομολογήσεις, σε αποφάσεις ζωής και ξαφνικές παρορμήσεις να αφήσεις τη δουλειά σου, να μεταναστεύσεις, να πάρεις τηλέφωνο μέσα στη νύχτα τον έρωτα της ζωής σου –και πάει λέγοντας. Στο τέλος, όμως, η εμπειρία πήρε ξανά το πάνω χέρι, όταν συνειδητοποίησα ότι το καλύτερο τραγούδι του δίσκου, το “Book Of Your Heart”, είναι bonus track δίπλα σε κάτι αχρείαστα remix.

Οι U2 που αγάπησα, τις εποχές που χάνονταν στην έρημο του Joshua Tree(1987), όταν είχαν μόνο μουσικές φιλοδοξίες, θα έβγαζαν αυτό το τραγούδι πρώτο-πρώτο εκεί έξω· και όποιος ήθελε, θα ακολουθούσε. Για τούτο δε το «έξτρα» τραγούδι θα έκαναν έγκλημα οι 9 στις 10 hip μπάντες μετά το 2000, ώστε να λανσάρουν την καριέρα τους. Μετά από τόσα αρμονικά λόγια περί αγάπης στα manual αυτοβελτίωσης, έρχονται στίχοι τύπου «I don’t belong to you, Love is what we choose to do, Υou don’t belong to me, It’s not that easy». Εδώ είναι οι U2 που είχα ερωτευτεί, σήμερα όμως αρνούνται να εντάξουν στην track sequence το συγκεκριμένο τραγούδι, μη τυχόν και αποξενώσουν τα πιτσιρίκια που «κατεβάζουν» στις ψηφιακές πλατφόρμες… Μη τυχόν και δεν ακουστούν επίκαιροι –αυτή η καταραμένη εμμονή, που τους κάνει να γεμίζουν στάδια με «αθώα» αυτιά και τους έχει καταστήσει αντιπαθείς στα μάτια των «έμπειρων».

Η κριτική μου πήρε λοιπόν αρνητικό πρόσημο στο τέλος. Δυστυχώς, ο στόμφος και ο ναρκισσισμός για τον οποίον έχουν κατηγορηθεί οι Ιρλανδοί (κυρίως από εκείνους που καραδοκούν στα σκοτάδια σαν ελεύθεροι σκοπευτές, ψοφώντας για αποδόμηση των «πουλημένων»), παίρνει κεφάλι.

Υπάρχει ένα καλό τελευταίο άλμπουμ μέσα στους U2, αντάξιο των πιο ένδοξων ημερών τους. Πιστεύω όμως ότι δεν θα το βρουν ποτέ, γιατί τους απασχολεί η αναζήτηση της ποπ μελωδίας που θα τους κρατήσει στην κορυφή της τροφικής αλυσίδας. Φυσικά, στο τέλος της 4ης δεκαετίας της ζωής τους, η συνθετική φλέβα δεν θα μπορούσε να αναβλύζει τους ίδιους χυμούς με τότε: ο Bono έχει ακόμη την έμφυτη τάση να υποκύπτει σε μεγέθυνση και να είναι ερωτευμένος με την ίδια τη φωνή του, ενώ το εύστροφο μυαλό του Edge παράγει ακόμη δειγματολόγια από περιπετειώδη κιθαριστικά μοτίβα. Η ψυχική τους ευαισθησία είναι λοιπόν που τους κρατά όρθιους.

Θα ήθελα πολύ να τους πω ότι το «Βιβλίο της Καρδιάς» μας θα γέμιζε και χωρίς τις στρατιές ακριβών παραγωγών, με συνεργασίες από Adele μέχρι Beyoncé στο βιογραφικό τους. Αλλά δεν θα με άκουγαν. Θα με κάλυπτε η βοή απ’ τις εκατό χιλιάδες τσιρίδες που έχουν κάθε μέρα στα αυτιά τους.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Album Of The Week #149

Taylor Swift

Reputation

Ακόμη κι αν επιχειρήσουμε να βάλουμε σε τάξη τη σημειολογία της αισθητικής που καλλιεργεί μέσα στα χρόνια η Taylor Swift, η ανάλυση της εμπορικής της απήχησης είναι δύσκολη: το 6ο της άλμπουμ Reputation, είχε 400.000 προπαραγγελίες πριν τη μέρα κυκλοφορίας του· ένα νούμερο που θυμίζει ξεχασμένες εποχές της pop βιομηχανίας.

Η εκσυγχρονισμένη Barbie της νεανικής country σηκώνει πλέον για τα καλά το μπαϊράκι της σύγχρονης pop, η οποία έχει παραδοθεί στη smartphone αισθητική. Είτε βέβαια παριστάνει τη μοντέρνα Σταχτοπούτα, είτε ποζάρει σαν «darling» κάθε lifestyle εντύπου, η Taylor Swift παραμένει οχυρωμένη πίσω από μια αλάνθαστη στρατηγική προώθησης. Η διαφορά της όμως με τη Lady Gaga, είναι ότι αυτή δεν είναι «γεννημένη έτσι». Αντιθέτως, εκπροσωπεί το πιο συντηρητικό μοντέλο κατασκευασμένης σταρ: εκείνο που πατάει στην παράδοση της παραγωγής ειδώλων απ’ το στυγνό πρόσωπο της μουσικής βιομηχανίας. Οι μέρες έτσι της country pop τραγουδοποιίας είναι παρελθόν, αν και δεν θα λείψουν σε κανέναν, ούτε καν στις πιο φανατικές θαυμάστριές της, όσες την αποθέωναν από τότε. Και η ζαλιστική της άνοδος μοιάζει με αποκύημα της υγρής φαντασίωσης κάθε λογιστή ή δικηγόρου που δουλεύει σαν CEO σε παρακμάζουσα πολυεθνική δισκογραφική.

Δεν πρέπει πάντως να είμαστε κυνικοί και απορριπτικοί με το φαινόμενο Taylor Swift, για έναν απλούστατο λόγο: δεν συμβαίνει τυχαία μια τέτοια επιτυχία, ειδικά σε μια εποχή μεταμοντερνισμού, όπου όλα έχουν γίνει και όλα έχουν ειπωθεί. Για να κατανοήσουμε τη δημοφιλία της, θα πρέπει να εντρυφήσουμε στην υπεροχή των application, που ωθούν το νεανικό κοινό να επενδύσει σε προϊόντα ψηφιακής pop. Πρέπει να ακούσουμε τη μουσική με τον ενθουσιασμό των εφήβων που σκρολάρουν το Facebook timeline τους με τέτοια ταχύτηταώστε κάθε «νέο» τραγούδι να καθιστά το αμέσως προηγούμενο «παλιό», όσο εκείνοι επικοινωνούν με memes, gifs και άλλα μονοσύλλαβα.

Τα τραγούδια του Reputation θέλουν τόσο λυσσαλέα να γίνουν απαραίτητα, ώστε ακούγονται σαν συνονθύλευμα εκκωφαντικών ρυθμών και ντελιριακών beat –αυτών που κυριαρχούν στην ατσαλάκωτη εποχή του David Guetta. Τη σκληρή δουλειά της παραγωγής αναλαμβάνουν ένα κάρο νοματαίοι, οι οποίοι στριμώχνονται στα credits, μα και άλλοι τόσοι, που δίνουν μάχη να χωρέσουν μαζί τους. Αγνοώντας, βέβαια, πως «μεγαλύτερο» και «ακριβότερο» δεν σημαίνει «καλύτερο», με αποτέλεσμα τα μπάσα στο woofer να τσιτώνουν για να καθίσει ο δίσκος πολλές βδομάδες στο No.1 του Billboard και να φάνε τα λυσσακά τους οι haters. Φυσικά, η ίδια η Swift έχει πολλά να ζηλέψει απ’ τις ομογάλακτες αδερφές της: δεν μπορεί να παράξει την υγρή R’n’B της Beyoncé, ούτε τους χυμούς της Katy Perry· δεν έχει τα παιχνιδίσματα της Britney Spears ή την απρόβλεπτη αλητεία της Miley Cyrus, δεν διαθέτει καν το αισθητήριο μόδας της Gwen Stefani.

Έτσι, τα τραγούδια της δεν διεκδικούν δάφνες ποιότητας, αλλά πασχίζουν να παραμείνουν ζωντανά στα κοινωνικά media, πυκνώνοντας τον γύρω τους θόρυβο. Γι’ αυτό και η 27χρονη Αμερικανίδα σταρ στρέφει το ενδιαφέρον της στα media που την καταναλώνουν, στις δημόσιες κόντρες της (όπως με τον Kanye West) και σε όσες φήμες πλήττουν την υπόληψή της. Εξαπολύει λοιπόν όλη την αφέλεια του λευκού πλουσιοκόριτσου με τραπεζικό λογαριασμό που στενάζει υπό το βάρος των πολυπλατινένιων καταθέσεων, ενώ χρησιμοποιεί λέξεις όπως το «dat» στα σχόλιά της στο Instagram, σε φωτογραφίες celebrity φίλων από VIP clubs στο Beverly Hills.

Καλά όλα αυτά, όμως τα τραγούδια της ηχούν «άδεια»: αν τα γυρίσεις ανάποδα, δεν θα πέσει τίποτα κάτω. Για παράδειγμα, ακούγοντας το single “Look What You Made Me Do”, φαντάζεσαι πόσο καλύτερα θα έκανε το ρεφρέν του η Kelis ή η Fergie. Στο “Don’t Blame Me” κάνει ένα gospel πείραμα, στο “End Game” δέχεται τις επιθυμίες των promoters της να συνεργαστεί με τον Ed Sheeran, ενώ στο “I Did Something Bad” ρίχνει μπόλικη εφηβική ανεμελιά, με αστραφτερό γκλίτερ. Εάν πάντως πρόθεσή της ήταν να προσδιοριστεί ως κακό κορίτσι με στίχους όπως «I don’t trust nobody and nobody trusts me», έχει αποτύχει.

Οι καλύτερες στιγμές του Reputation είναι το “Delicate” και το “Gorgeous”, δυο όμορφα mid-tempo τραγούδια που θα μπορούσαν να είχαν πει οι Yazoo στη δεκαετία του 1980. Ακόμα κι αυτά, όμως, μπορούν να φέρουν ξαφνικό αέρα κανονικότητας μόνο σε κάποιο club του οποίου τα ηχεία μαστιγώνουν τα αυτιά εφήβων με γιαλαντζί hip hop και φτηνή reggaeton. Ας δεχτούμε απλά ότι η Taylor Swift είναι πια 27 χρονών και έβαλε σκοπό να το ρίξει έξω, φτάνει μόνο να μην «κατεβάσει» τον καπνό γιατί τη χαλάει. Το θέμα είναι αν εμάς μας αφορά αυτό το προβλέψιμο crazy night out μαζί της.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Υπόθεση Γούντι Άλεν: Όλη η αλήθεια

Αυτή τη βδομάδα προβάλλεται στους κινηματογράφους η 46η ταινία του Γούντι Άλεν με τίτλο “Wonder Wheel”. Μαζί με το ετήσιο γουντιαλενικό ραντεβού στις αίθουσες, τα τελευταία 25 χρόνια έχουμε και το ετήσιο πανηγύρι από κατηγορίες, κουτσομπολιό, παρασκήνιο και δημόσιες κινήσεις μικροπολεμικής που αφορούν στην προσωπική ζωή του σκηνοθέτη. Ειδικότερα φέτος, σε μια χρονιά που ένα φεμινιστικό ρεύμα ξεσκέπασε ένα σαθρό σύστημα γυναικείας εκμετάλλευσης στο Χόλιγουντ, ήταν επόμενο να βρουν χώρο και να ξεσπαθώσουν και κάθε λογής κουτσομπόλες σχετικά με τον «ανώμαλο» (!), και τον «παιδεραστή» (!!) που «παντρεύτηκε την κόρη του» (!!!) για να ανέβουν στο τρένο του hype. Πολλά site βρίσκουν χώρο για clickbait επικαιρότητας και πετάνε ανούσια άρθρα για την υπόθεση της προσωπικής ζωής του Γούντι Άλεν. Χιλιάδες υβριστικά σχόλια από χρήστες τον social media κατατάσσουν (χωρίς κανένα λόγο) τον Άλεν σε μια λίστα βιαστών, δίπλα στον Γουάινστιν. Η πρεμιέρα του “Wonder Wheel” ματαιώθηκε για να αποφύγουν οι συντελεστές τις επιθετικές ερωτήσεις στο κόκκινο χαλί. Τα screeners που στέλνονται στην ακαδημία για τα βραβεία δεν εμπεριέχουν πουθενά το όνομα του δημιουργού και μια στρατιά δημοσιογράφων υποκινούν επιθέσεις σε ηθοποιούς που δέχονται να συνεργαστούν με τον σκηνοθέτη – πρόσφατο παράδειγμα η Selena Gomez που έπαιξε την 47η ταινία του Άλεν, το “A Rainy Day in New York” που θα δούμε του χρόνου με πρωταγωνιστή τον Τζουν Λο. Όσο υπάρχει αυτό το παράξενο και νοσηρό κλίμα υστερίας και παραπληροφόρησης, αξίζει να θυμηθούμε τα αποδεδειγμένα γεγονότα, ώστε να βγάλει ο καθένας τα συμπεράσματά του.

Η ταραγμένη σχέση του Άλεν και της Μία Φάροου ξεκίνησε το 1980. Οι δυο τους δεν παντρεύτηκαν ποτέ και καθ όλη τη διάρκεια της 12ετούς επαφής τους, ουδέποτε έζησαν στο ίδιο σπίτι. Επιπλέον ο Άλεν, δεν είχε καμία συμμετοχή στη διαπαιδαγώγησή τους. Μέχρι το 1990 η σχέση των δυο είχε γίνει απολύτως τυπική και είχε περιοριστεί στην κινηματογραφική συνεργασία τους. Άλλωστε, η Μία πρωταγωνίστησε σε 12 ταινίες του σκηνοθέτη, όλες όσες δηλαδή κατάφερε να γυρίσει σε ισάριθμα χρόνια, μέχρι το 1992 και το υπέροχο “Husbands and Wives” που υπογράμμιζε με κάποιο τρόπο το τέλος της σχέσης. Ο Άλεν έδειχνε αφοσίωση μόνο στην Ντίλαν Φάροου την οποία υιοθέτησαν μαζί ως νεογέννητο το 1985, ενώ η Μια είχε αδυναμία στον Σάτσελ Φάροου τον οποίο γέννησε η ίδια το 1987. Η Μία απομάκρυνε με κάθε τρόπο τον Σάτσελ απ’ τον Γούντι και απέφευγε να τους αφήσει μαζί στον ίδιο χώρο. Ο παιδοψυχολόγος που κατέθεσε στη δίκη τους λίγα χρόνια αργότερα, είπε ότι ο Σάτσελ εμφάνιζε συμπτώματα παιδικής οργής όταν ο Άλεν ήταν μαζί τους, με επιθετικές κινήσεις γρατσουνιές και τσιρίγματα, κάτι που είναι συνήθως αποτέλεσμα πλύσης εγκεφάλου απ’ τον ένα γονιό. Ο Γούντι Άλεν δεν είχε επαφή με κανένα από τα έξι παιδιά που η Μία είχε αποκτήσει με τον πρώην σύζυγό της, Αντρέ Πρεβέν, αν και ήταν εγκάρδιος μαζί τους, ειδικότερα με τον Μόουζες Φάροου, ο οποίος υιοθετήθηκε το 1980 όταν ήταν μόλις δυο ετών. Η πρώτη ουσιαστική επαφή του Γούντι με την Σουν-Γι Πρέβιν, έγινε μόλις το 1990, όταν η Φάροου ζήτησε απ’ τον Γούντι να συνοδεύσει την 20χρονη σε ένα παιχνίδι μπάσκετ. Η Σουν-Γι γεννήθηκε το 1970 και υιοθετήθηκε απ΄τη Μία και τον Πρεβέν όταν ήταν 7 χρονών. Καθόλη τη δεκαετία του ’80 ο Γούντι Άλεν δεν βρέθηκε ποτέ μόνος του στο ίδιο δωμάτιο μαζί της.

57jjmv_1.jpg

Το κακό στην διάσημη δυσλειτουργική οικογένεια ξεκίνησε τον Ιανουάριο του 1992, όταν η Φάροου αντιλήφθηκε ότι ο 56χρονος τότε Άλεν και η 21χρονη Σουν-Γι είχαν ξεκινήσει να βλέπονται ερωτικά. Η Σουν-Γι ομολόγησε ότι έκαναν σεξ για πρώτη φορά τον Δεκέμβρη του 1991, λίγο μετά τα γενέθλιά της. Η παράνομη σχέση είχε καταφέρει να μείνει κρυφή λίγο περισσότερο από ένα μήνα. Έξι μήνες αργότερα απ’ το συμβάν, στα γενέθλια της επτάχρονης Ντύλαν, η Φάροου είχε γεμίσει το σπίτι με χαρτιά και σημειώσεις σε πόρτες και τοίχους, που έγραφαν ότι ο παιδόφιλος Γούντι Άλεν είναι ανεπιθύμητος στο σπίτι καθώς αφότου αποπλάνησε τη μία αδερφή, τώρα έχει βάλει στο μάτι και τη μικρότερη. Επαναλαμβάνω, ότι η η Ντύλαν ήταν μόλις 7, δεν είχε ιδέα για τα γεγονότα και αυτό ήταν το πάρτι γενεθλίων της. Το καλοκαίρι του 1992, όταν ήταν πια φανερό πως δεν ήταν φευγαλέα αποπλάνηση, αλλά ο Άλεν και η Σουν-Γι είναι ζευγάρι, η Φάροου επιστράτευσε παιδοψυχολόγους και δικηγόρους για να τον χτυπήσει και τον φωτογράφιζε στα media «σατανικό», λέγοντας ότι είχε κάνει κόλαση τη ζωή τους όλα αυτά τα χρόνια. Τα πράγματα έγιναν πολύ άγρια όταν ο Γούντι, για να σταματήσει τον αναμενόμενο κυκεώνα κίτρινου τύπου που τον ακολουθούσε, δήλωσε στη Σουν-Γι την πρόθεσή του να παντρευτούν και να ζήσουν μαζί κανονικά. Λίγες βδομάδες αφότου η Φάροου έμαθε τα νέα γύρω απ’ τον επικείμενο γάμο, οργάνωσε συνάντηση με δικηγόρους και τους είπε πως η Ντύλαν παραπονέθηκε ότι ο Γούντι Άλεν την εκμεταλλεύτηκε σεξουαλικά στη σοφίτα του σπιτιού της.

Για να υποστηρίξει την κατηγορία, η Φάροου αποφάσισε να βιντεοσκοπήσει την ομολογία της Ντύλαν σε κάμερα. Για την ιστορία, η Φάροου χρειάστηκε τρεις μέρες μόνη της με την 7χρονη για να καταφέρει να βιντεοσκοπήσει την ομολογία της μικρής. Η Ντύλαν, σύμφωνα με μάρτυρες, έδειχνε να μην ενδιαφέρεται για τη διαδικασία και να προσπαθεί να επαναλάβει τα λόγια της μαμάς της. Επιπλέον, το τελικό αποτέλεσμα είχε μονταριστεί πολύ έντονα. Οι ειδικοί έκριναν ότι η βιντεοσκοπημένη ομολογία της Ντύλαν ήταν σκηνοθετημένη και καθοδηγούμενη απ΄τη μητέρα της. Δυο διαφορετικές ομάδες ειδικών σε περιπτώσεις σεξουαλικής παρενόχλησης διεξήγαγαν 14μηνη εξονυχιστική έρευνα και δεν βρήκαν ούτε ένα στοιχείο κακοποίησης ή παράνομης συμπεριφοράς. Λίγες βδομάδες αργότερα, η Φάροου πήγε το θέμα ένα βήμα παραπέρα και δήλωσε ότι βρήκε ίχνη σεξουαλικής κακοποίησης και στον γιο της, τον Σάτσελ. Αυτές κατηγορίες δεν έφτασαν ποτέ στο δικαστήριο, καθώς τα γεγονότα χαρακτηρίστηκαν πολύ παρανοικά ακόμα και να να διερευνηθούν και η Φάροου τις απέσυρε.

Όλη η ιστορία γύρω από το «χαμένο 20λεπτο» κατά το οποίο η Ντύλαν κακοποιήθηκε στη σοφίτα, στηρίχθηκε μόνο στη δήλωση της νταντάς της. Ένα χρόνο μετά τα γεγονότα η συγκεκριμένη γυναίκα βρήκε την babysitter του Σάτσελ και της είπε ότι στην πραγματικότητα δεν άφησε την Ντύλαν απ’ τα μάτια της για περισσότερα από 2-3 λεπτά και ότι μετάνοιωσε πικρά που είπε αυτά τα πράγματα για «τον κύριο Άλεν που της φέρονταν πάντα τόσο καλά». Η babysitter του Σάτσελ μετέφερε τα λόγια αυτά στα media για να απολυθεί λίγες μέρες αργότερα απ’ την Φάροου. Στο μεταξύ, ο Μόουζες είχε ήδη αρχίσει να αποστασιοποιείται απ’ τη μητέρα του και να δηλώνει ότι όλη την υπόθεση την είχε ενορχηστρώσει εκείνη. Στην τρίωρη ομολογία του, ο Γούντι Άλεν αρνήθηκε κάθε κατηγορία σεξουαλικής παρενόχλησης και μάλιστα χωρίς την παρουσία δικηγόρου υπεράσπισης. Ο Γούντι Άλεν έδωσε πρόσβαση στα πρακτικά και τις σημειώσεις της ψυχοθεραπείας του, όπου δεν βρέθηκαν ποτέ αναφορές σε ερωτικές επιθυμίες για ανήλικα κορίτσια ή έστω κάτι που να δείχνει ότι είχε οποιαδήποτε έλξη σε αγόρια. Επιπροσθέτως, ο Άλεν δέχτηκε να περάσει ανιχνευτή ψεύδους για την ιστορία. Το αποτέλεσμα τον έκρινε αθώο. Η Μία Φάροου αρνήθηκε να περάσει το ίδιο τεστ.

57jjmv_2.jpeg

Το παράξενο είναι ότι εν μέσω αυτού του χαμού, η Μία Φάροου ήθελε διακαώς να συνεργαστεί με τον Γούντι Άλεν για 13η φορά στην επόμενη ταινία του, στο “Μυστηριώδεις φόνοι στο Μανχάταν” (1993). O ρόλος τελικά πήγε στην παλιά συνεργάτιδα και πιστή φίλη του Άλεν, στην Ντάιαν Κίτον, η οποία δεν είχε εμφανιστεί σε καμία από τις 12 τανίες του καθ όλη τη διάρκεια της σχέσης του με την Φάροου, εξαιτίας του βέτο που είχε ασκήσει η Μια καθώς την αντιπαθούσε. Την πρώτη μέρα των γυρισμάτων, η Φάροου εμφανίστηκε στα γυρίσματα για να υποδυθεί την πρωταγωνίστρια, σε μια άβολη στιγμή για όλο το συνεργείο, προτού της δείξουν την πόρτα της εξόδου.

Όσον αφορά τη ζωή της Φάροου, είναι σημαντικό να αναλογιστούμε τέσσερα πράγματα: α) γνωρίζουμε ότι ο Ρομάν Πολάνσκι έχει κατηγορηθεί δίκαια για τον βιασμό ανήλικων κοριτσιών στη δεκαετία του 60. Η ίδια η Μία ήταν στο πλευρό του και μάλιστα κατέθεσε στο δικαστήριο προς υπεράσπισή του. Να θυμίσω ότι ο ο Πολάνσκι είναι ο μοναδικός σκηνοθέτης πέραν του Γούντι που της έχει δώσει αξιοσημείωτο ρόλο στο σινεμά με το «Μωρό της Ρόζμαρι». Ο Ρόναν Φάροου έγραψε τα άρθρα στους New York Times που πυροδότησαν όλη την φριχτή ιστορία σχετικά με τον Γουάινστιν, αλλά ουδέποτε αναφέρθηκε στο όνομα του Πολάνσκι. β) η Μία παντρεύτηκε τον Φρανκ Σινάτρα όταν ήταν 21 ετών. Ο Φράνκι ήταν 50 όταν άρχισαν να βγαίνουν. Η Σουν-Γι ήταν 20 όταν ξεκίνησε ο δεσμός της με τον Άλεν και αυτός ήταν 56. Οι κατηγορίες για «ανήθικη» σχέση παιδεραστίας, αν ευσταθούν για τον Άλεν, τότε θα πρέπει να «καίνε» και τον πρώτο σύζυγό της Μία. Μάλιστα η Φάροου είχε μεγάλο ιστορικό με σχέσεις με πολύ μεγαλύτερους άνδρες, όπως τον Γιουλ Μπρίνερ ή τον Κερκ Ντάγκλας. γ) Ο αδερφός της Μία, ο Τζον Φάροου, πήγε στη φυλακή καθώς κρίθηκε ένοχος για τον βιασμό αγοριών μεταξύ 8 και 10 ετών. δ) H τραγουδοποιός Ντόρι Πρεβέν ήταν η πρώτη γυναίκα του Άντρε Πρεβιν (του πρώην συζύγου της Φάροου) και είχε γράψει ένα τραγούδι για τη Μία με τίτλο “Beware of Young Girls”. Το τραγούδι περιέγραφε τον τρόπο που ένα μικρό και φρέσκο κορίτσι παρίστανε τη φίλη της και τελικά της αποπλάνησε το σύζυγο. Οι στίχοι έλεγαν: «Beware of young girls who come to the door. Wistful and pale of 24. She was my friend, she was invited to my house. She admired my wedding ring, she sent us little silver gifts, oh, what a rare αnd happy pair she inevitably said, as she glanced at my unmade bed. She admired my unmade bed».

57jjmv_3.jpg

Το τέλος του τραγουδιού που μπορείτε να ακούσετε ΕΔΩ αφήνει μια πικρόχολη πρόβλεψη πως μια μέρα θα τον αφήσει κι αυτόν για κάποιον άλλον, όπως και τελικά έγινε. Οι ενοχές της Μία Φάροου για αυτή την προδοσία ήταν πολλές και στην αυτοβιογραφία της μιλάει εκτενώς και με εμμονή για την Ντόρι, την οποία αντιμετωπίζει ως πρότυπο. Αυτό το γεγονός δεν θα είχε μεγάλη σχέση με την ιστορία, εάν στον ίδιο δίσκο δεν υπήρχε μυστηριωδώς ένα τραγούδι με τον τίτλο “With My Daddy in the Attic”, που περιγράφει μια fiction ανατριχιαστική ιστορία ενός θύματος βιασμού απ’ τον πατέρα της στη σοφίτα…

Μετά το τέλος της διαμάχης, η Μία απαγόρευσε στον Γούντι να έχει την οποιαδήποτε επαφή με τον Μόουζες, τη Ντύλαν και τον Σάτσελ, ο οποίος άλλαξε το όνομά του σε Σίμους και λίγα χρόνια μετά το άλλαξε για δεύτερη φορά σε Ρόναν. Η Μία Φάρρου υιοθέτησε άλλα 6 παιδιά μετά την υπόθεση, φτάνοντας συνολικά τα 15 παιδιά μέχρι σήμερα. Δεν έπαιξε σε καμία αξιοσημείωτη ταινία μετά το “Husbands and Wives”.

Κανείς δεν κατηγόρησε για παιδεραστία τον Άλεν πριν ή μετά τη Φάροου. Ο Γούντι και η Σουν-Γι τελικά παντρεύτηκαν το 1997 και μαζί υιοθέτησαν δυο παιδιά. Παραμένουν παντρεμένοι για είκοσι χρόνια. Παρ όλες τις κατηγορίες από την πλευρά της Μία Φάροου πως είναι πνευματικά καθυστερημένη και έτσι δέχεται εύκολα τους χειριστικούς τρόπους του Γούντι, η Σουν-Γι προχώρησε στις σπουδές της και ολοκλήρωσε το μεταπτυχιακό της το 2006.

57jjmv_4.jpg

Η υπόθεση βρήκε ξανά το δρόμο στη δημοσιότητα, με τη βράβευση του Άλεν με το βραβείο Cecil B. DeMille στις Χρυσές Σφαίρες, το 2004. Η Μία και ο Ρόναν επανέφεραν την υπόθεση στον τύπο σαν έκφραση διαμαρτυρίας για να θολώσουν το θετικό κλίμα απέναντι στον σκηνοθέτη και να αμαυρώσουν τη βραδιά, με συνεντεύξεις στο Vanity Fair και μια ανοιχτή επιστολή στους New York Times. Ένα μήνα μετά την επιστολή, ο απηυδισμένος Μόουζες έσπασε τη σιωπή του πήρε και πήρε θέση επίσημα υπέρ του Γούντι Άλεν. Συγκεκριμένα είπε: «Φυσικά ο Γούντι δεν επιτέθηκε σεξουαλικά στην αδερφή μου. Η μητέρα μου ήταν αυτή που μας μάθαινε να τον μισούμε γιατί μας έλεγε ότι διέλυσε την οικογένεια και ότι μας βίασε. Τον μισούσα για πολλά χρόνια εξαιτίας της. Τώρα όμως καταλαβαίνω ότι όλα τα έκανε για να εκδικηθεί το γεγονός ότι ερωτεύτηκε τη Σουν-Γι». Η σχέση του Μόουζες με τον Άλεν μετά απ’ αυτό, αποκαταστήθηκε.

Ένα απ’ τα πιο αστεία αλλά και σκοτεινά σημεία του άρθρου που δημοσίευσε το Vanity Fair, ήταν πως ο πραγματικός πατέρας του Ρόναν Φάροου δεν είναι άλλος από τον Φρανκ Σινάτρα. Η Μία δηλαδή, σε μια αδιανόητη κίνηση εντυπωσιασμού και νοσηρής εκδίκησης, παραδέχτηκε ότι κατά τη διάρκεια της σχέσης της με τον Γούντι Άλεν τον απατούσε με τον πρώην σύζυγό της. Αυτό το θέμα φυσικά το έκρυβε όταν είχε το ρόλο της θιγομένης συζύγου στα δικαστήρια το 1993. Ο Σινάτρα μισούσε τον Γούντι Άλεν και φήμες λένε ότι προσφέρθηκε να βάλει τη μαφία να τον σκοτώσει επειδή πλήγωσε την παλιά αγαπημένη του. Χαρακτηριστικό είναι ότι ο Γούντι Άλεν είχε βασίσει το ρόλο του Lou Canova, ενός ξεπεσμένου crooner, στην ταινία “Broadway Danny Rose” (1984) στον Σινάτρα. Έτσι θα είναι πάντα, οι αληθινοί καλλιτέχνες θα έχουν για όπλο την ευφυΐα της τέχνη τους και οι ετερόφωτοι δορυφόροι τους, θα θρέφονται τρώγοντας τις σάρκες τους για πάντα.

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

To Νήμα

57wwNima_2.jpg

Το «Νήμα» είναι μια χειροποίητη και απαράμιλλη εμπειρία βιογραφικών σημείων και εύπλαστης μνήμης. Ο Αλέξανδρος Βούλγαρης (ή «The Boy» όπως τον γνωρίζουμε απ΄τη μουσική του καριέρα) με την βιρτουοζιτέ και την επιτήδευση ενός τζαζίστα βιογράφου, μιλάει για τις φοβίες, τις μάχες, τον βασανισμό και την πνευματική κληρονομιά μιας ηρωίδας με έντονη αντιδικτατορική δράση, η οποία κουβαλάει όλη την οργή και τα απωθημένα που αφήνει η μητρότητα. Σταδιακά λοιπόν μας τραβάει στον ιστό του ασυνείδητου μιας γυναίκας που βρίσκεται σε διαρκή ρήξη με το ρευστό περιβάλλον της. Το πετυχαίνει, όχι φυσικά με τη μέθοδο της άχαρης αναπαράστασης αναμνήσεων αλλά με κεντραρισμένα, κλειστοφοβικά πλάνα τα οποία κυκλώνουν δυστοπικοί ήχοι και αληθινά εφέ που αντιβαίνουν τους κανόνες της αφήγησης. Η φαινομενική αναρχία του μοντάζ και η παραμορφωμένη ματιά του φακού όμως, δεν οδηγεί τελικά σε κάτι ανοίκειο.

Το ταραγμένο σύμπαν του έργου εκφράζεται με εξπρεσιονιστικούς φωτισμούς και με υποκειμενικές λήψεις, που περιορίζουν το κάδρο αλλά «ανοίγουν» την αντίληψη του θεατή. Το ρευστό μοντάζ κάνει τη μια σκηνή να χωνεύει την προηγούμενη. Ως αποτέλεσμα, ο φαντασιακός κόσμος του σεναρίου προβάλλει τον ψυχισμό μιας ηρωίδας που βασανίζεται από τους Οραματιστές (ρετροφουτουριστική αναφορά στους συνταγματάρχες της Χούντας), αγαπιέται από το μικρό της αγόρι, μεγαλοπιάνεται εξαιτίας αυτάρεσκων ψευτοδιανοούμενων της παριζιάνικης nouvelle vague, ψωνίζεται με την επανάσταση, γίνεται σοσιαλιστικό σύμβολο και φυλακίζεται στο μπουντρούμι του κορμιού της. Κάπου ανάμεσα στον αφρό της τέχνης, στο ανήσυχο πνεύμα και στο πέρασμα του χρόνου που ξεπεζεύει τα ιδανικά μας, ο θεατής αναζητά την αλήθεια με τον ίδιο τρόπο που ξετυλίγουμε ένα κουβάρι εικόνων στους εφιάλτες μας. Το παθιασμένο όραμα του Αλέξανδρου Βούλγαρη προκρίνει η Σοφία Κόκκαλη, η οποία ερμηνεύει έξοχα την ηρωίδα, σαν να φοράει πολλές μάσκες αγωνίας στο πρόσωπό της.

Κάτω από τη φόδρα της ταινίας, φυσικά κρύβεται ένα ειλικρινές γράμμα αγάπης στην Ιωάννα Καρυστιάνη. Η ταινία δεν χαρίζεται στον βίο και τα έργα της αληθινής γυναίκας και ο σκηνοθέτης προσπαθεί να καταγράψει τον πόνο που συνεπάγεται ένα τέτοιο ταξίδι με μηχανισμούς ενός φαντασιακού θρίλερ που θα οδηγήσουν σε ένα μικρό Rosebud (Κυκλάμινο). Το σκηνογραφικό στυλ μιας τόσο πολυμορφικής ιστορίας δεν θα μπορούσε παρά να είναι αφαιρετικό, όμως η συνοχή και το νόημα δεν προδίδονται ποτέ, παρά τους υπερβολικoύς συμβολισμούς στο δεύτερο μέρος. Ποτέ δεν σε προδίδουν άλλωστε οι ταινίες που φτιάχνονται από δημιουργούς που νοιάζονται τόσο για τους ήρωές τους και παιδεύονται απ’ αυτούς.

57wwNima_3.jpg

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

Album of the Week #148

Evanescence

Synthesis

 

Οι επικές μπαλάντες συμφωνικού ροκ που έγραψαν οι Evanescence, ήταν ο λόγος που ξέφυγαν απ’ τον σωρό της νεογοτθικής metal αφάνειας, φτάνοντας ως τα Grammy. Το συγκρότημα ευνοήθηκε βέβαια και απ’ το καλό timing, καθώς το ντεμπούτο Fallen (2003) κατάφερε να θρέψει μουσικά τις ολονύχτιες ταβανοθεραπείες μιας ρομαντικής γενιάς μαθητών, που δεν έδιναν δεκάρα για τις ασχήμιες στο προαύλιο του σχολείου, αλλά προτιμούσαν να χάνονται σε χαοτικές ζωγραφιές με έκπτωτους αγγέλους –πάντα με μαύρο στυλό στα οπισθόφυλλα των τετραδίων.

Τα τραγούδια εκείνα συστήνονται τώρα ξανά στο κοινό, σε πιο πομπώδεις εκτελέσεις, συνοδεία ορχήστρας, με νέες ενορχηστρώσεις επιμελημένες από τον David Campbell. Το Synthesis αποτελεί δηλαδή ένα επαναδούλεμα των πιο γνωστών τίτλων του αμερικάνικου γκρουπ, με γαρνιτούρα 2 καινούριες συνθέσεις.

Στην καλύτερη περίπτωση, τα τραγούδια των Evanescence θα έντυναν μουσικά μία μικρού μήκους ταινία για δύο ερωτευμένες έφηβες που αυτοκτονούν μαζί στο αγαπημένο τους νεκροταφείο, την οποία θα είχε σκηνοθετήσει μια πρωτοετής σπουδάστρια κινηματογράφου, που ασχολήθηκε σοβαρά με το σινεμά εξαιτίας της ερμηνείας του Μπράντον Λι στο Κοράκι. Στη χειρότερη πάλι περίπτωση, αποτελούν επένδυση για αυτοσχέδια βιντεάκια στο YouTube,  από συρραφές στατικών εικόνων με δακρυσμένους παλιάτσους, αιματοβαμμένες γοργόνες, λαβωμένα ξωτικά και κόκκινα ρόδα, πίσω από τζάμια με φόντο τη βροχή.

Η μελοδραματική οργή της Amy Lee βρίσκει χώρο να ξεχυθεί σ’ αυτές τις καινούριες ενορχηστρώσεις και το ένα κρεσέντο ακολουθεί το άλλο, σε μία πληθώρα από θεατρίζουζες ερμηνείες. Όμως τραγουδάει χωρίς μέτρο, σαν να θέλει να πείσει τους κριτές της επιτροπής ενός φανταστικού talent show. Η γενιά των emo μεγάλωσε και ούτε θέλει να κοιτάξει πίσω στις πρώτες της παιδικές αρρώστιες· η δε απουσία κιθάρας –ως εστέτ επιλογή– και το «συμφωνικό άλλοθι ωριμότητας» δεν ευδοκιμούν καθόλου σε ακροατές απομακρυσμένους πια από τα άγουρα νεανικά χρόνια.

Στο Synthesis, ακόμα και τα καλύτερα τραγούδια των Evanescence μοιάζουν με ιδανικές επιλογές για διαγωνισμούς ταλέντου, για όταν οι παίκτες καλούνται να πουν ένα «καλό ξένο». Το ορχηστρικό δηλαδή πανωφόρι που φοράνε κατάσαρκα το “Bring Me Τo Life” και το “My Immortal”, τους προσδίδει μια άβολη αίσθηση eurotrash. Θα έλεγα μάλιστα πως τα κάνει να μοιάζουν με αυτό που οι παρουσιαστές της εκάστοτε Eurovision χαρακτηρίζουν (με ενθουσιασμό) «καλή ροκ παρουσία».

Κάπως έτσι, το Synthesis είναι απ’ τα λίγα φετινά άλμπουμ που, μόλις τελειώσει, σου δημιουργεί την ανάγκη να βάλεις αμέσως να ακούσεις κάτι άλλο, μπας και σου φύγει γρήγορα η άσχημη γεύση.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Κ.Βήτα & Μιχάλης Δέλτα // DJ Set

Το συναισθηματικό αποτύπωμα που άφησαν οι Στέρεο Νόβα μετά τη διάλυσή τους, είναι ανυπολόγιστο. Κατά συνέπεια, είναι μεγάλος ο θόρυβος που ξεσπά γύρω από κάθε δημόσια, κοινή συνάντηση του Μιχάλη Δέλτα και του Κωνσταντίνου Βήτα. Ακόμα και η ανακοίνωση του διήμερου DJ set στα decks του club Stream, που τους επανένωσε 9 χρόνια μετά το live για τα γενέθλια της Lifo, σκόρπισε ενθουσιασμό· φανταστείτε λοιπόν τι έχει να γίνει σε μια πιθανή ανακοίνωση νέας δισκογραφικής συνεργασίας ή έστω κανονικής συναυλίας. Οι ίδιοι, πάντως, ξέρουν καλύτερα απ’ όλους αν υπάρχει ουσιαστικός καλλιτεχνικός λόγος για κάτι τέτοιο.

Ο κόσμος που έδωσε το παρών σε αυτό το πάρτυ, ήθελε σαφώς να χορέψει και να διασκεδάσει. Ωστόσο, πιστεύω ότι η μεγαλύτερη επιθυμία όλων, ήταν να δουν τον Μιχάλη και τον Κωνσταντίνο στο ίδιο πλάνο: να τους χωρέσουν μαζί τα μάτια τους. Ας μην έπαιζαν ζωντανά τις αλησμόνητες ηλεκτρονικές μελωδίες τους, ας μην τραγουδούσαν τους ένδοξους στίχους τους. Η ιδέα πως οι δυο μουσικοί βρίσκονται στον ίδιο χώρο είναι γοητευτική· και δημιουργεί μια επιθυμία για «συμμετοχή» μέσω του χορού.

58kStereo_3.png

Την ατμόσφαιρα στο Steam φρόντισε να θερμάνει με εξαιρετικό στυλ και συνέπεια η Miss Fo. Οι deep house επιλογές της και οι παιχνιδιάρικες μίξεις, έδωσαν από νωρίς ιδανικό τέμπο. H Miss Fo μας χάρισε προσεγμένα αστικά beats, χωρίς συγκεκριμένο χρώμα, και συντόνισε τους καρδιακούς παλμούς των θεατών· πολλοί μάλιστα απ’ αυτούς, ίσως και να είχαν ξεχάσει πια τι σημαίνει να στοιβάζεται στα κλαμπ της πόλης.

Λίγο μετά τη 1, η πασίγνωστη μελωδία του “Νέα Ζωή 705” σημοτοδότησε την άνοδο των δύο βασικών ονομάτων στην κονσόλα. Ήταν μια τόσο/όσο εισαγωγή, η οποία άνοιξε τον δρόμο για ένα εξωστρεφές ηχοσύνολο, γεμάτο πυκνά, οριακά beat, από εκείνα που στα τέλη της δεκαετίας του 1990 συναντούσες σε club όπως το +Soda, αλλά και στα πρώιμα πάρτι του King Size. Απελευθερωμένη house μουσική για την αθόρυβη ελίτ των νυχτόβιων πλασμάτων, αυτών που μπορούν και χορεύουν ακόμα στην καρδιά των διαβρωμένων αστικών κέντρων, αποφεύγοντας με αποστροφή τα λιμνάζοντα νερά των μπουζουκτζίδικων της Ιεράς Οδού και τις ντόπιες λαϊκές αγορές της mainstream μαζικής διασκέδασης, μέσω βίαιων ντεσιμπέλ και φτηνού αλκοόλ.

Ο Μιχάλης Δέλτα είχε άνετα τον ρόλο του frontman: ήξερε πότε να δώσει τον πλαμό, πότε να αφεθεί σε χορούς και πότε να τερματίσει την έντασηγια να ξεσηκώσει και τους τελευταίους θαμώνες. Ο Κ.Βήτα ήταν σαφώς πιο ντροπαλός, με μια ευγενική συστολή πάνω απ’ τον μίκτη, αν και στη διάρκεια της βραδιάς «λύθηκε» και σήκωνε ρυθμικά τη γροθιά του με αυτοπεποίθηση. Ακολούθησαν αρκετές ώρες γεμάτες acid house ευδαιμονία και τεταμένη space disco, που στις εποχές της ακμής της clubland θα ακούγονταν σαν μια ανέμελη διανυκτέρευση στον κήπο των απολαύσεων.

Το ντουέτο μας χάρισε ένα σφιχτό και μαστορεμένo DJ set με χρώμα, βάση και περισσευούμενη αδρεναλίνη. Οι πονηρές, «χειροποίητες» μίξεις σε κρατούσαν δέσμιο και σου έφερναν στο μυαλό την εποχή που το clubbing είχε διαφορετικό παρονομαστή και ο κόσμος εξυπηρετούσε διαφορετικές ανάγκες όταν υπάκουε σωματικά στην κλιμάκωση ανάλογων ρυθμών. Αυτή είναι και η λεπτή διαχωριστική γραμμή ανάμεσα στη νοσταλγία και στην πολύτιμη ανάμνηση. Κάτι που νομίζω πως εκτίμησαν οι εγκεφαλικοί χορευτές της βραδιάς στο Steam, που ήταν πλέον στην ώριμη θέση να χορέψουν έξαλλα χωρίς να υπάρχει ανάγκη να καταρρεύσουν απ’ την κραιπάλη το ξημέρωμα.

Και χωρίς καλά-καλά να το καταλάβουμε, ήταν Κυριακή πρωί, Κυριακή πρωί…

58kStereo_5.png

Posted in Music | Leave a comment

Album of the Week #147

Billy Corgan
Ogilala
Ας το πάρουμε απόφαση: ο frontman που υπήρξε μία από τις βασικότερες πηγές έμπνευσης της δεκαετίας του 1990 και άφησε το στίγμα του στην Generation X γράφοντας ροκ τραγούδια που ζέσταναν την καρδιά μας, έχει χαθεί οριστικά. 

Ο Billy Corgan, ο οποίος έδωσε φωνή στη «μελαγχολία και στην αέναη θλίψη» της νιότης μας και όρισε ως σημείο βρασμού το ZERO για το εναλλακτικό rock, κατάντησε ο ίδιος να μας προκαλεί θλίψη και να συμπεριφέρεται σαν μηδενικό. Εκείνο όμως που δεν έχει εξαφανιστεί ολοσχερώς είναι το αδιανόητο ταλέντο του στην τραγουδοποιία· το Oceania (2012) και το Monuments Τo Αn Elegy (2014) που κυκλοφόρησε με το όνομα των Smashing Pumpkins ήταν αξιόλογοι δίσκοι, με ωραίο υλικό. Θα ήμουν λοιπόν άνετος με τον σημερινό Corgan αν ήταν απλά ένας εμμονικός «has been», ο οποίος γκρινιάζει για τα περασμένα μεγαλεία. Δυστυχώς, οι λόγοι που κάνουν δύσκολη την προσέγγιση του νέου σόλο δίσκου του, είναι σοβαρότεροι.

Τα τελευταία 20 χρόνια, μετά την τελευταία πραγματικά σπουδαία δουλειά του (Adore), ο Corgan θρέφει με παράλληλες δραστηριότητες την ανεπίκαιρη παράνοιά του. Να αφήσουμε στην άκρη τη χρηματοδότηση αγώνων wrestlingως εκκεντρικότητα, να αγνοήσουμε (με το ζόρι) τη new age ιστοσελίδα που είχε φτιάξει για θέματα αρμονίας ψυχής, σώματος και πνευματικής αφύπνισης. Να υποβιβάσουμε σε επίπεδο «κουτσομπολιού» τα παραληρηματικά ξεκατινιάσματα στο Twitter και τη σχέση του για ένα φεγγάρι με την Tila Tequila –το trash σελεμπριταριό που είχε εκφραστεί θετικά για τον Χίτλερ.

Πώς όμως να προσπεράσουμε ότι ο άνθρωπος έχει εξισώσει δημόσια τους διαδηλωτές στις προεκλογικές ομιλίες του Ντόναλντ Τραμπ με την Κου Κλουξ Κλαν; Πώς να παραβλέψουμε ότι είναι τακτικός καλεσμένος στην αμφιλεγόμενη εκπομπή του ακροδεξιού Alex Jones, όπου μιλάνε για θεωρίες συνωμοσίας; Σε μία απ’ αυτές που άντεξα να δω 10 λεπτά, ο Corgan έκανε παραλληλισμό της Φάρμας των Ζώων με το …Matrix, μιλώντας για ελευθερία της σκέψης στη Nέα Tάξη Πραγμάτων. Για να ακούσεις πια με καθαρό μυαλό τα τραγούδια του, πρέπει να ρυθμίσεις στο mute τέτοιες άβολες σκέψεις.

Πού μας αφήνουν όλα αυτά ως προς το Ogilala;

Αφιέρωσα δύο παραγράφους στη ζωή του Corgan γιατί είναι αδύνατο να συγκεντρωθείς στα νέα του τραγούδια χωρίς να τον ακούς να σου ψιθυρίζει στο αυτί θεωρίες για τη συνωμοσία της κλιματικής αλλαγής, για τα επικίνδυνα εμβόλια, για την επίπεδη Γη ή για ό,τι άλλο του καίει τον εγκέφαλο. Αυτό το «Take me as I am» που τραγουδάει ικετευτικά στο “The Spaniards”, είναι το πιο ανέφικτο πράγμα που μπορεί πια να μας ζητήσει.

Αρχικά, μας συστήνεται ως William Patrick· ποιος αφυπνισμένος πνευματικά 50χρονος θέλει άλλωστε να αποκαλείται ακόμα Billy; Στη συνέχεια αποδεσμεύεται από ηλεκτρονικούς ήχους και κρουστά και επιχειρεί να φέρει στο προσκήνιο την ακουστική του πλευρά, στο ύφος που θα ακούγονταν οι R.E.M. σε unplugged διασκευές του Elton John. Η παραγωγή του Ogilalaανήκει στον Rick Rubin, ο οποίος αναδεικνύει στη μίξη τη φωνή του Corgan, χωρίς να την καλλωπίζει. Ο τραγουδοποιός αφήνει τις ρωγμές της φωνής του να φανούν, χωρίς ρετούς. Έχει διανύσει μια διαδρομή 30 χρόνων για να έχει ακομπλεξάριστη αυτοπεποίθηση στο μικρόφωνο. Παρά την αμεσότητα και την ειλικρίνεια του εγχειρήματος, όμως, ο Corgan είναι 20 χρόνια νεώτερος απ’ ό,τι θα ‘πρεπε για να κάνει ο Rubin μαζί του το κόλπο που έκανε με τον Johnny Cash. Όπως δεν του είχε βγει η shoegaze στροφή στο άλλο του σόλο άλμπουμ, το The Future Embrace (2005), έτσι δεν λειτουργεί και η ακουστική εκδοχή απ’ το σκαμνί του έμπειρου folk τροβαδούρου.

Βέβαια, τα ίδια τα τραγούδια δεν φταίνε καθόλου για την όποια αστοχία του δίσκου. Ο Corgan έχει στον οργανισμό του το ίδιο ένζυμο με τον Paul McCartney και τον Burt Bacharach, αυτό που έχουν δηλαδή οι άνθρωποι στων οποίων το κεφάλι συνωστίζονται χιλιάδες μελωδίες, που θέλουν να βγουν προς τα έξω. Εξακολουθεί να είναι καλός συνθέτης, να περιφρονεί μεγαλοπρεπώς τα κλισέ και να έχει μια ακαταμάχητη θηλυκότητα στον τρόπο με τον οποίον εκφράζεται. Και με τραγούδια όπως το “Processional” και το ”Aeronaut”, διατηρεί την ικανότητά του να μας ρίχνει, παρόλο που του τα έχουμε μαζεμένα.

Ο «artist formerly known as Billy Corgan» κάποτε μας έκανε να νιώθουμε ότι πετάμε πάνω από έναστρους ουρανούς με τις κιθάρες του Siamese Dream. Φέτος μας χαρίζει έναν δίσκο γεμάτο με γλυκά και καλοσυνάτα τραγούδια, όπως το “Shiloh”, στο οποίο βγάζει τον Nick Drake από μέσα του. Μια λεπτή γραμμή χωρίζει όμως το γλυκό από το αδιάφορο, καθώς δυσκολεύομαι να πιστέψω ότι θα βρεθεί κάποιος που θα ανατρέχει σε αυτά τα κομμάτια, ακόμα κι αν τα ευχαριστήθηκε σε πρώτη ακρόαση: το Ogilala θα αρέσει σε όλους αλλά θα εξατμιστεί σύντομα, ακόμη και στα αυτιά των πιο ορκισμένων αμετανόητων.

Τελικά, ισχύει το «The world is a vampire». Και θύμα του είναι ο Corgan, ο οποίος είχε τον κόσμο στα πόδια του και κατέληξε ημίτρελος και ταλαντούχος, εγκλωβισμένος σε ένα τηλεοπτικό reality δικής του κατασκευής, έρμαιο των εμμονών και του πολέμου που διαδραματίζεται μόνο στο κεφάλι του. Ελπίζω το επόμενο άλμπουμ να μην τον βρει να διαφημίζει στην τηλεόραση βιβλία με αποκαλύψεις για Νεφελίμ, αλλά να ξαναπιάσει τις κιθάρες του Gish και να τραγουδήσει με την πνιχτή και χαδιάρα φωνή του όσα βασανίζουν το υπέροχα παράξενο μυαλό που απολαμβάναμε πριν τη new age αυτοβελτίωση και τους εξωγήινους.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Lucky

58yyLucky_1.jpg

Το Lucky είναι ντεμπούτο και κύκνειο άσμα μαζί. Πρόκειται για την πρώτη ταινία του έμπειρου, ηθοποιού Τζον Κάρολ Λιντς, ενός καρατερίστα που μπορεί να υποδυθεί πειστικά απ’ τον τον all American, φιλήσυχο οικογενειάρχη, μέχρι τον ψυχοπαθή της διπλανής πόρτας. Το Lucky είναι ταυτόχρονα και το ιδανικό κύκνειο άσμα για τον σπουδαίο δευτεραγωνιστή Χάρι Ντιν Στάντον. Ο τελευταίος ρόλος που σφράγισε με κομψότητα μια τίμια και μακρά καριέρα την οποία ο Χάρι Ντιν έχτιζε σιωπηρά εδώ και δεκαετίες. Το αργό τέμπο αυτής της ανέλπιστα αισιόδοξης κινηματογραφικής μπαλάντας, θα ξενίσει μια μερίδα του κοινού που είναι μαθημένο να κρεμιέται απ’ την πλοκή. Δεν έχει καμία σημασία όμως αυτό ως προς την αντικειμενική αξία αυτής της γλυκιάς και ευρηματικής κωμωδίας.

58yyLucky_2.jpg

Το χιούμορ λάμπει πανηγυρικά σε αυτή την χαμηλοβλεπούσα δραμεντί. Η ταινία επικοινωνεί με ένα χιούμορ απρόβλεπτο, που εμφανίζεται και εξαφανίζεται σε ίση ταχύτητα. Αυτά που συμβαίνουν όταν η μπαταρία του χιούμορ πέφτει, αποκαλύπτουν μια πολύ πιο ενδιαφέρουσα ταινία. Όταν η αφήγηση αφήνεται με σιγουριά στις ήπιες, αμήχανες, καθημερινές στιγμές του Λάκι, πετυχαίνει μια περιστασικακή γεύση από σουρεαλισμό, αλλά και ένα υπόγειο φιλοσοφικό δέος, πολύ διακριτικό. Το δέος αυτό αφήνεται ελεύθερο να αρμενίσει και να καθίσει στην καρδιά του θεατή, σαν απρόοπτη και στοχαστική ενατένιση στο πνιγηρό συναίσθημα του θανάτου.

Ο Χάρι Ντιν Στάντον μας άφησε πλήρης ημερών, στα 91 του, χορτασμένος από εμπειρίες και ζωή. Όμως, το αναπόφευκτο τέλος τον τρομάζει, όπως ακριβώς τον μοναχικό ηλικιωμένο που τόσο υπέροχα υποδύεται. Η ρουτινιάρικη καθημερινότητά του στη μικρή κωμόπολη που ζει, περιλαμβάνει σταυρόλεξα, πρωινή γυμναστική, καφέ στο diner, τηλεπαιχνίδια γνώσεων και small talk με τους θαμώνες του τοπικού bar. Ο Λάκι, με στωικότητα στην έκφραση και την τρυφερότητα στα μάτια, θέλει να αντιμετωπίσει με ορθολογισμό το τέλος του. Δίχως απελπισία και πεσιμισμό. Με όπλο τη ρουτίνα και τις άδειες στιγμές που γεμίζουν τις μέρες του. Το αποτέλεσμα διακρίνεται από σπάνια κινηματογραφική απλότητα. Αυτό το χαμηλότονο και ελεύθερο ταξίδι αναζητεί ματιά ανάλογων προσόντων για να διανύσει τη μοναχική του διαδρομή μέσα στη θάλασσα των crowd pleasing ταινιών μαζικής κατανάλωσης.

58yyLucky_3.jpg

Posted in Cinema | Leave a comment

Album of the Week #146

Carla Bruni
French Touch

Φανταστείτε ότι είστε καλεσμένοι σε δεξίωση που λαμβάνει χώρα στο μεγάλο σαλόνι μιας έπαυλης, στα γενέθλια ενός υπερήλικα μεγιστάνα (φανταστείτε το, μπορείτε).

Η κατανάλωση σαμπάνιας με σπάνια ορντέβρ, το χάζι στα φορέματα των νεαρών δεσποινίδων που συνοδεύουν τους καλεσμένους επιχειρηματίες και το χαμηλόφωνο small talk στα πηγαδάκια σταματάει απότομα: η όμορφη και κατά πολύ νεότερη σύζυγος του εορτάζοντα, η οποία έχει αρχίσει μαθήματα ορθοφωνίας και κιθάρας με τους πιο ακριβούς δασκάλους, θα δώσει ένα ρεσιτάλ, αποκλειστικά για τους παρευισκoμένους, με τα αγαπημένα της «ροκ» και «μοντέρνα» τραγούδια. Η υπομονή που θα δείξετε και τα γελάκια τα οποία θα πνίξετε όταν θα κάθεστε λίγα μέτρα πίσω από την πολυθρόνα του ευκατάστατου κυρίου –κι ενώ θα σας έρχεται ο καπνός από το πούρο που καπνίζει, περήφανος για το κορίτσι του– αποτυπώνουν την αίσθηση της ακρόασης αυτού του δίσκου.Να ξεκαθαρίσω κάτι: δεν υπήρξα ποτέ αρνητικά προκατειλημμένος με την καλλονή που γεννήθηκε για τον τίτλο της «πρώτης κυρίας»· η Carla Bruni μου είναι συμπαθής, καθώς δεν έχει τη μπίχλα πολλών εστεμμένων celebrities. Επιπλέον, το πρώτο της άλμπουμ Quelqu’un M’a Dit (2003), παραμένει ιδανικό για μελαγχολικά, Κυριακάτικα απογεύματα στο σπίτι.

Στον φετινό της τώρα δίσκο, η αυτοκρατορική σύζυγος διασκευάζει αγαπημένα της (λέμε τώρα) τραγούδια, ερμηνεύοντάς τα στα αγγλικά, με ένα κάποιο «γαλλικό άγγιγμα» στην έκφραση, όπως προμηνύει και ο τίτλος. Η Bruni θυμίζει εδώ καλοθρεμμένη γόνο για την οποία έχει προσχεδιαστεί ο τέλειος διπλωματικός γάμος, εκείνη όμως πιστεύει μέσα της ότι είναι αντισυμβατική και «προχώ», απλά γιατί έχει κάποια CD των Rolling Stones και των Depeche Mode τα οποία ακούει τις νύχτες και οι γονείς της δεν θα καταλάβουν ποτέ.

Στο French Touch, το πρώην μοντέλο τραγουδάει σαν να χαριεντίζεται ηδονικά σε μεταξωτά σεντόνια, ενώ ταυτόχρονα βαριέται του θανατά. Καλύπτει τις αδυναμίες της στα φωνητικά πίσω από εφαρμοσμένα τρικ, σαν την «καπνισμένη» βραχνάδα και τους υγρούς αναστεναγμούς· πάντα με ένα σαγηνευτικό χαμογελάκι σε κάθε φθόγγο και με ένα αχρείαστο κλείσιμο του ματιού σε κάθε συλλαβή. Μερικές «σατέν» διασκευές, όπως στο “Miss You” των Stones και στο “Highway Τo Hell” των AC/DC, μοιάζουν να έχουν φτιαχτεί για lounge συλλογές, από αυτές που μοιράζουν τα club της Ibiza με το δεύτερο κοκτέιλ σε θαμώνες που ευαγγελίζονται τις νερόβραστες chill-out και bossa nova εκτελέσεις. Άσε που πετάει κι ένα ξεκούδουνα χαριτωμένο «Mon amour tu me manques» στο “Miss You” («French Touch», να μην ξεχνιόμαστε).

Ωστόσο η Carla Bruni δεν έχει ιδέα τι λέει όταν τραγουδάει το “Stand Βy Your Man”, ενώ στην καλύτερη περίπτωση κάνει καραόκε στο “Moon River” του Henry Mancini. Δεν θα ήμουν τόσο αυστηρός αν με έπειθε ότι το διασκεδάζει λιγάκι, πιστεύω όμως ότι ακόμη και το αυθόρμητο γελάκι της στο “Perfect Day” του Lou Reed ήταν προσχεδιασμένο και γραμμένο στο χαρτί.

Από το Avopolis
Posted in Music | Leave a comment

Καζαντζάκης

Ο τίτλος της ταινίας θα όφειλε κανονικά να είναι «Καζαντζάκης ο Μεγαλοπρεπής», καθώς η αισθητική και η σκηνοθετική ικανότητα του Γιάννη Σμαραγδή συγκρίνονται μόνο με αυτές των  αντίστοιχων δημιουργών των τούρκικων σήριαλ (τύπου “Σουλειμάν”) και με ανάλογες δημιουργίες του χείριστου είδους. Η ταινία ακολουθεί τα γεγονότα της μυθιστορηματικής αυτοβιογραφίας του Καζαντζάκη, που εκδόθηκε μετά τον θάνατό του και φιλοδοξεί να ανασκευάσει όσα σημάδεψαν τη ζωή ενός ανήσυχου ανθρώπου, ο οποίος έγινε από νωρίς διάσημος στους αθηναϊκούς λογοτεχνικούς κύκλους ενώ κατάφερε να αφήσει πίσω του αρκετά σπουδαία βιβλία. Όμως οι 2 ώρες που διαρκεί το φιλμ είναι παντελώς ανέμπνευστες και αγγίζουν τα όρια της «προχειράντζας». Το στοίχημα της ταινίας είναι να εξερευνήσει το αόρατο πεδίο του βάρους της υπογραφής του παθιασμένου στοχαστή. Ο Σμαραγδής δεν φεύγει από τον στόχο του, αλλά το κάνει με ψευδοϊστορική αφέλεια, σε ένα έργο που τελικά δεν είναι τίποτα άλλο παρά ξόδεμα ενέργειας.

60_2.jpg

Όσοι έχουν δει προηγούμενες δουλειές του Γιάννη Σμαραγδή («Ελ Γκρέκο», «Ο Θεός Αγαπάει το Χαβιάρι») γνωρίζουν καλά ότι τον διακρίνει μια επιδερμική προσέγγιση σε επίπεδο τηλεταινίας, με μπόλικη δόση αβάσιμης ματαιοδοξίας. Έτσι, οι σταθμοί στη ζωή του Καζαντζάκη υπογραμμίζονται με ένα άβολο χριστιανικό στυλ, του είδους που συναντάμε σε εκπαιδευτικές ταινίες για κατηχητικά. Οι σκηνές πλαισιώνονται με camp παρουσίες, όπως η καρικατούρα της Μελίνας Μερκούρη (η Ζέτα Δούκα σε αποκριάτικη αμφίεση Μελίνας) και η περσόνα του Άγγελου Σικελιανού (με εξαιρετικά φροντισμένο φρύδι, το οποίο ταιριάζει σε έκφυλο μπάρμπα και όχι σε καλλιεργημένο μεγαλοαστό). Το πανηγύρι κακογουστιάς συμπληρώνει η γειτόνισσα, που με ύφος αλαφροίσκιωτης χαρτορίχτρας, προειδοποιεί τον ήρωα να «μην πάει στην Κίνα».

Η πατριωτική ψυχαγωγία αγγίζει τα όρια της χασμωδίας και σαν να μην έφτανε αυτό ο Σμαραγδής ανακάλυψε ότι ο κόσμος του διαδικτύου προσφέρει εικόνες σε public domain. Αντί λοιπόν να κινηματογραφήσει ένα ταξίδι του τρένου ή τα ξωκλήσια της Κρήτης, δανείζεται εικόνες, θαρρείς από screensaver και από διαφημίσεις για τον τουρισμό. Σαφώς ανήθικη επιλογή που υπονομεύει το έργο και δεν σέβεται τι σημαίνει κινηματογραφική αισθητική. Για να καταλάβετε τι εννοώ, η αναζήτηση του Καζαντζάκη στην έρημο συνοψίζεται με ένα travelling πλάνο, δανεικό από κάτι σαν το National Geographic, με μια εικόνα του ήρωα να γονατίζει (που μπορεί να είναι στην ψιλή άμμο μιας παραλίας). Αυτό είναι το σινεμά; Πρόκειται τελικά για απόλυτη διηγηματική σύγχυση που απογειώνεται από την ενοχλητική τοποθέτηση προϊόντος. Η Εθνική Τράπεζα της Ελλάδος, το μέλι Αττική και κυρίως τα παξιμάδια Τσατσαρωνάκη είναι προϊόντα που η ταινία στα τρίβει στη μούρη, εξασθενίζοντας το δραματικό πυρήνα που όφειλε να έχει η βιογραφία ενός τόσο αξιοσημείωτου ανθρώπου.

60_3.jpg

Αναρωτιέμαι αν ο κύριος Σμαραγδής μπορεί να θεωρεί ότι μπορεί ένας ηθοποιός όπως ο Οδυσσέας Παπασπηλιόπουλος, να ερμηνεύει τον ήρωα από τα 16 του μέχρι τα 70 του, και ξαφνικά 3 χρόνια αργότερα (στα 73 του) να έχει το πρόσωπο του Στέφανου Ληναίου. Κανένας σεβασμός στους ηθοποιούς που μένουν ξεκρέμαστοι και εκτεθειμένοι με τόσο κακές επιλογές. Αυτή η κατακλυσμιαία επίδειξη άστοχων επιλογών του σκηνοθέτη στην προσπάθειά του να καλοπιάσει το κοινό, είναι γεμάτη εικόνες που δεν έχουν καν τη συναίσθηση της εφημερότητάς τους.

Παρόλη την τοποθέτηση προϊόντος, τις ψεύτικες εικόνες ερήμου και τρένων, τον υστερικό ψευδορομαντισμό στις σκηνές της Μόσχας, το ιστορικό φούμαρο στην περίοδο του Εμφυλίου, όλα θα ήταν καλύτερα αν δεν υπήρχε η ενοχλητική παράμετρος του μισογυνισμού. Οι γυναίκες του φιλμ στην καλύτερη περίπτωση φέρονται σαν προσωπικοί βοηθοί και δακτυλογράφοι των συζύγων τους. Γυναίκες που υπάρχουν μόνο και μόνο για να κοιτάνε τους άντρες τους με θαυμασμό στα μάτια, δίχως ανταμοιβή και χωρίς να εισπράττουν συναίσθημα. Η αναδρομή μέσα μια σειρά από αναμνήσεις δεν καταφέρνει να εκφράσει βιωμένα αισθήματα. Ο Σμαραγδής περιδιαβαίνει ανενόχλητος με θράσος «περισπούδαστου αδιάβαστου» που πατάει σε υπολογισμένες προσδοκίες, προσθέτοντας έτσι ένα ακόμα ένα αξιοθρήνητο φιλμ στην αχρείαστη φιλμογραφία του.

60_4.jpg

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

Happy End

60ttt_1.jpg

Ο μέγας δημιουργός Μίκαελ Χάνεκε εστιάζει με πειθώ και με σκηνοθετική ακρίβεια στους χαρακτήρες μιας μεγαλοαστικής οικογένειας. Ένα ατύχημα σε κάποιο έργο της κατασκευαστικής  εταιρείας η οποία τους ανήκει, θα σταθεί η αφορμή για να ξετυλιχθεί ένα κουβάρι από μυστικά και ψέμματα. Ο Χάνεκε, έχοντας υπογράψει κάμποσα αριστουργήματα στην καριέρα του, καταπιάνεται με ένα ήπιας δυναμικής σενάριο, που θα μπορούσε να κινηματογραφήσει και ο Γούντι Άλεν (στα πιο δραματικά του). Η κατάμαυρη ειρωνεία επάνω στην ανασφάλεια, στις εμμονές και στην αλλοτρίωση της έκπτωτης μεγαλοαστικής τάξης, είναι η πρώτη ύλη για μια βαθιά πεσιμιστική και ουσιαστικά πολιτική ταινία. Με υπομονή και σεμνότητα, ο Χάνεκε κινηματογραφεί ήρωες αληθινούς και σάρκινους. Με ψύχραιμη μελαγχολία αφουγκράζεται την απελπισία στις επιλογές και την ψυχολογική δοκιμασία των ηρώων του. Μπορεί το Happy End να μην αγγίζει τα μπεργκμανικά ύψη της «Λευκής Κορδέλας», να μην έχει την αιχμηρή επιφάνεια του «Κρυμμένου» και να μην είναι τόσο διεισδυτικό όσο η «Δασκάλα του Πιάνου», όμως ο 75χρονος Γερμανοαυστριακός δημιουργός επανέρχεται στο γνήσια μισανθρωπικό και ασφυκτικό φιλμικό του σύμπαν, ακόμα και με τη μορφή της ανάλαφρης ηθογραφίας.

Το υπαρξιακό αδιέξοδο, η υπόκωφη κατάθλιψη, τα κληροδοτημένα «γονεϊκά» αμαρτήματα, οι ψηφιακές εικόνες βίας, το φαίνεσθαι των περήφανων αστών, ο στραγγαλισμός της ελεύθερης σκέψης, το παράνομο sexting, ο ευτελισμός των ιδανικών και οι οικογενειακές σχέσεις που έχουν χτιστεί στο ψέμα, όλα βρίσκονται στο μικροσκόπιο του δημιουργού, ο οποίος για πρώτη φορά μοιάζει να θέλει να δώσει μια μικρή ελπίδα στους ήρωές του. Τα αμίλητα κάδρα του φιλμ λένε όσα άλλοι σκηνοθέτες χρειάζονται σκηνές μακράς διάρκειας με voice over. Aυτό που στα χέρια έτερου σκηνοθέτη θα ήταν ένας κατακλυσμός από εύκολους εκβιασμούς, εδώ είναι παραταγμένο με αρχοντιά και σοφία. Από την εποχή του “Benny’s Video” ο Χάνεκε έδειξε ότι ήξερε πως να αντικρίσει κάθε φορά την τεχνολογία. Όσον αφορά όμως το Happy End, πρέπει να πούμε συγχαρητήρια στον άνθρωπο που του έδειξε το Snapchat. Του χρωστάμε χάρη.

60ttt_2.jpg

Posted in Cinema | Leave a comment

Album of the Week #145

Stereophonics

Scream Above The Sounds

Χωρίς τίποτα απολύτως το εναλλακτικό, οι Ουαλοί παίζουν την ηρωική και «

Φαίνεται ίσως δύσκολο να το πιστέψουμε, αλλά στα ξεκινήματά τους οι Stereophonics ήταν μοντέρνο συγκρότημα, με cuttin’ edge και πυγμή.

Βέβαια, εξίσου δύσκολο είναι να ξαναπιστέψουν όσοι ακροατές έχουν εγκαταλείψει πια το τρένο τους, ότι εν έτει 2017 το συγκρότημα δεν ηχεί καθόλου παρωχημένο και βαρετό. Το νέο άλμπουμ Scream Above Τhe Soundsδεν διαθέτει απολύτως τίποτα εναλλακτικό –και, όχι, αυτό δεν είναι απαραίτητα κακό. Επίσης, δεν διακυβεύονται πολλά σε επίπεδο «δράματος» και ο δίσκος είναι ακριβώς ό,τι θα χαιρόταν μια cool, σύγχρονη μαμά να ακούει στα ακουστικά του ο ανήλικος γιος της. Όχι, ούτε αυτό είναι απαραίτητα κακό.

Θεωρώ ότι ο σημαντικότερος λόγος που οι Stereophonics δεν έχουν πνιγεί στο βόλεμα και στην προβλεψιμότητα, παραμένοντας μια μπάντα συγκινητική, είναι η φωνή του Kelly Jones. Είναι εντυπωσιακό το πόσο ωραία και άνετα τραγουδάει ο Jones. Οι ερμηνείες του διαθέτουν την ευγένεια ενός ανθρώπου που έχει ακόμα τη διάθεση να «τα χώσει»: η φωνή του έχει αρρενωπότητα, μα και μια ικεσία ταυτόχρονα. Ο άλλος σημαντικός λόγος είναι ότι το γκρουπ εκμεταλλεύεται την εμπειρία του, μένοντας ταγμένο στη δουλειά και στην ενορχήστρωση και όχι στο κυνήγι της εύκολης, κολλητικής μελωδίας.

Το “All In One Night” προκαλεί εκείνη τη μοναχική μελαγχολία μετά το hangover που προκαλούσε και η παλιότερη αγαπημένη επιτυχία τους, το “Maybe Tomorrow”. Η γκρουβάτη αναπόληση του “What’s All The Fuss All About”, με τα παρατεταμένα πνευστά, καθώς και το τρυφερό “Geronimo” –το οποίο θα υπέγραφαν δίχως δεύτερη σκέψη οι Waterboys– είναι τραγούδια που μας θυμίζουν ότι το rock ‘n’ roll μπορεί να είναι απλή υπόθεση, όπως ένα (ημι)έξαλλο ξεφάντωμα με παιδικούς φίλους, χωρίς δράματα και δεύτερες σκέψεις.

Πίσω όμως από τα «κολεγιακά κουσούρια» του παρεΐστικου rock, τα κομμάτια του Scream Above Τhe Sounds είναι τεχνικώς οργανωμένα: πουθενά δεν υπάρχει στις ηχογραφήσεις μία έστω και φευγαλέα ένδειξη ότι το συγκρότημα δεν «σοβαρολογεί». Αυτό είναι ένα από τα στοιχεία που συνδέει με κάποιο τρόπο τους Stereophonics με την «άλλη σοβαρή μπάντα απ’ την Ουαλία» τους Manic Street Preachers. Άλλωστε και τα δυο συγκροτήματα είχαν από έναν αδικοχαμένο ντράμερ.

Οι Stereophonics παίζουν την ηρωική και «αγορίστικη» μουσική τους με το σθένος 20άρηδων και μας πείθουν να ξεχάσουμε την ηλικία τους. To ανάλαφρο “Caught By The Wind” και το εμψυχωτικό “Cryin’ In Your Beer” εξυπηρετούν ένα συνολικό, συνεκτικό όραμα, ωραία εκτελεσμένο, που τουλάχιστον φτιάχτηκε με σκληρή γυμναστική στον στίβο των συναυλιών και όχι με new age βότανα ευεξίας και μάσκες ομορφιάς.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Το Οριάν Εξπρές και ο Ηρακλής Πουαρό

Η παράξενη και σκοτεινή υπόθεση φόνου που εξελίσσεται στο ακινητοποιημένο εξαιτίας του χιονιά, Οριάν Εξπρές, έμεινε στην ιστορία ως μια από τις κορυφαίες ιστορίες που γέννησε η φαντασία της Άγκαθα Κρίστι. Το έγκλημα στο μυθικό τρένο με προορισμό το Καλέ, αποτέλεσε έναν από τους πιο δύσκολους γρίφους που έλυσε ο Ηρακλής Πουαρό. Ο Βέλγος ντετέκτιβ αναβιώνει φέτος στον κινηματογράφο από τον Κένεθ Μπράνα, ο οποίος τον υποδύεται και ταυτόχρονα σκηνοθετεί την λαβυρινθώδη ιστορία δολοφονίας ενός παράνομου επιχειρηματία, μέσα στο πολυτελές τρένο. Όσοι έχουν διαβάσει το βιβλίο ή έστω έχουν δει την παλιότερη εκδοχή του Σίντνει Λιούμετ, θα γνωρίζουν ότι μια τέτοια ιστορία προσφέρεται για all-star cast στη διανομή των ρόλων. Ο σκηνοθέτης επιστρατεύει την Πενέλοπε Κρουζ, τον Ουίλεμ Νταφόε, την Τζούντι Ντεντς, τον Τζόνι Ντεπ και την Μισέλ Φάιφερ για να δώσει λάμψη και φωτογένεια στο κομψό μυστήριο που αναπτύσσεται ανάμεσα σους ετερόκλητους χαρακτήρες.

62bAgatha_1.jpg

Ο Μπράνα δεν επιχειρεί μια ριζοσπαστική διασκευή του κλασικού μυθιστορήματος και προσεγγίζει παραδοσιακά το υλικό του, απευθυνόμενος (δυστυχώς) στη γενιά που γνώρισε τον Σέρλοκ Χολμς μέσα από τις ταινίες του Γκάι Ρίτσι. Από την προηγούμενη ταινία του άλλωστε, την «Σταχτοπούτα», μας έδειξε τις προθέσεις του να κατασκευάσει την τέλεια οικογενειακή ιστορία, από αυτές που βλέπονται για πολλά χρόνια το μεσημέρι των Χριστουγέννων μετά το φαγητό, δίπλα στο δέντρο με τα δώρα. Ως αποτέλεσμα, το σασπένς δεν χτίζεται πειστικά μέσα στη γενικότερη προσπάθεια για «κλασικά εικονογραφημένα». Η μεγαλομανία και η «Σαιξπηρόπληκτη» (αν μου επιτρέπεται η λέξη) αυταρέσκεια που χαρακτηρίζουν κάθε ερμηνεία της καριέρας του Κένεθ Μπράνα, ευτυχώς παραμερίζονται σχετικά εδώ, αν και η ψωνισμένη πλευρά του (αυτή που τον κάνει αρεστό σε φοιτήτριες δραματικών σχολών) βρίσκει το δρόμο της προς την επιφάνεια, ιδιαίτερα στην τελευταία σκηνή της λύσης του μυστηρίου.

Ευκαιρία λοιπόν να θυμηθούμε άλλους 5 ηθοποιούς που ερμήνευσαν τον αριστοκράτη Βέλγο ντετέκτιβ με το προσεγμένο μουστάκι, την παλιομοδίτικη ευγένεια, την εμμονή στη συμμετρία και την πίστη του στη φαιά ουσία του εγκεφάλου.

Austin Trevor

62bAgatha_3.jpg

Ο πρώτος ηθοποιός που ενσάρκωσε τον Πουαρό ήταν ο Όστιν Τρέβορ, ο οποίος έπαιξε σε τρεις Βρετανικές παραγωγές της δεκαετίας του 1930 – στο “Alibi” (1931), στο “Black Coffee” (1931) και το “Lord Edgware Dies” (1934), από τα ομώνυμα μυθιστορήματα της θείας Άγκαθα. Εξαιρετικά δυσεύρετες ταινίες αρχαιολογικού ενδιαφέροντος πλέον, αλλά γοητευτικές με τον τρόπο τους.

Tony Randall

62bAgatha_4.jpg

Η ιστορία του “The Alphabet Murders” (1965) αφορούσε μια σειρά δολοφονιών στο Λονδίνο όπου τα θύματα δολοφονούνταν με βάση τα αρχικά του ονόματός τους. Η ταινία προβλήθηκε και στην Ελλάδα με τον τίτλο “Μεσάνυχτα στο Πικαντίλι”. Ο η θοποιός Τόνι Ράνταλ πλησίασε με στυλ και με κωμική φλέβα όλα τα γοητευτικά στερεότυπα της εικόνας του Ηρακλή Πουαρό.

Albert Finney

62bAgatha_5.jpg

Την πρώτη και αξεπέραστη κινηματογραφική διασκευή του “Murder on the Orient Express” έκανε ο Σίντνει Λιούμετ το 1974. Ο Άλμπερτ Φίνεϊ είναι χάρμα οφθαλμών στο ρόλο του εκκεντρικού Βέλγου. Το  Έγκλημα στο Οριάν Εξπρές (ή “Φόνος στο Όριεντ Εξπρές”) ήταν τεράστια εμπορική επιτυχία που έφτασε μέχρι τα όσκαρ, με ένα φανταστικό cast: Ίνγκριντ Μπέργκμαν, Σων Κόνερι, Βανέσα Ρεντγκρέιβ, Λωρέν Μπακόλ, και Άντονι Πέρκινς. Αγέραστο φιλμ με υποδειγματικό μοντάζ και στυλ.

Peter Ustinov

62bAgatha_6.jpg

Αν ο Άλμπερτ Φίνεϊ δόξασε στη μεγάλη οθόνη τον Ηρακλή Πουαρό, ο Πίτερ Ουστίνοφ αγκάλιασε το ρόλο χάρη σε μια σειρά εξαιρετικών ταινιών, με πρώτη και καλύτερη το «Έγκλημα στο Νείλο» που γυρίστηκε το 1978. Το φιλμ ήταν βασισμένο στο “Death on the Nile”, ένα από τα πιο καλογραμμένα και εμπνευσμένα μυθιστορήματα της Άγκαθα Κρίστι. Ο Ουστίνοφ αγάπησε τον ρόλο του Πουαρό, έδωσε σωματικά χαρακτηριστικά στον ντετέκτιβ και τον υπηρέτησε σε άλλες δυο καλές ταινίες. Το «Έγκλημα στο Νείλο» ακολούθησε με σχετική επιτυχία η διασκευή του “Evil Under the Sun” το 1982, με τον ελληνικό τίτλο “Δύο Εγκλήματα Κάτω από τον Ήλιο”, και το “Appointment with Death” του 1988 που προβλήθηκε με το όνομα “Ραντεβού με το Θάνατο”. Στο μεταξύ ο Ουστίνοφ πρόλαβε και επανέλαβε τον ρόλο σε τρεις διόλου ευκαταφρόνητες τηλεταινίες του BBC: το “Thirteen at Dinner” (1985), το “Dead Man’s Folly” (1986) και το “Murder in Three Acts” (1986).

David Suchet

62bAgatha_7.jpg

Όσο καλοί και να ήταν οι προηγούμενοι ηθοποιοί, ένα είναι το βέβαιο: οι εκφράσεις, οι εμμονές, τα σωματικά τικ, οι συνήθειες, η προφορά, οι εκκεντρικότητες και όσα απαρτίζουν την λατρεμένη περσόνα του τετραπέρατου Ηρακλή Πουαρό, θα μείνουν για πάντα στην ιστορία μέσω της εικόνας του Ντέιβιντ Σάτσετ. Ο Βρετανός ηθοποιός ενσάρκωσε τον Πουαρό σε 70 επεισόδια της τηλεοπτικής σειράς “Agatha Christie’s Poirot”. Πρόκειται στην ουσία για ένα έργο ζωής, που κράτησε από το 1989 μέχρι το 2013 και που κάλυψε άπαντες τις ιστορίες της Άγκαθα Κρίστι με ήρωα τον Πουαρό. Εβδομήντα διαχρονικές και καλογυρισμένες τηλεταινίες υψηλής αισθητικής που μπορεί κανείς να βλέπει ξανά και ξανά, όσο χρόνια κι αν περάσουν.

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

Ατέλειωτα Χρυσάνθεμα στο μπαλκόνι

 

Posted in Interlude | Leave a comment

Album Of The Week #144

Robert Plant

Carry Fire

Τα καλά νέα που έρχονται με το Carry Fire δεν αφορούν απλώς την ποιότητα του περιεχομένου του, αλλά κυρίως το ότι ο Robert Plant συνεχίζει να κυκλοφορεί καλή μουσική λίγο πριν τα 70 του χρόνια, με την όρεξη ενός 20χρονου που μόλις ανακαλύπτει τη χαρά της μουσικής και τις απέραντες δυνατότητες της μελωδίας.

Η ιστορία έχει κατατάξει πλέον τους Led Zeppelin εκεί που τους αξίζει, απ’ τη στιγμή που τα μνημειώδη τους άλμπουμ αφέθηκαν ελεύθερα στην ιονόσφαιρα. Όσα βιβλία και άρθρα ήταν να γραφτούν γι’ αυτούς, γράφτηκαν. Η καταξίωση ήρθε με το παραπάνω. Ο Plant εξακολουθεί λοιπόν πεισματικά να αντιστέκεται στη στείρα παλαιοντολογία και να αρνείται αμύθητες αμοιβέςγια την επανασύνδεσή τους. Δεν νιώθει άνετα να αναμασά το φορτίο του παρελθόντος με πρακτικές νοσταλγίας και δεν θέλει να ακούγεται σαν ανθρώπινο juke-box για γιγαντοπεριοδείες της μεσόκοπης καραφλοχαίτης. Προτιμά να εμπνέεται από τα Ομιχλώδη Όρη του Τόλκιν, να διασχίζει μουσικά τις ανοιχτές πεδιάδες των Μεσοδυτικών Πολιτειών, να ατενίζει τις φυτείες του Μισισίπι, να εξερευνά τη folk παράδοση που κρύβουν τα Απαλάχια, να σαγηνεύεται από τα blues της ερήμου.

Αυτός είναι ο 11ος προσωπικός δίσκος του Χρυσού Θεού του ροκ της δεκαετίας του 1970, χωρίς να μετράω το άλμπουμ με την Alison Krauss και τα δύο συνεταιρικά με τον Page. Τον Plant συνοδεύει εδώ το συγκρότημα Sensational Space Shifters, το οποίο ήταν μαζί του και στο εξαιρετικό Lullaby Αnd… The Ceaseless Roar (2014). To Carry Fire προσφέρει μια αναζωογονητική βουτιά στα σπλάχνα της βρετανικής folk και των αμερικάνικων blues, για ένα κοινό που θέλει «ακούσει» και όχι να «θαυμάσει».

Ο Plant ερμηνεύει με την καρδιά του τραγούδια όπως το “New World” και το “Bones Οf Saints” και τα απολαμβάνει, δεν τα απογειώνει με κραυγές και πόζες απ’ την ανθολογία του φωτογενούς μύθου του. Ακούστε τον πόσο ανθρώπινα και αλάνθαστα διασκευάζει το “Bluebirds Over Τhe Mountain” παρέα με τη διακριτική συμμετοχή της Chrissie Hynde στα φωνητικά, ένα τραγούδι που γράφτηκε το 1958 απ’ τον Ersel Hickey. Η ποικιλόμορφη και ζεστή εξερεύνησή του τον στρέφει σε κρυφές πτυχές της μουσικής που τον ανέθρεψε –όσο μακριά από το American Songbook γίνεται.

Τραγούδια όπως το “Bone Of Saints” ανασύρουν μάλιστα κεφάλαια της ιστορίας του rock ’n’ roll που πολύ θα ήθελαν να ήξεραν οι νεότερες γενιές, αλλά βαριούνται να τα ερευνήσουν. Ακούστε επίσης την jazzy χαλαρότητα του “A Way With Words”, την ακαταμάχητη εσωτερικότητα του “Season’s Song” ή την ηλεκτρονική αισθητική του “Keep It Hid”… Μπορεί τα τραγούδια του νέου αυτού άλμπουμ στο σύνολό τους να είναι λιγότερο ευδιάκριτα και τολμηρά από εκείνα του Mighty Rearranger (2005), του καλύτερου κατά τη γνώμη μου post-Zeppelin δίσκου του Plant. Αλλά όσο υπάρχει υλικό καμωμένο με αγάπη, τα γαλόνια στο συρτάρι είναι παγίδα επανάπαυσης· και όσο υπάρχει αληθινό αίσθημα περιπέτειας, όλα τα Hall Of Fame του κόσμου μοιάζουν με μαυσωλεία, τα οποία βιάζονται να βάλουν ταφόπλακα στη δημιουργικότητα. Ελπίζω πραγματικά ο Plant να είναι πάντα καλά και να συνεχίσει όσο πιο μακριά γίνεται το ταξίδι του.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

The Dream Syndicate – Live

62nDreamsnd_5.jpg

Με τα υπαρξιακά άγχη και την κρίση ηλικίας χλευασμένα και πεταμένα στο καλάθι των αχρήστων, οι Dream Syndicate επέλεξαν την Αθήνα ώστε να ολοκληρώσουν την περιοδεία για το φετινό, υπέροχο άλμπουμ που τους επανένωσε μετά από δεκαετίες. Αυτό που παρουσίασαν ήταν πολύ παραπάνω από μία ακόμη συναυλία: ήταν κανονικό boost ενέργειας, για όσους λόγους μπορεί να φανταστεί κανείς –ένα μουσικό αντίδοτο στη σημερινή μετριότητα (αρχικά τη δική μας). Στις ζωντανές τους εκτελέσεις, τα τραγούδια τους διατήρησαν όλη την τραγανή αίσθηση, τη στακάτη δομή και την ξεκάθαρη ενέργειά τους. Από το “Halloween” και το “The Circle” μέχρι το “80 West” και το “Filter Me Through You”, ο ήχος τους ήταν προσανατολισμένος σε αυτό το πιστό, αφοσιωμένο στις αξίες του rock συστατικό, το οποίο τους έχει κάνει τόσο αγαπητούς. Πάντα με alternative αγνότητα, αλλά και με μια συγκινητική «κανονικότητα» στο παίξιμο και στη συμπεριφορά.

Δυόμιση ώρες έμεινε στη σκηνή του Fuzz η παρέα του Steve Wynn και μας έκαναν να νιώθουμε ότι δεν το χόρτασαν καλά-καλά οι ίδιοι και ότι θα έπαιζαν ευχαρίστως άλλο τόσο. Αυτό που στην ουσία δέσποζε, βέβαια, ήταν η αίσθηση ότι δεν αναζητούν καμιά επιβεβαίωση. Ήταν απλά ακμαίοι και τρυφεροί μεταξύ τους και κατάφεραν να ρολάρουν ενστικτωδώς, σαν ορκισμένοι rockers που δεν έχουν καμία ανάγκη να νιώσουν μέρος μιας εστέτ ηλεκτρικής κοινότητας.

Οι Dream Syndicate δεν χρειάζονται τα πολτοποιημένα ντεσιμπέλ της μεγάλης αρένας για να ακουστούν τεράστιοι, ούτε και περιόρισε τον μύθο τους το Fuzz. Η εμφάνισή τους έφερε παλαιορομαντικό αέρα, τον οποίο εισέπνευσε μονορούφι ένα κοινό που δεν πήρε τα μάτια του από πάνω τους και έτσι δεν είχε την ανάγκη να σηκώσει το smartphone για να καταγράψει βιντεάκια τα οποία δεν θα ξαναδεί ποτέ. Τους άκουγες να παίζουν το περιπετειώδες “Forest For The Trees”, το γκρουβάτο “That’s What You Always Say” και το φετινό, αχαλίνωτο “Glide” και –χωρίς να το καταλάβεις– είχες σχηματισμένο ένα διάπλατο χαμόγελο. Μέσα δε στο “Boston” έκαναν κι ένα συγκινητικό tribute στον Tom Petty διασκευάζοντας το “Refugee”, που με έκανε να χειροκροτήσω πολύ. Η εξοντωτική setlist περιλάμβανε διπλό encore, στο οποίο έλαμψε το “John Coltrane Stereo Blues”.

Η συναυλία ήταν ένα αληθινό, μικρό δώρο, μα και μια τεράστια πιστοποίηση για το ίδιο το συγκρότημα, πως είναι αναλλοίωτο απ’ τον χρόνο. Τα τραγούδια του αδιαφιλονίκητου αριστουργήματος The Days Οf Wine Αnd Roses (1982), πραγματικά παλιώνουν σαν το καλό κρασί: ενώ λειτουργούν ως δικλείδες πολιτισμικών αναφορών, δεν καπελώνονται ποτέ από εκείνες. Ο Steve Wynn είπε ότι σύντομα θα ξεκινήσουν να δουλεύουν ένα ακόμα άλμπουμ, για του χρόνου. Βρίσκονται σε ντουζένια έμπνευσης οι Dream Syndicate. Μόνο και μόνο γι’ αυτό, δηλώνω εντυπωσιασμένος.

62nDreamsnd_6.jpg

Posted in Music | Leave a comment

Η μυθολογία γύρω απ’ το ιστορικό Chelsea Hotel της Νέας Υόρκης

Σκονισμένοι τοίχοι, κάτοικοι φαντάσματα και παρατημένοι πίνακες σε τοίχους τους οποίους δεν βλέπει το φως της ημέρας. Έτσι ξεχρέωναν πολλοί τα νοίκια τους ώστε να έχουν έναν χώρο να εργάζονται. Αυτή είναι η σημερινή κατάσταση του Chelsea Hotel, που βρίσκεται στο έλεος των συμφερόντων κληρονόμων και επενδυτών. Κάποτε, ήταν ο Thomas Wolfe και ο Sid Vicious που έδιναν τον παλμό στο θρυλικό ξενοδοχείο, το οποίο ξεκίνησε να λειτουργεί κάπου ανάμεσα στην 7η και στην 8η λεωφόρο του Μανχάταν σαν ουτοπική εστία μιας ανώνυμης κομμούνας.

Το Chelsea άνοιξε τις πόρτες του το 1884 και γέμισε με συγγραφείς, μουσικούς και ποιητές. Μετά το 1910, προσωπικότητες όπως ο Μαρκ Τουέιν, αλλά και οι εκφραστές των αναπτυσσόμενων underground καλλιτεχνικών κινημάτων, έβρισκαν καταφύγιο στα δωμάτιά του. Κι σπό τη δεκαετία του 1940 και μετά, θα αποτελούσε φυσικό σπίτι για όλους τους ασυμβίβαστους καλλιτέχνες. Μια επικίνδυνη πυριτιδαποθήκη ιδεών, με χρυσές και μαύρες σελίδες στη διαδρομή του: το τελευταίο σύνορο των αντισυμβατικών μυαλών και τη no man’s land όλων όσων ένιωθαν αταίριαστοι με την εποχή τους, ακόμα και στη δεκαετία του 1960.

68jjChels_2.png

Προσωρινοί και μόνιμοι θαμώνες του υπήρξαν μουσικοί, punks και rockers, ηθοποιοί, ποιητές, ζωγράφοι, κινηματογραφιστές, μπίτνικς και χίπηδες. Τα ανήσυχα πνεύματα έβρισκαν μια περίεργη ανεξαρτησία εκεί: το μέρος τους πυροδοτούσε μια ανεξήγητη έμπνευση και όλοι οι δρόμοι οδηγούσαν σε κάποιο «υποσχόμενο» διαμέρισμά του, κάθε βράδυ. Κάποιος δηλαδή θα ήξερε κάποιον, ο οποίος θα ήξερε κάποιον που θα είχε εξασφαλίσει δωμάτιο για διαμονή. Οι θαμώνες στα πάρτι πίσω από τις κλειστές ή τις ανοιχτές πόρτες στο Chelsea έχουν διηγηθεί μυθικές ιστορίες και πολλές φήμες έχουν διατηρηθεί μέχρι και σήμερα· τόσες, ώστε κάνουν το Playboy Mansion να μοιάζει με κοσμικό κέντρο οικογενειακών εκδηλώσεων. Γιατί το ξενοδοχείο δεν φιλοξενούσε απλώς party animals, αλλά avant-garde ποιητές, αταξινόμητες φυσιογνωμίες, ξεπεσμένα celebrities, καταπιεσμένους καλλιτέχνες, εγκληματίες, εκκεντρικούς, μποέμ, διανοούμενους, πόρνες και φιλόσοφους.

Εκεί συνέβαιναν επίσης μερικά από τα after parties πολλών punk συγκροτημάτων, μετά τις  εμφανίσεις τους στο club CBGB. Οι καθημερινές ιστορίες του 12όροφου ξενοδοχείου περιείχαν ποταμούς από ναρκωτικά, καθημερινή performance art στους διαδρόμους, ποίηση, μουσική, σεξουαλικά έκτροπα, αλλά και βιαιοπραγίες, αυτοκτονίες, υλικές καταστροφές και θλιβερά overdoses, με ανθρώπους σε κώμα. Πέρα όμως από τη ρουτίνα των τυχαίων πυροβολισμών, των μυστήριων κλοπών και το μόνιμο άρωμα της μαριχουάνας στους διαδρόμους, έχουν καταγραφεί και περίεργες μαρτυρίες. Πολλοί λ.χ. έβλεπαν το φάντασμα του Thomas Wolfe στους διαδρόμους ή άλλων αγνώστων μορφών, που περιφέρονταν τις νύχτες. Χημικές παρενέργειες ή μεταφυσικά φαινόμενα; Το μόνο σίγουρο είναι ότι ο χώρος ασκούσε περίεργη επιρροή. Πολλοί πήγαιναν για να γίνουν κάποιοι άλλοι, μσ ακόμα περισσότεροι πήγαιναν εκεί απλά για να βρουν τον εαυτό τους.

68jjChels_3.png

You can check out any time you like, but you can never leave

@ O Bob Dylan παντρεύτηκε τη Sara Lownds κατά τη διάρκεια των 3 χρόνων που έμενε στο ξενοδοχείο, από το 1961 έως το 1964 –μάλιστα ο πρώτος του γιος, ο Jesse, γεννήθηκε εκεί. Στο δωμάτιο 211, το 1966, ο Dylan έγραψε σχεδόν ολόκληρο το άλμπουμ Blonde On Blonde. Τις εμπειρίες του από εκείνη την περίοδο θα τις μετέφερε στο τραγούδι “Sara”, 10 χρόνια μετά.

@ Η star του Andy Warhol με το όνομα Viva εγκαταστάθηκε στο ξενοδοχείο το 1963. Στα 25 χρόνια που έμεινε εκεί έκανε 2 γάμους.

@ Ο Leonard Cohen ήταν από τους μόνιμους κάτοικους του Chelsea και περιέγραψε κάπως έτσι την αγάπη του για το ξενοδοχείο: «I love hotels to which, at four a.m., you can bring along a midget, a bear and four ladies, drag them to your room and no one cares about it at all». Στον 5ο όροφο, είχε μια σύντομη ερωτική σχέση λίγων ωρών με την Janis Joplin, την οποία γνώρισε στο ασανσέρ του κτιρίου.

@ Η Janis Joplin ανεβοκατέβαινε με το ασανσέρ και φιλούσε αδιακρίτως όποιον έμπαινε μέσα.

@ Ο Jack Kerouac, ο Allen Ginsberg και ο William S. Burroughs ήταν μερικοί από τους μπιτ συγγραφείς που είχαν σαν σπίτι τους το ξενοδοχείο, με μόνες τους αποσκευές τα σημειωματάρια ή τις  γραφομηχανές τους. Κανείς τους δεν πλήρωνε ποτέ ενοίκιο. Ο Burroughs έγραψε το Γυμνό Γεύμα στο Chelsea.

@ O Jack Kerouac είχε εκεί ένα one-night stand με τον Gore Vidal, το οποίο μνημονευόταν από πολλούς για χρόνια ως σπουδαία στιγμή και για τους δυο.

@ Ο cult κινηματογραφιστής Harry Smith συγκατοικούσε για ένα διάστημα με τον Allen Ginsberg στο ξενοδοχείο.

68jjChels_4.jpg

@ Υπήρχαν ένοικοι που συγκατοικούσαν με αλιγάτορες, φίδια και μαϊμούδες στα δωμάτιά τους.

@ Η σχεδιάστρια μόδας Betsey Johnson πήγε να κοιμηθεί στο ξενοδοχείο αμέσως μόλις χώρισε τον John Cale το 1969 και έμεινε εκεί 8 μήνες.

@ Η Betsey Johnson σχεδίασε μέσα σε ένα μικρό δωμάτιο του ξενοδοχείου τα κοστούμια της cult ταινίας Ciao Manhattan, την εποχή που έμενε εκεί σαν καλεσμένη των Velvet Underground.

@ Ο Rufus Wainwright έγραψε το 2ο άλμπουμ του Poses (2001) στο ξενοδοχείο. Στο δωμάτιό του έμενε ο Αλεξάντερ Μακ Κουίν και η Κλόε Σεβινί.

@ Η Patti Smith έζησε εκεί από το 1959 μέχρι το 1962 με τον φωτογράφο Robert Mapplethorpe, ο οποίος έδινε στον ιδιοκτήτη έργα του, αντί να πληρώνει ενοίκιο.

@ Στις 12 Οκτωβρίου του 1978, η Nancy Spungen θα βρεθεί νεκρή από  μαχαιριές στη μπανιέρα της στο διαμέρισμα 100, στο οποίο συζούσε με τον σύντροφό της και μπασίστα των Sex Pistols, Sid Vicious. Ο δολοφόνος μέχρι σήμερα δεν έχει συλληφθεί. Το χρονικό καταχρήσεων αυτοκαταστροφής και θανάτου εξιστορεί η ταινία Sid & Nancy (1986) του Alex Cox, καθώς και το ντοκιμαντέρ Who Κilled Nancy?. Ο Vicious αυτοκτόνησε τον επόμενο χρόνο με μια θανατηφόρα δόση ηρωίνης. Ορδές από punks μαζεύονταν για χρόνια προσπαθώντας να μείνουν στο δωμάτιο 100, με αποτέλεσμα οι ιδιοκτήτες να το γκρεμίσουν και να το διαμορφώσουν διαφορετικά για να αποφύγουν τους παρανοϊκούς που έφταναν για να αυτοκτονήσουν εκεί.

68jjChels_5.png

@ Ο Άρθουρ Κλάρκ έγραψε το βιβλίο 2001: A Space Odyssey (1968) στο δωμάτιο που έμενε. Για ένα μεγάλο διάστημα, πριν εγκαταλείψει την Αμερική, ο Stanley Kubrick ζούσε κι αυτός μόνιμα στο Chelsea Hotel.

@ Ο Andy Warhol σκηνοθέτησε το ιστορικό ντοκουμέντο Chelsea Girls (1966), διάρκειας 3,5 ωρών. Το art house πείραμα παρατηρούσε τα κορίτσια του Factory να κυκλοφορούν απλά και να συμπεριφέρονται όπως θέλουν στους χώρους του Chelsea.

@ Ο Dee Dee Ramone σερνόταν ανάμεσα στα δωμάτια του ξενοδοχείου για μεγάλο διάστημα, σαν ένοικος ή σαν επισκέπτης. Στο βιβλίο που κυκλοφόρησε με τίτλο Chelsea Horror Hotel έγραψε για τις εμπειρίες του. Οι διασκεδαστικές ιστορίες του περιείχαν σκοτεινά οράματα, παραισθησιογόνα trip και σκηνές τρόμου μέσα σε απειλητικά δωμάτια.

@ Υπάρχουν μαρτυρίες πως ο ποιητής Dylan Thomas, μετά από πολλές νύχτες αϋπνίας, ήπιε 18 (!) συνεχόμενα ποτήρια ουίσκι στο μπαρ του ξενοδοχείου και έπεσε σε κώμα.

@ Ο συγγραφέας Arthur Miller ζούσε μεγάλα διαστήματα στο ξενοδοχείο. Το δωμάτιό του ήταν χώρος εργασίας και πολλών ειδών «πειραματισμών». Εκεί μέσα έγραψε σειρά από θεατρικά έργα. Σε μια συνέντευξή του περιέγραψε τη διαμονή του στο ξενοδοχείο ως εξής: «This hotel does not belong to America. There are no vacuum cleaners, no rules and shame…it’s the high spot of the surreal». Έχουν γραφτεί μαρτυρίες ανθρώπων που έχουν δει τη Marilyn Monroe σε απίστευτες σκηνές ζηλοτυπίας στην είσοδο, όπου απειλούσε να βάλει φωτιά αν δεν κατέβει ο Miller, ο οποίος είχε κλειδωθεί για μέρες στο δωμάτιό του.

68jjChels_6.jpg

@ Η Μadonna τράβηξε τις φωτογραφίες του βιβλίου της Sex στο εσωτερικό του ξενοδοχείου.

@ Ο σχεδιαστής μόδας Charles James βρήκε ανεξήγητο θάνατο το 1978, μετά από διαμονή 14 χρόνων στο ξενοδοχείο.

@ Η αστυνομία μπήκε σε ένα πάρτι που εξελισσόταν για 4 μέρες, με το ίδιο τραγούδι να ακούγεται στη διαπασών. Έπαιζε σε επανάληψη για 4 εικοσιτετράωρα και κανείς απ’ όσους βρίσκονταν στο δωμάτιο δεν το άλλαζε.

@ Ο μετέπειτα γκουρού του punk rock κινήματος και συγγραφέας Ντάνι Φιλντς διοργάνωσε εκεί ένα μυθικό πάρτι τη μέρα της δολοφονίας του JFK, για να αναπτερώσει το ηθικό του κόσμου. Πολλές είναι οι ιστορίες που λέγονται για όσα περίεργα εκτυλίχθηκαν εκείνη τη βραδιά. Ένα από τα πιο σίγουρα γεγονότα, είναι ότι εκεί ο Warhol γνώρισε τη Nico, η οποία θα γινόταν ηγετική μορφή του Factory.

@ Εκεί έζησε ο Ίθαν Χοκ μετά τη διάλυση του γάμου του με την Ούμα Θέρμαν, για να ξεπεράσει το διαζύγιο. Ο Χοκ είχε σκηνοθετήσει την ταινία Chelsea Wallsλίγα χρόνια πριν, η οποία διαδραματίζονταν στο ξενοδοχείο.

68jjChels_7.png

@ Ο συγγραφέας Τσάρλς Τζάκσον (The Lost Weekend) αυτοκτόνησε στο δωμάτιό του το 1968. Στο Chelsea συχνά πήγαιναν άνθρωποι μόνο και μόνο για να αυτοκτονήσουν. Πολλές είναι οι περιπτώσεις ατόμων που έφταναν στο ξενοδοχείο και πηδούσαν από τα μπαλκόνια, χωρίς καμία εξήγηση.

@ Εκεί κατέφευγαν πολλές βραδιές ο Robert De Niro Sr. (πατέρας του γνωστού ηθοποιού) με τον Τένεσι Ουίλιαμς. Εκεί πήγαινε και ο Jim Morrison όταν ήθελε να απομονωθεί από τις υποχρεώσεις με τους Doors, ο Ζαν-Πωλ Σάρτρ για να γνωρίσει κόσμο, η Φρίντα Κάλο για να ζωγραφίσει, ο Σαμ Σέπαρντ για να γράψει, ο Ντένις Χόπερ όταν δραπέτευε απ’ το Χόλυγουντ, ο Lou Reed, ο Frank Zappa και αμέτρητοι ακόμα επώνυμοι.

Σήμερα το θρυλικό ξενοδοχείο κατακλύζεται από περίεργους τουρίστες, γιάπηδες και τυχαίους περαστικούς. Εκεί που ο Jimi Hendrix δοκίμαζε τα πιο πολλά και καινούρια ναρκωτικά, υπάρχει απαγορευτικό καπνίσματος στην είσοδο.

68jjChels_8.png

6 Tραγούδια που μιλούν για το Chelsea Hotel

O Bob Dylan στο τραγούδι ”Sara” του 1976 τραγουδάει:

«I can still hear the sound of the Methodist bells,  I’d taken the cure
and had just gotten through Staying up for days in the Chelsea Hotel 
Writing Sad-Eyed Lady of the Lowlands for you»

Ο Leonard Cohen έγραψε το τραγούδι “Chelsea Hotel No 2”, που μιλούσε για τη σχέση του με την Janis Joplin στο δωμάτιο 104, την οποία γνώρισε στο ασανσέρ του ξενοδοχείου. Οι στίχοι είναι πολύ αναλυτικοί.

«I remember you well at the Chelsea Hotel, you were talking so brave and so sweet giving me head on the unmade bed while the limousines wait in the street».

Η Joni Mitchell στο ”Chelsea Morning” περιγράφει ένα υπέροχο πρωινό:

Woke up, it was a Chelsea morning and the first thing that I heard
aas a song outside my window and the traffic wrote the words
It came ringing up like Christmas bells and rapping up like pipes and drums

Η Nico σε μία από τις πρώτες σόλο προσπάθειές της τραγουδάει στο “Chelsea Girls”:

Here’s Room 506 It’s enough to make you sick. 
Bridget’s all wrapped up in foil You wonder if she can uncoil.
Here they come now See them run now
Here they come now Chelsea Girls
Here’s Room 115 Filled with S&M queens
Magic marker row. You wonder just high they go.

Ο Ryan Adams έγραψε σχεδόν ολόκληρο το άλμπουμ Love Is Hell κατά τη διαμονή του στο ξενοδοχείο. Στο αυτοβιογραφικό τραγούδι “Hotel Chelsea Nights”, αναφέρει:

In fact I’m tired of living in this hotel
With the snow and the rain falling through the sheets
And I’m tired of 23rd Street
Strung out like some Christmas lights
Out there in the Chelsea nigh

Το άλμπουμ Song For Survivors του Graham Nash περιέχει το “The Chelsea Hotel” με τους υπέροχους στίχους:

Down at the Chelsea Hotel, with poetry and paintings.
The walls are still holding memories of people who fell, down through the years, fighting their fears.
ill vanish before the city’s merchant greed,
Wreckers will wreck it, and in its stead. More lofty walls will swell
This old street’s populace. Then who will know
About its ancient grandeur, marble stairs, Its paintings, onyx-mantels, courts, the heirs
Of a time now long ago?

Από το Avopolis

Posted in Article | Leave a comment

Ο Θάνατος του Ιερού Ελαφιού

Η σύμπραξη του ξεχωριστού ύφους γραφής του Ευθύμη Φιλίππου και της δυσοίωνης βιρτουοζιτέ του Γιώργου Λάνθιμου, εξακολουθεί με κάθε νέα ταινία να αρνείται να κάνει έκπτωση χάριν καλοπιάσματος των mainstream θεατών, όσων αντιμετωπίζουν καχύποπτα οτιδήποτε τα βάζει με τις κατασταλτικές δυνάμεις της ανώδυνης ψυχαγωγίας. Ο αναγνωρισμένος παγκόσμια πλέον σκηνοθέτης εξακολουθεί να αναπτύσσει τις προβληματικές του σε «διεθνή γλώσσα» και τα καταφέρνει. Αποταυτισμένος πια από  τις weird wave εξαλλοσύνες των άμοιρων ανταγωνιστών του, τους οποίους μας άφησε πίσω του (και τι να τους κάνουμε), με τη νέα ταινία του εξερευνά τη ματαιότητα και το βάρος μιας συναισθηματικής επιλογής. Ο ήρωας είναι ένας χειρούργος που μάχεται χωρίς ελπίδα το πεπρωμένο της οικογένειάς του, από τη στιγμή που ένα αγόρι του ζητά μια ανείπωτη θυσία. Ο Λάνθιμος διαθέτει απεριόριστη εμπιστοσύνη στην κάμερα, έτσι ώστε να φωτίσει έναν έφηβο χαρακτήρα, βαθιά ψυχωτικό, ο οποίος περικυκλώνει τη ζωή του επιστήμονα. Ένα λάθος του γιατρού είχε κοστίσει τη ζωή του πατέρα του αγοριού και το χρέος πρέπει να ξεπληρωθεί με τη μορφή μιας αρχέγονης κατάρας. Ένα μέλος της οικογένειάς του θα πρέπει να πεθάνει.

Είναι φανερό ότι η σκηνοθετική γραφή του φιλμ, αντλεί από το οπλοστάσιο του σινεμά του Στάνλεϊ Κιούμπρικ· τα μαγνητικά τράβελινγκ στους εσωτερικούς χώρους του ξενοδοχείου φέρνουν στο μυαλό τους διαδρόμους του ξενοδοχείου της «Λάμψης». Όμως το σινεμά του Χάνεκε είναι αυτό που πραγματικά εμπνέει το δημιουργικό δίδυμο, ειδικά στον τρόπο που δίνουν μορφή αρχαίας τραγωδίας σε αυτή την ιστορία εμμονής και ενοχής. Η χειρουργική ακρίβεια των πλάνων θα πυροδοτήσει εντάσεις, εσωστρέφεια και παρατεταμένη καχυποψία. Η λαιμητόμος της τιμωρίας του γιατρού –με τη μορφή της στυγερής κατάρας- τοποθετούν την οικογένειά του ως έρμαιο στο «συμβολικό» αίτημα του ψυχωτικού νέου, σαν πράξη δικαιοσύνης.63c_2.jpeg

Θεωρώ πως υπάρχουν δυο σοβαρά αφηγηματικά προβλήματα στην ταινία. Το πρώτο είναι ότι η συμβολική τιμωρία λειτουργεί ρεαλιστικά, σαν ασφυκτική αντίστροφη μέτρηση πριν το θάνατο κάποιου μέλους της οικογένειας. Για να δεχθούμε ως θεατές μια τέτοια απόκοσμη τιμωρία σε πλαίσιο ρεαλιστικό, που σημαίνει ότι ο μικρός ήρωας διαθέτει την εξώκοσμη δύναμη να επεμβαίνει στη μοίρα, θα πρέπει η σκηνοθεσία να είναι σε άλλο επίπεδο – μόνο σαν μπρεχτικό δοκίμιο στα χέρια ενός Λαρς Φον Τρίερ θα μπορούσε να ευδοκιμήσει αυτό. Ο Λάνθιμος είναι σκηνοθέτης αξιώσεων αλλά ακόμη δεν έχει βρεθεί εκεί ως auteur. Αν πάλι, παραβλέψουμε την οφθαλμοφανή αμφιβολία του ρεαλισμού του ευρήματος, και το αντιμετωπίσουμε σαν μοντέρνα πλαστογράφηση του Ευριπίδη, τότε το ύφος της ταινίας θα όφειλε να είναι λεπτό σαν ξυράφι για να αφήσει συγκινησιακό αποτύπωμα, όπως ο «Κρυμμένος» του Χάνεκε. Η προσέγγιση εδώ είναι φιλοσοφική αλλά καθόλου ανθρωπολογική (όπως στο σινεμά του Χάνεκε) κάτι που αφαιρεί σε αμεσότητα.

63c_3.jpg

Το δεύτερο ουσιαστικό πρόβλημα είναι η αδιαφορία του σκηνοθέτη για το ζήτημα της ηθικής. Ο Λάνθιμος παρατάει την ηθική πλευρά της ενοχής και της δικαίωσης, ακριβώς τη στιγμή που αντιλαμβανόμαστε πλήρως την ιντριγκαδόρικη ιδέα του. Το παιχνίδι τιμωρού και τιμωρημένου, δεν λειτουργεί σαν συμβολική εξομάλυνση του τραύματος, ούτε καν σε πλαίσιο παραβολής γύρω απ’ την αυτοδικία, όπως έκανε το «Ακρωτήρι του Φόβου» του Σκορσέζε. Ο φακός δείχνει να μην έχει οίκτο για τους ήρωές του και να υιοθετεί τον πικρό τόνο των συμπεριφορών που εξερευνά, από το νεκροφιλικό σεξ μέχρι την ύπουλη φιλία. Φυσικά, ο δαιμόνια έξυπνος σκηνοθέτης, με μια προσέγγιση ανοιχτά φιλοσοφική, φυτεύει άβολα ερωτήματα για το δράμα των ανύπαρκτων δεσμών αγάπης εντός της οικογένειας, όπως είχε κάνει στον «Κυνόδοντα». Η οικογενειακή θαλπωρή μοιάζει με ταριχευμένο ζώο, χωρίς στίγμα κοσμικής ζωής και αλήθειας. Ο Λάνθιμος ασχολείται για άλλη μια φορά αποτελεσματικά με την επίπλαστη ψευδαίσθηση των ευτυχισμένων δεσμών και σε αυτό συμβάλλει ο εξαιρετικός Κόλιν Φάρελ και η Νικόλ Κίντμαν η οποία μετά το Eyes Wide Shut, παίζει στην δεύτερη ταινία ενός άριστου απόφοιτου της σχολής Κιούμπρικ (η πρώτη ήταν το «Birth» του Τζόναθαν Γκλέιζερ.

Η ταινία έχει μια αδιευκρίνιστη ακαμψία όσο πλησιάζουμε στην τελευταία σκηνή και ποτέ δεν φτάνει στο επίπεδο του σπαραγμού που αρμόζει στο θέμα. Οι μεταπτώσεις των ηρώων από ψυχαναλυτικής άποψης οδεύουν στην αυθαιρεσία. Όμως τελικά ο Λάνθιμος εξαιτίας της επινοητικότητάς του και των αριστουργηματικών του γεωμετρικών του κάδρων, πετυχαίνει την ταύτιση και την αποστροφή τη στιγμή ακριβώς που πρέπει.

63c_4.jpg

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

Album Of The Week #143

Liam Gallagher

As You Were

Είναι μάλλον αχρείαστη η μιλιταριστική προσταγή του τίτλου (στον στρατό σημαίνει: «επιστρέψτε σε αυτό που κάνατε πριν την προσοχή»), καθώς κανείς δεν χτυπάει πια προσοχές όταν μπαίνει στο δωμάτιο η πρώην θεότητα του brit rock της δεκαετίας του 1990.

Η έλλειψη σεβασμού προς το πρόσωπο του Liam Gallagher δεν οφείλεται πάντως στο ότι έχει ξεφτίσει ο θρύλος των Oasis: μια απλή υποψία επανένωσής τους, μπορεί ακόμα να σπείρει κύματα ενθουσιασμού και προσμονής σε όλο τον κόσμο. Ο λόγος που αντιμετωπίζεται με χλευασμό είναι η αλαζονική του μεγαλοθυμία, οι αστεία ματαιόδοξες δηλώσεις του και η αίσθηση «κατινιάς» που συνοδεύει κάθε δημόσια εμφάνισή του. Αυτό είναι το πρώτο του σόλο άλμπουμ, καθώς οι Beady Eye (με τους οποίους κυκλοφόρησε 2 δίσκους) διαλύθηκαν κάτω απ’ το βάρος των μεγάλων προσδοκιών. Αν θέλουμε λοιπόν να αντιμετωπίσουμε αυτό το νέο του ξεκίνημα με τη δική του φαρμακερή γλώσσα, θα μπορούσαμε να πούμε ότι, μετά το 2ο διαζύγιό του και με 4 παιδιά να θρέψει (από 4 διαφορετικές μητέρες), χρειαζόταν ένα δισκογραφικό συμβόλαιο περισσότερο απ’ ότι χρειαζόταν το κοινό του τον ίδιο (sorry lad).

Δίχως αμφιβολία, ο Liam Gallagher δεν διαθέτει την ικανότητα του αδερφού του στη δημιουργία στρογγυλών μελωδιών και crowd-pleasing τραγουδιών, ικανών να απογειώνουν συναυλίες χάρη στο μαζικό sing-along στην αρένα. Όμως ήταν η δική του φωνή πίσω από τη μηχανή που κινούσε το όχημα των Oasis, η οποία κάποτε κατάφερε να παρασύρει ένα έθνος και να χαράξει μουσικά μια ολόκληρη γενιά. Κι έτσι, το As You Were είναι ποτισμένο απ’ άκρη σ’ άκρη με την υπερβολική αυτοπεποίθηση του Liam, ο οποίος νιώθει υπέρλαμπρος rock star και θέλει πάση θυσία να το πιστέψουμε κι εμείς.

Και τελικά, το υλικό του δεν είναι καθόλου άσχημο. Ρυθμικά τραγούδια όπως το “Bold” και το “Come Back To Me”, αν και ελαφρώς άτολμα, είναι απολαυστικά και γεμάτα ενέργεια. Αυτή θα μπορούσε πράγματι να ήταν μια ντουζίνα κομματιών που γράφτηκαν την εποχή του (What’s The Story) Morning Glory? (1995) και απλά δεν στάθηκαν αρκετά δυνατά ώστε να καταλήξουν εκεί.

Φυσικά υπάρχουν οι αναμενόμενες μπιτλικές μελωδίες, όπως το “Universal Gleam” και ο παραδοσιακά ξεπατικωμένος John Lennon στο “Paper Clown”. Πρόκειται για ωραία τραγούδια, που όμως δεν έχουν τη δύναμη να πετάξουν αγκαλιά με τη Λούσι σε Διαμαντένιους Ουρανούς, όπως νομίζουν, αφού η εμμονή του Liam με τους Beatles μοιάζει πλέον σχεδόν παρωχημένη: στο “I Get By” τραγουδάει «I’m about to fall stone cold, Helter Skelter», ενώ στο “Chinatown” μας θυμίζει ότι «happiness is still a warm gun» (sic). Πίσω από τις επιφανειακά ανάλαφρες ιδέες, πάντως, υπάρχουν κάποιες ευφυείς εκλάμψεις με ωραία δομή και διακριτική μελαγχολία, όπως το“When I’m In Need” ή το “Greedy Soul”, στο οποίο η φωνή του απλώνεται στα ηχεία και αποτυπώνεται στα καλύτερά της.

Πραγματικά, ο άνθρωπος τραγουδάει υπέροχα, ίσως καλύτερα από ποτέ. Από την άλλη, η μανία με την tabloid παραφιλολογία και ο χουλιγκανίστικος κωλοπαιδισμός που κουβαλάει, δεν μας επιτρέπει να πάρουμε στα σοβαρά το απολογητικό αμένσιωτο προς τον αδερφό του στο “For What It’s Worth”, ειδικότερα όταν αντιμετωπίζουμε στίχους τύπου «Let’s leave the past behind with all our sorrows / I’ll build a bridge between us and I’ll swallow my pride». Είναι κρίμα να αναλώνεται σε μικροπολεμική με την ίδια του την κληρονομιά ο Liam Gallagher, γιατί, αν αποτινάξει τη μιντιακή περσόνα του, είναι ικανός να μας χαρίσει υπέροχα μελωδικά, όσο και ψυχεδελικά ταξίδια.

Θα περιμένουμε.

Από το Avopolis

 

Posted in Music | Leave a comment

Album Of The Week #142

Ariel Pink

Dedicated To Bobby Jameson

Η μουσική του ιδιότροπου Ariel Pink ακόμα μπορεί να παράγει ψυχεδελική ζαλάδα, δημιουργώντας μια φούσκα που σε καλεί να μπεις μέσα της για να μην σε αγγίζει η ασχήμια τριγύρω. Οι μελωδίες του, όσο πιο σχιζοφρενικές και πολύχρωμες, τόσο περισσότερο λειτουργούν σαν ασπιρίνη απ’ τη μουντάδα του αστικού τοπίου ή της προαστιακής οκνηρίας. Ο 11ος δίσκος του είναι αφιερωμένος στον εκκεντρικό τραγουδοποιό Bobby Jameson, ο οποίος έδρασε στο περιθώριο της δεκαετίας του 1960, προτού χαθεί ακόμα κι απ’ τις λίστες των παραγνωρισμένων μουσικών λόγω παρανομίας, άγριων εξαρτήσεων και ψυχολογικών προβλημάτων, που είχαν σαν αποτέλεσμα ο κόσμος να τον θεωρεί νεκρό μέχρι πολύ πρόσφατα. Την obscure φύση του Jameson ζήλεψε μάλλον o Ariel Marcus Rosenberg Rosenberg και έβαλε έτσι μπροστά τους μουσικούς πυλώνες της φαντασίας του, ώστε να ηχογραφήσει κάμποσα παραισθησιογόνα lo-fi τραγούδια, με το πορτραίτο του κατεστραμμένου καλλιτεχνικά Jameson να κοσμεί το στούντιο.

Όσοι είναι εξοικειωμένοι με την υπναγωγική δύναμη της pop του Ariel Pink θα απολαύσουν «μπιτλικά» πειράματα όπως το “Another Weekend” και τραγούδια όπως το “Death Patrol”: μοιάζουν με ξεχασμένα ψυχεδελικά nuggets από συλλεκτικά maxi singles της δεκαετίας του 1970. Το πνεύμα των Animal Collective διαφαίνεται στο “Kitchen Witch”, ο τραγουδοποιός βγάζει τον Prince από μέσα του στο “I Wanna Be Young”, ενώ οι τραγανιστές κιθάρες κουμπώνουν ωραία με την ειρωνεία στο περιπαικτικό “Santa’s In The Closet”.

Ο δίσκος περιέχει pop δωματίου, η οποία μοιάζει να ακούγεται από φθαρμένες κασέτες VHS. Τα synths έχουν βάλει σκοπό να σε σαγηνεύσουν για να σου δημιουργήσουν δυσφορία λίγο αργότερα και να σε γοητεύσουν ξανά μετά. Στις απολαυστικές στιγμές συγκαταλέγεται βέβαια και το “Bubblegum Dreams”, το οποίο μοιάζει με κλασικό gay ύμνο που επηρεάστηκε απ’ τον Phil Spector για να θρέψει μουσικά το ψωνιστήρι στη Sunset Srip.

Ο αταξινόμητος μουσικός είναι εδώ περήφανα αντι-ραδιοφωνικός: δεν λειαίνει τις γωνίες των τραγουδιών και αφήνει τις ατέλειες να βγάζουν μάτι, σαν σιδερένια εξογκώματα σε βελούδινο στρώμα. Ακούστε τον στο “Dreamdate Narcissist” να επιδίδεται σε μια κωμική stand-up παράσταση, που μιλάει για τα τοτέμ των ανέσεων του μοντέρνου τρόπου ζωής («Netflix and chill» και «She’s sending me an Uber ’cause she wanted some dick»). Η μεγαλύτερη ικανότητά του είναι να συλλαμβάνει τις μελωδίες και αμέσως να τις αφήνει ελεύθερες στον αέρα, πριν προλάβει να τις εξημερώσει.

Όμως, για να είμαστε δίκαιοι, ο νέος αυτός δίσκος μοιάζει περισσότερο με παρέλαση από psych-pop ονειρώξεις, παρά με καλλιτεχνική πρόταση αξιώσεων. Το Dedicated Τo Bobby Jameson τελικά ακούγεται σαν το bonus disc με τα πρώιμα demo ενός αριστουργηματικού ψυχεδελικού δίσκου που δεν έχει ακούσει κανείς.

Από το Avopolis

Posted in Music | Leave a comment

Suburbicon

64cccSubrb_2.jpg

Οποιοσδήποτε μπορεί να μουρμουρίζει και να τραγουδάει τη μελωδία ενός τραγουδιού. Όταν έρθει η ώρα της εκτέλεσης και της ηχογράφησης, όμως, ακόμα κι αν η μελωδία παραμείνει απαράλλακτη, μετασχηματίζεται σε κάτι εντελώς διαφορετικό. Ο Τζόρτζ Κλούνεϊ αναλαμβάνει κάθε τριετία καθήκοντα σκηνοθεσίας για μια ιστορία που του τραβάει για κάποιο λόγο την προσοχή. Το Suburbiconείναι η 6η του ταινία και η πρώτη στην οποία δεν κρατάει κάποιο ρόλο σαν ηθοποιός. Ίσως να είναι ο τρόπος του για να μας δείξει πως αυτή τη φορά συγκεντρώθηκε απόλυτα στη σκηνοθεσία.

Το σενάριο του Suburbicon έχουν υπογράψει ο Τζόελ και ο Ίθαν Κοέν, αλλά μάλλον τα αδέλφια δεν το θεώρησαν αρκετά καλό για να το σκηνοθετήσουν. Ο Κλούνεϊ βρήκε ευκαιρία να πατήσει στον crime σουρεαλισμό και το μηδενιστικό σύμπαν των Κοέν και να αναπαράξει το ύφος της αφήγησης του, όμως παρόλο που τους γνωρίζει καλά (έχει συνεργαστεί τρεις φορές μαζί τους) το αξίωμα για τη διασκευή μιας μελωδίας λειτουργεί εις βάρος του. Άλλωστε, ακόμα κι αν ένας δημιουργός προσλάβει τον καλύτερο διευθυντή φωτογραφίας, τον πιο τεχνίτη μοντέρ και τον πιο έμπειρο καλλιτεχνικό διευθυντή, το αποτύπωμα ενός δημιουργού είναι αποτέλεσμα αυθεντικότητας, όχι απλά δεξιοτεχνίας. Το αμίμητο στυλ των αδερφών Κοέν (και κάθε auteur) δεν μπορεί να αναπαραχθεί με δανεική τεχνογνωσία.

64cccSubrb_3.jpg

Η υπόθεση του φιλμ είναι καθαρά Κοενική και πλησιάζει περισσότερο στο “Blood Simple”, το νεο-νουάρ που το 1984 λάνσαρε εντυπωσιακά την καριέρα του τρομερού διδύμου. Μια εισβολή σε ένα σπίτι και μια τσαπατσούλικη απάτη, στήνουν έναν χορό στον οποίο μπλέκονται κακοποιοί της κακιάς ώρας με κουτοπόνηρους εγκληματίες της διπλανής πόρτας και ο νόμος του Μέρφι ξεσαλώνει. Σε μια φιλήσυχη γειτονιά της δεκαετίας του 1950, από τη μια πλευρά του φράχτη έχουμε τον αμοραλισμό ενός κακομοίρη και της κουνιάδας του που έχουν βάλει στο μάτι τα χρήματα απ’ την ασφάλειας ζωής και απ΄την άλλη της προκαταλήψεις απέναντι σε μια οικογένεια μαύρων που εγκαταστάθηκαν στη συνοικία. Οι baby boomers μπλέκουν σε μια αδιέξοδη ιστορία που τους βυθίζει στο αίμα την ώρα που ξεσπάει μια άγρια εξέγερση για να φύγουν οι «έγχρωμοι» απ’ τη γειτονιά.

Όσο όμορφα και να έχει σκηνοθετήσει ο Κλούνεϊ την ιστορία, το αποτέλεσμα στην καλύτερη περίπτωση μοιάζει με ένα καλό b-side στο “Fargo”. Στην χειρότερη μοιάζει με άτολμο Καραόκε με αφορμή ένα στόρι απ’ τα αζήτητα των Κοέν. Ο Ματ Ντέιμον και η Τζούλιαν Μουρ ερμηνεύουν σε δραματικό ύφος τους δυο παράνομους πρωταγωνιστές – ολέθριο σκηνοθετικό λάθος του Κλούνεϊ, καθώς αυτό αφαιρεί κάθε ίχνος ειρωνείας. Το αποτέλεσμα μοιάζει με ληγμένο χυμό στο ψυγείο με το brand των Κοέν στο κουτί: έχουν χαθεί όλα τα συστατικά της μαύρης κωμωδίας (Burn After Reading) όλη η σύγκρουση του μηδενικού IQ με τον μηδενισμό στην ραχοκοκκαλιά του εγκλήματος (Raising Arizona) και κάθε πολύχρωμο τερέν γύρω απ’ το αδιέξοδο των all American κακομοίρηδων που πέφτουν άτσαλα στο κυνήγι της εύκολης μπάζας. Το Suburbicon είναι όσο απολαυστική μπορεί να είναι μια ωραία παράσταση από μια καλή tribute band. Ο Κλούνεϊ πρέπει να βρει το δικό του ύφος γραφής την επόμενη φορά, αλλιώς θα πρέπει να πούμε «Καληνύχτα, και Καλή Τύχη» στη σκηνοθετική του πορεία.

64cccSubrb_4.jpg

Από το Movieworld

Posted in Cinema | Leave a comment

Σεξουαλική παρενόχληση: Φάκελος Hollywood

H πρόσφατη αποκάλυψη (;) για τις απεχθείς πράξεις του παραγωγού Harvey Weinstein σε βάρος γυναικών ήταν μια από τις μεγαλύτερες θύελλες που έχουν χτυπήσει την πόλη των αγγέλων στην Καλιφόρνια – και συμπεριλαμβάνω και τις κλιματικές. Τίποτα πια δεν είναι ίδιο στο Χόλιγουντ και από τα κρυφά «casting couch» στα πολυτελή ξενοδοχεία, ξεκινά μια χιονοστιβάδα που θα αλλάξει ριζικά πολλά πράγματα σε κάθε περιβάλλον εργασίας. Τα γεγονότα που αφορούν στις αποκαλύψεις δεκάδων (ίσως εκατοντάδων) ηθοποιών σε σχέση με το μεγάλο αφεντικό της παλιάς αυτοκρατορίας της Miramax, είναι μια αφορμή για μια σύντομη ανασκόπηση σε μια σκοτεινή πλευρά της ιστορία της κινηματογραφικής βιομηχανίας. Το Χόλιγουντ ήταν πάντοτε γεμάτο από πλούσιους, λευκούς άνδρες οι οποίοι ασκούσαν την εξουσία τους σε γυναίκες που κυνηγούσαν το όνειρο της καριέρας ή συντηρούσαν τον μύθο τους στις αντρικές φαντασιώσεις.

Πολύ πριν από τον Weinstein υπήρχε ο Louis B. Mayer, συνιδρυτής του μεγάλου στούντιο με το όνομα Metro-Goldwyn-Mayer απ’ το 1924. Ο Mayer ήταν γνωστό ότι παρενοχλούσε συστηματικά τις ηθοποιούς των ταινιών του και απειλούσε να βλάψει τις ίδιες αλλά και μέλη της οικογένειάς τους εάν μιλούσαν στον τύπο ή αν πήγαιναν στις αρχές. Ως αποτέλεσμα, καμία υπόθεση δεν διασταυρώθηκε  επίσημα και τίποτα δεν έφτασε σε δικαστήριο. Ο Mayer ήταν γνωστός για τη μανία με την οποία κυνηγούσε την Jean Howard. Οι πιέσεις ήταν τόσο ασφυκτικές και επιθετικές, που ώθησαν την Jean να παντρευτεί τον ατζέντη της, Charles Feldman. Μετά απ’ αυτό, ο Mayer όχι μόνο δεν έδωσε ξανά δουλειά στην Howard αλλά κάθε πελάτης του Feldman έμπαινε στη μαύρη λίστα της MGM. Ένα ακόμη από τα λιγότερο καλά κρυμμένα μυστικά της βιομηχανίας ήταν η συμπεριφορά του ζάπλουτου παραγωγού Harry Cohn, αφεντικού της Columbia, ο οποίος δεν προσλάμβανε ποτέ ηθοποιούς στις ταινίες του, ακόμα και αν αυτές ήταν σταρ όπως η Marilyn Monroe και η Kim Novak, αν αυτές δεν περνούσαν απ’ το κρεβάτι του.

65aaMvw_2.jpg

Όλοι το γνώριζαν και οι πάντες είχαν μάθει να ζουν με αυτή τη συνθήκη εργασίας. Κάθε ραντεβού του Mayer με οποιαδήποτε νεαρή ηθοποιό διεξάγονταν με τα κορίτσια να κάθονται στα γόνατά του και με το χέρι του στο στήθος τους. Ο Mayer είχε παρενοχλήσει σεξουαλικά την Judy Garland όταν η διάσημη ηθοποιός ήταν ακόμη στην εφηβεία. Όμως αυτός δεν ήταν ο μόνος τρόπος με τον οποίο ο παραγωγός έβλαψε τον «Μάγο του Οζ». Ο Mayer πίεζε ψυχολογικά την Garland, λέγοντάς της ότι δεν είναι αρκετά όμορφη και αρκετά λεπτή, με αποτέλεσμα η Judy να κάνει επέμβαση στη μύτη της και ταυτόχρονα να αρχίσει τι αμφεταμίνες, το αλκοόλ και πολλά ακόμη χάπια. Μετά την περίοδο του οικονομικού Κραχ, τα studio έγιναν τεράστια οικονομική δύναμη και έτσι γεννήθηκε η χρυσή εποχή του Χόλιγουντ, την δεκαετία του ‘30. Όσο περισσότερο άνθιζαν τα studio, τόσο η οικονομική δύναμη μαζεύονταν σε λίγους ισχυρούς άνδρες και σε όσους πιστούς συνεργάτες τους πλαισίωναν. Σε ανθρώπους δηλαδή όπως ο παραγωγός που κακοποίησε την Shirley Temple στο γραφείο του όταν η ίδια ήταν μόλις 12 ετών.

65aaMvw_5.jpg

Η Marilyn Monroe ήταν μια από τις καλλονές που δεν στάθηκε αρκετά δυνατή ώστε να αντιδράσει στις παρενοχλήσεις και εξαιτίας της εξαιρετικά χαμηλής αυτοπεποίθησης που διέθετε, υπέκυπτε σε άνδρες των studio με την υπόσχεση χρυσών συμβολαίων και μεγάλων συμπρωταγωνιστών πλάι της. Οι ναρκωτικές ουσίες, το αλκοόλ και οι αυτοκτονίες ήταν κοινό χαρακτηριστικό πολλών βιογραφιών από  γυναίκες με star quality σαν την Marilyn. Η ίδια είχε γράψει στην αυτοβιογραφία της: «Τους γνώρισα όλους. Η υποκρισία και η αποτυχία ήταν γραμμένες πάνω τους. Μερικοί ήταν μοχθηροί και διεφθαρμένοι, όμως όλοι τους σχετίζονταν με τον κινηματογράφο. Οπότε έκανες υπομονή και καθόσουν δίπλα τους για να ακούσεις τα ψέμματα και τις σκευωρίες τους. Έτσι, έβλεπες το Χόλιγουντ με τα μάτια τους: σαν ένα πυνκνοκατοικημένο μπορντέλο, σαν ένα καρουζέλ με κρεβάτια αντί για άλογα». Ο Eddie Judson, σύζυγος της Rita Hayworth έπαιρνε επαγγελματικά ανταλλάγματα από άλλους άνδρες με αντίτιμο τις σεξουαλικές χάρες της λαμπερής ηθοποιού. Όταν όμως η Rita Hayworth αρνήθηκε να κάνει οτιδήποτε με τον Harry Cohn, το πλήρωσε ακριβά. Κάτι ανάλογο συνέβη και με την Joan Collins η οποία έχει δηλώσει πως δεν πήρε τον ρόλο της ”Κλεοπάτρας” επειδή δεν κοιμήθηκε με τον Darryl Francis Zanuck, τον αργηγό της 20th Century-Fox. Άσχημη και είναι η υπόθεση όπου ο γνωστός ηθοποιός Errol Flynn, ενώ είχε σχέση με την 15χρονη Beverly Aadland, κατηγορήθηκε για βιασμό δυο ανήλικων ηθοποιών.

Μια ακόμη σημαντική περίπτωση ήταν αυτή της Tippi Hedren, η οποία αποκάλυψε ότι ο μεγάλος μετρ του σασπένς, ο Alfred Hitchcock την είχε παρενοχλήσει σεξουαλικά. Η ξανθιά πρωταγωνίστρια του “The Birds” και του “Marnie” είχε εξευτελιστεί και τραυματιστεί ψυχολογικά, σε μια χρονική περίοδο που όφειλε να είναι το απόγειο της καριέρας της (το χρονικό της εμμονής του Χιτς με την Heddern έχει καταγραφεί στην τηλεταινία του BBC με τίτλο “The Girl”). Η Hedren, μητέρα της Melanie Griffith, δεν έπαψε ποτέ να μιλάει για τον ψυχολογικό πόλεμο που της ασκούσε ο Χίτσκοκ και τους χειρισμούς με τους οποίους την έκανε να λυγίσει. Οι βιογράφοι του σκηνοθέτη λένε ότι ο Άλφρεντ δεν ξεπέρασε ποτέ το γεγονός ότι απ’ την εποχή του “Vertigo” κιόλας, δεν είχε πια την Grace Kelly για πρωταγωνίστριά του. Με κάποιο τρόπο λοιπόν, o μεγάλος σκηνοθέτης τιμωρούσε όλες τις υπόλοιπες, είτε ήταν η Kim Novak είτε η Tippi Hedren, ως ανάξιες των ρόλων τους.

65aaMvw_3.jpg

H άρνηση στις ερωτικές προκλήσεις δεν ήταν εύκολη υπόθεση για καμία ηθοποιό. Στην περίπτωση της πανέμορφης Jean Seberg, πρωταγωνίστριας μεταξύ άλλων του “Breathless” του Γκοντάρ, η καριέρα της ηθοποιού και μοντέλου είχε ξεκινήσει στα μέσα της δεκαετίας του 1950, όταν ο τυραννικός Otto Preminger την σκηνοθέτησε στην μεταφορά του έργου του Bernard Shaw με τίτλο “Saint Joan”. Η κακοποίηση στα γυρίσματα της ταινίας δεν ήταν μόνο σεξουαλική καθώς ο σκηνοθέτης την έβαζε να κάνει αχρείαστα, εξευτελιστικά πράγματα εκτός σεναρίου μόνο και μόνο επειδή μπορούσε, με αποκορύφωμα τον σοβαρό τραυματισμό της σε μια σκηνή πυρκαγιάς. Ο μυστηριώδης θάνατος της Seberg πολλά χρόνια αργότερα καταχωρήθηκε ως «πιθανή αυτοκτονία».

Η κουλτούρα του βιασμού δεν αφορούσε μόνο τις γυναίκες. Ο διάσημος ατζέντης Henry Willson, ο άνθρωπος που έμεινε στην ιστορία ως αυτός που ανακάλυψε τον Rock Hudson, είχε στο ρόστερ του τον Tab Hunter, την Lana Turner και την Natalie Wood. Ήταν πολλοί οι νεαροί άνδρες ηθοποιοί που έκαναν ερωτικές χάρες στον Willson, πάντα με αντάλλαγμα κάποιο συμβόλαιο σε ταινία. Οι νεαροί ηθοποιοί, είτε στρέιτ, είτε γκέι, δεν μίλησαν ποτέ ανοιχτά για τον ίδιο. Άλλωστε, στη δεκαετία του 50’ μια φήμη ότι κοιμήθηκαν με τον ατζέντη τους θα κατέστρεφε την καριέρα και την υπόληψή τους ανεπιστρεπτί. Ο Roddy McDowall ήταν απ’ τους λίγους που δήλωσαν επίσημα ότι ο Wilson ήταν: «σαν το σκουλήκι κάτω από την πέτρα την οποία δεν ήθελες ποτέ να σηκώσεις».

65aaMvw_4.jpg

Τέτοιου τύπου σκάνδαλα, εκβιασμοί και σεξουαλικές παρενοχλήσεις συνοδεύουν σε κάθε δεκαετία τους προνομιούχους και ισχυρούς άνδρες του Χόλυγουντ. Ιδιαίτερα ανατριχιαστική είναι η ιστορία του Roscoe Arbuckle, ο οποίος το 1921 μετά από ένα οργιαστικό πάρτι βρέθηκε κατηγορούμενος για τον βιασμό και το φόνο της ηθοποιού Virginia Rappe. Ο Arbuckle δεν καταδικάστηκε ποτέ για την σεξουαλική κακοποίηση.

Ο συγγραφέας F. Scott Fitzgerald πέρασε τα τελευταία χρόνια της ζωής του γράφοντας το “The Last Tycoon”, που μετέφερε στον κινηματογράφο ο Elia Kazan το 1977, με τον Robert De Niro στον κεντρικό ρόλο του μεγαλοπαραγωγού Monroe Stahr. Σε μια σκηνή της ταινίας, ένας σεναριογράφος προετοιμάζει την ηρωίδα για το μεγάλο ραντεβού στο γραφείο του Stahr. Ο διάλογος υπονοούσε ξεκάθαρα τι έπρεπε να κάνει στο «casting couch» για την καριέρα της. Η Theresa Russell, η οποία υποδύεται την ηρωίδα, δήλωσε χρόνια αργότερα ότι κινδύνευσε να χάσει τον ρόλο στο φιλμ εξαιτίας την άρνησής της να ενδώσει στις παρενοχλήσεις του παραγωγού Sam Spiegel. Η ζωή μιμείται την τέχνη που εμπνέεται απ΄τη ζωή, με παράξενο τρόπο.

Η πτώση της αυτοκρατορίας των studio μετά τη δεκαετία του 1970, η άνθηση της τηλεόρασης και η φωνή των φεμινιστικών κινημάτων έδωσαν την ψευδαίσθηση ότι το φαινόμενο είχε περιοριστεί σχετικά. Η δεκαετία του 1980, μάλιστα, έφερε και τις πρώτες γυναίκες σε διευθυντικές θέσεις μεγάλων studio. Η υπόθεση του Weinstein έσκασε φέτος σαν βόμβα, για να ξεσκεπάσει με τον χειρότερο και πιο κυνικό τρόπο ότι δεν έχουν αλλάξει πολλά πράγματα από την εποχή των πρώτων «talkies».

Συμπτωματικά, όπως είδαμε πρόσφατα στη σειρά «Feud», το soft porn που είχε γυρίσει σε νεαρή ηλικία η Joan Crawford και με το οποίο την εκβίαζαν πως θα το διαρρεύσουν στον τύπο, είχε τον τίτλο «Casting Couch». Η κουλτούρα είναι ίδια, απλώς ο Weinstein είχε την «ατυχία» να προλάβει την εποχή των social media και εξαιτίας της δύναμής τους να προσπερνούν τα ελεγχόμενα ΜΜΕ τον είδαμε να καταστρέφεται ολοσχερώς δημόσια, με τον χειρότερο δυνατό τρόπο. #KarmaIsaBitch

Από το Avopolis

Posted in Cinema | Leave a comment